Efemérides de cine: El proceso de las brujas

El 5 de febrero de 1970 se estrenó la película italiana El proceso de las brujas (Il trono di fuoco), dirigida por Jesús Franco e interpretada por Christopher Lee, Maria Schell, Leo Genn, Margaret Lee, Maria Rohm, Milo Quesada, Werner Abrolat, Diana Lorys, Howard Vernon, José María Prada, Hans Hass Jr., Pietro Martellanza. Productora: Coproducción Italia-España-Liechtenstein-Alemania del Oeste (RFA); Fénix Cooperativa Cinematográfica/Prodimex Film/Terra Film/Towers of London. Duración: 97 minutos. 

Sinopsis argumental: En la Inglaterra de los últimos Estuardo, el impopular Jacobo II ha puesto la justicia en manos de George Jeffreys, un hombre sanguinario que persigue con saña a los presuntos enemigos de la corona bajo acusaciones de brujería. Jeffreys es asistido en sus planes por Palfox, su perverso y astuto ayudante. Harry Sefton, hijo del conde de Wessex, se enamora de Charity, hermana de una muchacha quemada por bruja. Harry mantiene relaciones con los rebeldes, que desde Holanda tratan de derrocar a Jacobo.

Comentario: Una de las múltiples producciones paneuropeas dirigidas por el ya mítico Jesús Franco, construida a partir de enfrentar la perversidad de Christopher Lee (sin duda, uno de los actores más prolíficos de la historia del cine) con la exquisita belleza de la austríaca Maria Rohm (una de las actrices favoritas del cineasta, con quien rodó hasta nueve títulos). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (IV)

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En su siguiente película, Giulietta de los espíritus (Giulietta degli spiriti, 1965), hizo pensar a todo el mundo que estaba basada en su relación matrimonial con Giulietta Massina. El propio Fellini corroboró primero esta interpretación cuando dijo que: "Todo lo que hace un artista tiene que ver consigo mismo", pero luego la negó parcialmente afirmando: "la protagonista, Giulietta, no es exactamente mi mujer, y el matrimonio que aparece en la película no es exactamente mi matrimonio". Lo  que si resulta evidente es que Giulietta de los espíritus consolidó la creciente predilección de Fellini por las imágenes extravagantes, exageradas y casi surrealistas, susceptibles de una interpretación simbólica en términos freudianos. Es innegable que el personaje de Giulietta sigue siendo fiel a la visión de Fellini de las mujeres como seres especialmente espirituales. Mientras que en La dolce vita el personaje de Marcello sucumbe totalmente a la alienación de la vida moderna y urbana. Giulietta, enfrentada a una crisis personal, se da cuenta de que la vida carece de sentido si no se atiene a códigos morales o de conducta. 

Giulietta Masina y Sandra Milo en Giulietta de los espíritus (1965)

A continuación, Fellini rodó Fellini-Satiricon (Fellini - Satyricon, 1969) y Roma (1972), en las que abandona los elementos autobiográficos de su obra anterior. A pesar de su espectacularidad y la belleza de sus imágenes se trata de películas esencialmente cerebrales. Tal como señaló el propio Fellini en relación con Satiricón: "... El público debe olvidarse de su concepción de las películas como algo destinado a contarles una historia, on un principio, su desarrollo y un final; de sus ideas previas sobre el cine histórico; de sus ideas previas sobre mí...".

Max Born y Martin Potter en Fellini - Satricon (1969)

Basada en un texto de Petronio, la película ejemplifica la visión que tiene su director de la sociedad romana antes de Cristo. En el mundo lleno de amoralidad que muestra, el único impulso que anima a sus personajes es el del placer sexual; su totem es el hermafrodita que aparece en determinadas escenas. Los personajes grotescos y en ocasiones disparatados que pueblan Satiricon están llenos de apetitos sensuales, y en ocasiones resultan incluso bellos en su búsqueda definitiva del placer.

El hermafrodita y sus ayudantes de Satiricon

Aparte de atacar el concepto de realidad histórica y de desdeñar los métodos narrativos tradicionales, Satiricon es la película más pantagruélica, irónica y absurda de Fellini en términos visuales. Desgraciadamente, Satiricon es una película en la cual se lo juega todo a una carta y depende en gran medida de hasta que punto los espectadores están dispuestos a aceptar las imaginativas y surrealistas creaciones de su autor. 

