¡Feliz Año 2026!

“Metropolis”: el clásico de culto de Rintarō regresa a los cines

En 2001 se estrena Metrópolis (Osamu Tezuka no Metoroporisu), la adaptación de un manga de Osamu Tezuka —inspirado a su vez en la película de Fritz Lang— ofreció una versión animada de la ciudad futurista y oscura. 

De una obra maestra a otra. Esta metrópolis japonesa no es una de las muchas versiones de la legendaria película de Fritz Lang. Casi podría considerarse una secuela, otra aventura —esta vez animada— en la misma ciudad futurista. En 2001, Rintarō  en colaboración con Ōtomo (guionista y director de la épica Akira), adaptó un manga de 1949 de Osamu Tezuka.

La trama: Ambientada en el futuro, Metrópolis es una grandiosa ciudad habitada por humanos y robots, los cohabitantes de una sociedad estrictamente segmentada. En medio del caos creado por facciones de robots, el detective Shunsaku Ban y su secuaz Kenichi buscan al rebelde científico el Dr. Laughton, para arrestarle y quitarle su última creación, Tima, una preciosa joven. Cuando les localizan, Shunsaku pronto se da cuenta que el excéntrico científico está muy lejos de su alcance, ya que le protege un hombre muy poderoso cuyo deseo más feroz es recuperar una trágica figura de su pasado. Ambientada en el futuro, Metrópolis es una grandiosa ciudad habitada por humanos y robots, los cohabitantes de una sociedad estrictamente segmentada. En medio del caos creado por facciones de robots, el detective Shunsaku Ban y su secuaz Kenichi buscan al rebelde científico el Dr. Laughton, para arrestarle y quitarle su última creación, Tima, una preciosa joven. Cuando les localizan, Shunsaku pronto se da cuenta que el excéntrico científico está muy lejos de su alcance, ya que le protege un hombre muy poderoso cuyo deseo más feroz es recuperar una trágica figura de su pasado.

Rintarō aseguró no haber visto nunca la original. Pero más allá de su ambientación, aparecen una plétora de ecos temáticos: la geografía de la ciudad refleja la jerarquía laboral; la omnipotencia del plutócrata Duque Rojo (Joh, en la película de Lang), que acaba de construir su inmenso y misterioso zigurat…

Una película sobre la Guerra Civil española que pocos conocen

Es Ebro, de la cuna a la batalla, (Ebre, del bressol a la batalla, 2016), de Román Parrado, una producción española que sorprende por su honestidad, su crudeza y su forma de mirar a uno de los episodios más duros de la Guerra Civil española.

Emilio Palacios en Ebro, de la cuna a la batalla (2016)

En 1938 la Guerra Civil española ya ha desgastado a ambos ejércitos y arrasado los ánimos de la población. A pesar de todo, las diferencias entre republicanos y nacionales son reveladoras: El bando fascista dispone de la ayuda incondicional del armamento y los hombres facilitados por Hitler y Mussolini mientras el ejército republicano se ve ignorado por una Europa más preocupada por una posible Gran Guerra que por el destino de España. En este ambiente el cruce del Ebro parece la mejor táctica republicana para invocar las alianzas internacionales indispensables y demostrar, a la vez, la resistencia frente a los fascistas, que llevan impulso hacia la victoria.

Àlex Monner y Kimberley Tell en Ebro, de la cuna a la batalla (2016)

Estrenada en 2016 en el Festival de Cine de Málaga y en TV3. La película fue galardonada con el premio Gaudí a la mejor película para televisión ese mismo año.

Una de las mejores y más olvidada película de Bruce Willis

El gran halcón (Hudson Hawk, 1991), dirigida por Michael Lehmann. Bruce Willis, además de protagonizarla, fue uno de los autores del guion y de la canción principal. La película es conocida por su mezcla de acción, humor y elementos musicales, y fue también adaptada a un videojuego para plataformas de la época. 

Eddie Hawkins, más conocido como "El Gran Halcón", es un ladrón de guante blanco que, después de cumplir una condena de diez años de prisión, ha decidido vivir como una persona honrada. Pero un hombre llamado Mayflower amenaza con matar a su amigo Tommy si no roba una serie de obras de Leonardo Da Vinci.

A pesar de ser una película de imagen real, el guion y los gags están fuertemente influidos por los dibujos animados, el slapstick, y están plagados de efectos de sonido y de un humor absurdo que recuerda a los cartoons clásicos de Tex Avery y Bugs Bunny. El argumento hace una parodia de las teorías de conspiración, de las sociedades secretas y del estilo "clockpunk".

“Rondallas”, una película para sentirse bien

La película Rondallas, dirigida por Daniel Sánchez Arévalo e interpretada por Javier Gutiérrez, María Vázquez, Judith Fernández, Tamar Novas, Carlos Blanco, Fernando Fraga, Xosé A. Touriñán, Marta Larralde, Lola López Rodríguez, se estrena en cines en España el 1 de enero de 2026, aunque tuvo un preestreno en el Festival de San Sebastián en septiembre de 2025 y ya se ha lanzado su tráiler oficial. 

Dos años después del trágico naufragio de un barco pesquero que sacudió a un pequeño pueblo marinero gallego, los habitantes del pueblo deciden que ya es hora de recuperar la ilusión y dejar el luto atrás. Por ello vuelven a unirse para poner en marcha la rondalla, una agrupación de música tradicional en la que participan desde niños hasta ancianos, con la intención de competir en un concurso contra los pueblos vecinos, pero sobre todo de empezar a mirar hacia delante de nuevo.