Fanfulla en Fellini - Satiricon (1969)

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Anna Karina, Jean Seberg, Brigitte Bardot, Maruschka Detmers... musas de Jean-Luc Godard (XII)

France Gall, la fanática inesperada

Fue la última estrella filmada por Jean-Luc Godard, en 1996, alejada del mundo del espectáculo durante mucho tiempo. Pero este privilegio no estuvo exento de paradojas. Primero fue un vídeo clip. Entonces fue France Gall quien tuvo la idea: se lo había solicitado al maestro en una fervorosa carta. Para su nueva versión de la canción Plus haut, de su álbum France, cuatro años después de la muerte de su compositor y marido Michel Berger, la cantante quería, dijo, al "hombre que mejor filma a las mujeres". Jean-Luc Godard estuvo de acuerdo de inmediato, aunque nunca había hecho un vídeo clip, y no se sentía atraído por el género, y France Gall pasó una noche en el hotel en Rolle, Suiza, antes de ir a la oficina de Godard, donde fue entrevistada y filmada por el cineasta.

La verdadera sorpresa, sin embargo, vino de la radical singularidad del resultado, publicado unas semanas después: un objeto centelleante de imágenes de archivo y juegos de palabras superpuestos ("Plus Oh!"), pero donde la artista interpreta un fragmento  en donde casi no aparece,  o sólo hace subliminalmente o por pequeños fragmentos de su cara, incrustados en el mosaico gráfico. Este fue emitido el 20 de abril de 1996 en el canal de la televisión francesa M6. En todos los aspectos, esta película, lejos de cualquier clip existente, anuncia la monumental folletín de Jean-Luc Godard, Histoire(s) du cinema, presentado en 2000: la misma estética, el mismo deslumbramiento, la misma obsesión por la metamorfosis. Al principio desconcertada, la cantante no tardó en declarar su admiración y orgullo por la obra, que, por desgracia, se vio privada de inmediato para transmitir por cuestiones de derechos... 

Efemérides de cine: Empiecen la revolución sin mí

El 4 de febrero de 1970 se estrenó la película estadounidense Empiecen la revolución sin mí (Start the Revolution Without Me), dirigida por Bud Yorkin e interpretada por Gene Wilder, Donald Sutherland, Hugh Griffith, Jack MacGowran, Billie Whitelaw, Victor Spinetti, Ewa Aulin, Helen Fraser. Productora: Warner Bros. Pictures, Duración: 98 minutos. 

Sinopsis argumental: En tiempo previos a la Revolución Francesa, dos parejas de gemelos son separados al nacer. Una pareja se criará en la realeza, mientras la otra crecerá como niños de unos campesinos.

Nominaciones y premios: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original comedia.

Comentario: Una divertida y muy conseguida parodia que toma elementos de obras de Victor Hugo, Dumas y Moliere, que, sin embargo, no gozó de demasiado éxito en su momento, convirtiéndose en una película de culto para los universitarios americanos de la época. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Patton

El 4 de febrero de 1970 se estrenó la película estadounidense Patton, dirigida por Franklin J. Schaffner e interpretada por George C. Scott, Karl Malden, Stephen Young, Michael Bates, Michael Strong, James Edwards, Frank Latimore, Morgan Paull, Jack Gwillim, Edward Binns, Peter Barkworth, Karl Michael Vogler. Productora: Twentieth Century Fox. Duración: 172 minutos. 

Sinopsis argumental: Biografía del general norteamericano George S. Patton, quien, tras vencer al mariscal alemán Rommel en el norte de África, condujo a sus tropas de manera imparable a través de Europa. 

Nominaciones y premios: 7 Oscar incluyendo Mejor película, director, actor y guión; Globo de Oro: Actor en drama. Nominada a drama y director; Premios BAFTA: Nominada a mejor actor (George C. Scott) y banda sonora; National Board of Review: Mejor película, mejor actor; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor (George C. Scott); Sindicato de Directores (DGA): Mejor director; Sindicato de Guionistas (WGA): Mejor guión original drama.

Comentario: Uno de las más monumentales películas documentales jamás producidos, con una duración de casi tres horas. Candidata a diez premios Óscar, la cinta ganó siete estatuillas y le dio a su protagonista, George C. Scott, el mejor papel de su carrera. Scott, que rechazó su Óscar por considerar que el premio lo hacía competir con otros colegas, dio vida al personaje tan entera y convincentemente que no dejó al espectador otra opción que quedar fascinado por un hombre siempre al filo entre el infierno y la gloria. Rodada con toda clase de medios, en docenas de localizaciones europeas, Patton no presenta la guerra como algo noble, aunque tampoco vuelve la espalda al hecho de que es una gran cuna de héroes. Así, gracias a la ambición de un director y al gran trabajo de un actor, la cinta consigue mostrar toda la complejidad de un hombre que aceptó su papel en la vida hasta las últimas consecuencias. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Los asesinos de la luna de miel

El 4 de febrero de 1970 se estrenó la película Los asesinos de la luna de miel (The Honeymoon Killers), dirigida por Leonard Kastle e interpretada por Shirley Stoler, Tony Lo Bianco, Mary Jane Higby, Doris Roberts, Kip McArdle, Barbara Cason. Productora: Cinerama Releasing Corporation. Duración: 108 minutos.

Sinopsis argumental: Relata la sangrienta trayectoria criminal de una pareja, Martha y Ray. Ambos se conocieron a través de una agencia matrimonial de contactos para "corazones solitarios". Él resultó ser un estafador, y ella se enamoró tan locamente de él que se convirtió en su cómplice. Su objetivo eran mujeres solteras o viudas solventes, a las que Ray cortejaba para deshacerse de ellas posteriormente.

Comentario: Basada en un hecho real acaecido a finales de los años 1940, la pareja acabó con la vida de 12 mujeres. La dirección de la adaptación a la gran pantalla de la vida de estos dos criminales recayó en un primer momento en Martin Scorsesse, que abandonó el proyecto por discrepancias con los productores.obtuvo muy buenas críticas.Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Federico Fellini, primer centenario de su nacimiento (III)

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Los dos siguientes títulos de Fellini sellarían su reputación como cineasta fuertemente personal y autobiográfico. Ocho y medio (Otto e mezzo, 1963), gira en torno a la crisis artística y de identidad de un director de cine. Guido (Marcello Mastroianni), que tiene problemas con su esposa (Anouk Aimée) mientras sostiene una aventura amorosa con otra mujer. La película está ambientada en un balneario al que Guido ha acudido para intentar recuperarse de un derrumbamiento nervioso y terminar un guión para una película sobre la odisea de unos supervivientes de la Tercera Guerra Mundial. Se ve constantemente acosado por el productor y por los actores que a van a trabajar en ella y, poco a poco, se va dando cuenta que debe rodar una película mucho más personal  e intimista, en la que afronte sus propias angustias e inquietudes. Con Ocho y medio, Fellini logró una película extraordinaria, en la que la realidad y la fantasía se mezclan y superponen de una manera casi imperceptible. El argumento indica que Fellini había realizado una película autobiográfica. El mismo reconoció:

Fedrico Fellini en Ocho y medio (1963)

"Me doy cuenta de que Ocho y medio es una confesión desvergonzada de que es inútil intentar hacer olvidar a la gente que se trata de la historia de mi propia vida, pero yo siempre me planteo hacer una película que primero me guste a mi y luego al público. En el caso de Ocho y medio, la línea divisoria entre lo que rodé para mi mismo y lo que rodé para el público es tan sutil que resulta casi inexistente". Para complicar más las cosas, Fellini dijo posteriormente que Ocho y medio no es tan autobiográfica como parece. 

Marcello Mastroianni en Ocho y medio (1963)

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Cumplió 25 años: Los hombres siempre mienten

El 3 de febrero de 1995 se estrenó la película española Los hombres siempre mienten, dirigida por Antonio del Real e interpretada por Gabino Diego, Beatriz Rico, Antonio Resines, Anabel Alonso, Jordi Mollà, Cayetana Guillén Cuervo, Joge Calvo, Juan Luis Galiardo, José Sancho, Claudine Auger, Pilar Sancho, Fernando Sánchez Dragó, Fernando Chinarro. Productora: Origen PC/Proarsa. Duración: 104 minutos. 

Sinopsis argumental: A Martín (Gabino Diego), que sueña con ser escritor, lo expulsan de la escuela por su bajo rendimiento. El azar hace que un vecino (Antonio Resines), que es un escritor famoso, le dé las llaves de su piso para que se lo cuide. Cuando Martín encuentra el manuscrito de su última novela, decide presentarla en la escuela como si fuera obra suya. 

Comentario: Una divertida comedia juvenil sin mucho más. 

Anna Karina, Jean Seberg, Brigitte Bardot, Maruschka Detmers... musas de Jean-Luc Godard (XI)

Sorpresas encantadas

Chantal Goya, la reticente

Goya/Godard. ¿Una historia en abundancia? En el papel de la bonita ingenua, la inmaculada y deliciosa cantante Chantal Goya, de 23 años y ya con su facultad comunicante. Primera vez frente a la cámara para la aprendiz yéyé, cuya carrera cinematográfica se esfumará. La película, se llama Masculino femenino (Masculin féminin) y se estrenará en marzo de 1966. Después del romanticismo solar de Pierrot el loco (Pierrot le fou, 1965), Godard, rey de los contrarios, quería regresar a París, a un cine de dormitorio, en blanco y negro, para tomar el pulso de esta juventud al comienzo de la ebullición, "los hijos de Marx y Coca-Cola", como dice un famoso y sibilino intertítulo de la película.

Chantal Goya y Jean Pierre Leaud en Masculino, femenino (1965)

¿Podemos hablar de un ícono de Godard al referirnos a Chantal Goya? No realmente. Sobre todo, es ella misma, una joven de los años 1960 que sueña con su primer sencillo de 45 revoluciones, reacia a los avances de su compañero Jean-Pierre Léaud y que se niega a jugar a muñecas de cera para Jean-Luc Godard. Su mentor es Jean-Jacques Debout, con quien firma la banda sonora. Ella se casará con él justo después del rodaje, vivió en retrospectiva, como solía decir: "En un momento, Godard quería que me desnudara en el baño, con un vidrio esmerilado. Marlène [Jobert] tuvo que ir a la ducha, luego yo. Le digo a Marlene: “¿Puedes desnudarte? - Oh sí, no me importa. Mi cuerpo es como un pedazo de madera, me importa un comino. - Ah bueno? Bueno, no puedo, estoy bloqueada”. Así que me escondí debajo del bidé y Marlène regresó varias veces con su flequillo para fingir ser yo. Godard se da cuenta y me dice: "Nunca serás una estrella si no te desnudas. - ¡Me da igual! Ya tengo una estrella en casa: ¡mi lavadora!" ¡Oh si! ella es inteligente.

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Anna Karina, Jean Seberg, Brigitte Bardot, Maruschka Detmers... musas de Jean-Luc Godard (X)

Isabelle Huppert, la criatura 

Godard ha hecho durante mucho tiempo un cine coral, mezclando increíbles cócteles de actores. Huppert, por otro lado, es más solitaria, hecha para hacer películas sola a través de personajes que, como las heroínas de La encajera (La Dentellière, 1977) o Elle (2016), no son responsables ante nadie, con panda aparte... Juntos, el cineasta y la actriz, sin embargo, lograron hacer dos películas que se encuentran entre las más bellas y que parecen más decisivas para él que para ella.

Isabelle Huppert y Jerzy Radziwilowicz en Pasión (1982)

Al principio de una carrera que comienza a valer su peso en oro, la joven Huppert llega a la casa de Godard de puntillas. En 1980, en Salve quien pueda, la vida (Sauve qui peut (la vie)), se llama Isabelle. Prostituta de hoteles de lujo, se entrega a una orgía esencialmente lingüística, porque todo se desarrolla en el diálogo: un concepto muy godardiano del que la actriz fácilmente hace su arma. Consolidada, ya ocupa su lugar en este cine que es voluntariamente abstracto. Ella es la que se resiste, como la otra Isabelle a quien encarna en Pasión (Passion, 1982), una trabajadora en una revuelta. Alrededor de estos dos "personajes", Godard hace gravitar una figura de cineasta, un papel confiado primero a Jacques Dutronc en Sauve qui peut (la vie), luego a Jerzy Radziwilowicz en Pasión. A partir de entonces, todo se confunde, el arte y el dinero circulan, el sexo y quizás los sentimientos se intercambian de contrabando... Así, su unión, fugaz, habrá sido sellada: Huppert es una traficante para Godard, él mismo apasionado por todos los tráficos. Juntos, a principios de la década de 1980, ambos se mezclaron con el cine: volvió a él, se instaló allí, cada uno surfeó en una nueva ola, el cruce de sus trayectorias produjo energía, ideas, vida, deseos. Antes de dejarlo e ir cada uno por su lado.

Hace 100 años: El camino de Dios

El 2 de febrero de 1920 se estrenó la película sueca El camino de Dios (Karin Ingmarsdotter), dirigida por Victor Sjöström e interpretada por Victor Sjöström, Tora Teje, Bertil Malmstedt, Tor Weijden, Nils Lundell, Carl Browallius, Josua Bengtson, Nils Aréhn, Olof Ås, Eric Gustafson, Emil Fjellström, Paul Hallström, Anna Thorell, Bror Berger, Harriet Bosse, Tyra Dörum, Mona Geijer-Falkner, Algot Gunnarsson, Gösta Gustafson, Tims Halvor, Oscar Johansson, William Larsson, Thyra Leijman-Uppström, Wilma Malmlöf, Gustav Ranft, Margit Sjöblom, Ruth Weijden. Productora: Svenska Biografteatern AB. Duración: 115 minutos. 

Sinopsis argumental: Karin (Tora Teje), la hija de Ingmar el Viejo (Victor Sjöström), un agricultor rico, quiere casarse con Halvor (Tor Weijden), que arrastra consigo la reputación de un padre alcohólico. Cuando están a punto de contraer matrimonio, Halvor es encontrado borracho en una cuneta.

Comentario: Es la segunda parte de la adaptación de la obra maestra Jerusalén de Selma Lagerlöf. La primera se tituló La voz de los antepasados (Ingmarssönerna, 1919), también dirigida por Victor Sjöström. 

Hace 100 años: Die Spinnen, 2. Teil - Das Brillantenschiff

El 2 de febrero de 1920 se estrenó la película alemana Las arañas, parte 1 (Las arañas 1: El lago de oro) (Die Spinnen, 2. Teil - Das Brillantenschiff), dirigida por Fritz Lang e interpretada por Carl de Vogt, Ressel Orla, Georg John, Lil Dagover, Paul Biensfeldt, Harry Frank, Friedrich Kühne, Rudolf Lettinger, Meinhart Maur, Paul Morgan. Productora: Decla Film. Duración: 81 minutos. 

Sinopsis argumental: Kay Hoog es un millonario aventurero, una especie de cruce entre Phileas Fogg e Indiana Jones. En la primera parte de la serie, "Der goldene see", Hoog encuentra una botella con un mensaje que ha sido arrojada al mar por un profesor de Harvard desaparecido en Perú. A partir de aquí, se suceden las más diversas aventuras: el hallazgo de un gran tesoro de la antigua civilización inca, una organización secreta llamada "Las Arañas", dirigida por una mujer fría y calculadora, viajes en barco y globo. Y, finalmente, Hoog se enamora de una bella princesa inca y la lleva consigo a San Francisco.

Comentario: Die Spinnen fue una película ideada por Lang en dos partes. La primera sería rodada en 1919, y por desgracias, la segunda sería rodada en la misma época que El gabinete del doctor Caligari. 

Hace 100 años: Anna the Adventuress

El 1 de febrero de 1920 se estrenó la película británica Anna the Adventuress, dirigida por Cecil M. Hepworth e interpretada por Alma Taylor, Jean Cadell, James Carew, Gerald Ames, Gwynne Herbert, Christine Rayner, Ronald Colman, James Annand. Productora: Hepworth/Sutherland. 

Sinopsis argumental: Las hermanas gemelas Anna y Annabel son tan diferentes como pueden serlo dos gemelas. Anna es una estudiante de arte tímida, mientras que Annabel es una bailarina que brinda por París. El esposo de Annabel desaparece en su luna de miel. Creyéndolo muerto, asume la identidad de su hermana, hace fiestas por toda la ciudad y luego se casa con un rico industrial. Sin embargo, las cosas no salen como ella planeó.

Comentario: Está basada en una novela de Phillips Oppenheim. Realizado por Hepworth Pictures en Walton Studios, ahora se considera una película perdida.

Anna Karina, Jean Seberg, Brigitte Bardot, Maruschka Detmers... musas de Jean-Luc Godard (IX)

Nathalie Baye, la dulce

Se ha dicho todo sobre el divorcio entre Godard y Truffaut, la disputa de los compañeros de la Nouvelle Vague, que acabaron por asesinarse a distancia con cosas hirientes. Pero un trazo todavía los conecta, y esa es, Nathalie Baye.

Cuando Godard la contrató, dos años tras La habitación verde (La chambre verte, 1978), curiosamente no la remodela. Él le deja la dulzura, la melancolía, esta fragilidad que es intensa y teñida de cansancio, tan adecuada para el cine Truffaut. Para Salve quien pueda (la vida) (Sauve qui peut (la vie), 1980), Nathalie Baye se convierte en Denise Rimbaud, una mujer que decide marcharse al campo, monta una bicicleta, nada godardiana, incluso si, sin duda, está inspirada en Anne-Marie Miéville. En resumen, ella es una "mujer real", no una idea de mujer.

Este sorprendente análisis es complicado pero se confirma con Detective (Détective, 1985). Nathalie Baye se ha convertido en la compañera de Johnny Hallyday en la vida real, y se encuentran en la pantalla. Ella es la esposa de un piloto de líneas aéreaa, él es entrenador de boxeo, y la primera frase que le dirige es un gancho: "No te rompes el culo, quiero estar solo y no me la pones dura". "La gentil Nathalie, rebautizada un poco cruelmente como Françoise, se enfrentará a otro ... Ella es "esta pequeña francesita que parece un falso Botticelli", hace sonar la voz de último juicio de Alain Cuny. Ella ama el dinero y dice: "Boca, rabo, culo, más que eso funciona con mi esposo.

Nathalie Baye y Johnny Hallyday en la película Detective (1985)

Sin embargo, es pura belleza, estilo Botticelli, lo que gana. El plan donde Johnny pone su frente en el hombro de Nathalie es sublime. Ella es fervor, luz, llama y calma. Godard la somete a un viejo trasfondo de misoginia y luego la magnifica.

La red avispa, de Olivier Assayas: ¿apasionante o confunso?

Década de 1990. Un cubano exiliado en Miami se une a la lucha contra los anticastristas. El regreso de Olivier Assayas al thriller geopolítico, La red avispa (Wasp Network, 2019) . Es una adaptación del libro Os Últimos Soldados da Guerra Fria de Fernando Morais, centrado en el caso de los cinco espías cubanos en la década de 1990. Cuenta con la participación de Ana de Armas, Penélope Cruz, Wagner Moura, Edgar Ramírez, Gael García Bernal y Leonardo Sbaraglia. Fue presentada en el última Festival de Cine de Venecia.

Es una mañana como cualquier otra para René González. Una última taza de café para el camino, un último beso a su hija y su esposa antes de irse a trabajar en un autobús destartalado y sobrecargado: estamos en Cuba, a principios de la década de 1990, y la economía colectivista planteada por Fidel Castro continúa hundiéndose, privado del apoyo del gran hermano soviético y sofocado por el embargo estadounidense. La rutina continúa en el aeródromo donde René González trabaja como instructor de vuelo. Pero a la hora del almuerzo, el piloto saboteó la torre de control y cogió su avioneta en secreto. Despegue por la libertad y una vida menos precaria en Miami, donde el ex héroe de la guerra en Angola decidió desertar, sin avisar a nadie. Ni siquiera su familia...