Hace 100 años: Ben-Hur

El 30 de diciembre de 1925 se estrenó la película estadounidense Ben-Hur (Ben-Hur: A Tale of the Christ), dirigida por Fred Niblo e interpretada por Ramon Novarro, Francis X. Bushman, May McAvoy, Betty Bronson, Claire McDowell, Kathleen Key, Carmel Myers, Nigel De Brulier, Mitchell Lewis, Leo White, Frank Currier, Charles Belcher, Dale Fuller, Winter Hall. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 143 minutos. 

Sinopsis argumental: La acción se sitúa en el año 26 d.C. Roma somete a los hebreos a una violenta represión. Judah Ben-Hur, un joven judío de familia acomodada, conversa con Messala, un antiguo amigo de la infancia que se ha convertido en centurión romano. Ha pasado mucho tiempo desde entonces, y Messala ya no es el mismo.

Comentario: Antes de que William Wyler acometiera su popular versión de la novela de Lew Wallace, Fred Niblo ya rodó una muy espectacular versión, que prueba que ya en la época del cine mudo se podía llegar a rozar la perfección.Con momentos tan espectaculares como la carrera de cuádrigas, el film contiene algunos fragmentos coloreados a manos, como el de la Natividad de Jesús.

La divertida comedia romántica francesa que es una remake de una exitosa película argentina

Un hombre de altura (Un homme à la hauteur, 2016), dirigida por Laurent Tirard con Jean Dujardin, Virginie Efira, Cédric Kahn, César Domboy, Stéphanie Papanian, Manoëlle Gaillard, Bruno Gomila, Edmonde Franchi, Eléa Clair, Myriam Tekaïa, François-Dominique Blin, Jean-Michel Lahmi. 

Diane es una mujer muy hermosa, una brillante abogado con sentido del humor y personalidad fuerte. Acaba de salir de un matrimonio infeliz y es libre para conocer al hombre de su vida. Una tarde Diane recibe una llamada telefónica de un tipo llamado Alexandre quien encontró su móvil. Algo hace clic entre ellos durante esta llamada telefónica. Alexandre es educado, divertido y culto. Diane cae bajo su hechizo. Rápidamente se citan. Pero su encuentro no es el que ella se imaginaba.

Remake de la película argentina Corazón de León, película protagonizada en 2012 por Guillermo Francella y Julieta Díaz que obtuvo muy buenas críticas y respuesta del público en su país. En Francia los papeles principales han sido interpretados por Jean Dujardin y Virginie Efira, sin duda dos elecciones acertadas y con el suficiente carisma para entregar unos personajes tiernos, cercanos y humorísticos. Salvo algunas leves modificaciones el guión se ciñe punto por punto al original de Marcos Carnevale, una especie de fábula moderna acerca del dominio de las apariencias, de la fisonomía externa de las personas, capaz de condicionar nuestras elecciones.

Las mejores adaptaciones cinematográficas de George Simenon (III)

(cont.)

Tres momentos de angustia (Brelan d'as, 1952), de Henry Verneuil

Tres historias diferentes y de tono policiaco dirigidas por Henri Verneuil, que cuentan con un nutrido grupo de guionistas entre los que están Peter Cheyney, Jacques Companéez, Georges Simenon, Stanislas-André Steeman y André Tabet. La primera es Les témoignages d'un enfant de choeur, y en ella Michel Simon interpreta al comisario Jules Maigret, personaje creado por Simenon. La segunda, Le mort dans l'ascenseur, narra el crimen que se produce en un elevador con Raymond Rouleau como el inspector Wens. Mientras que en la última, Je suis un tendre, es el actor John Van Dreelen quien encarna a Lemmy Caution, el agente del FBI creado por el escritor Peter Cheyney.

La vérité sur Bébé Donge (1952), de Henri Decoin

François Donge (Jean Gabin), es un rico industrial que se encuentra ahora en un hospital, al parecer envenenado, y entonces, recordará lo que fue su matrimonio con Elisabeth (Danielle Darrieux), a quien todos llaman Bebé. Ésta lleva una vida desolada, pues, su marido la descuida por tener aventuras con una y otra mujer. ¿Fue ella... o alguien más tenía motivos para pretender deshacerse de su marido?Gran producto dramático, en la línea del cine francés de calidad, que cuenta con el trabajo de dos de sus gran des actores, Jean Gabin y Danielle Darrieux. El guión está basado en una novela del belga Georges Simenon.

Barreras de orgullo (The Bottom of the Bottle, 1956), de Henry Hathaway

Drama familiar que narra el enfrentamiento, en un pueblo fronterizo de Arizona, entre dos hermanos muy diferentes: Joseph Cotten, un respetado abogado y ranchero, y Van Johnson, condenado por asesinato, que se acaba de fugar de la cárcel y busca la ayuda de su hermano para huir a México. Se basa en una novela del belga Georges Simenon. 

Le sang à la tête (1956), de Gilles Grangier

Un hombre rico, de orígenes humildes, es abandonado por su mujer, y ve que su vida se viene abajo. Se trata de una adaptación de la novela Le Fils Cardinaud de Georges Simenon, publicada en 1942 por Gallimard.

(cont.)

"La fortaleza", la película maldita de Michael Mann

En 1983, Michael Mann decidió que la adaptación de The Keep, novela de F. Paul Wilson, sería su segundo largometraje tras la impresionante Ladrón (Thief, 1981). The Keep, titulada en España La fortaleza, también conocida como El torreón, en los viejos buenos tiempos de los VHS de CiC Video, se convirtió en un proyecto tan maldito como el interior de la fortaleza donde se desarrolla una historia de reminiscencias lovecraftianas y horrores cósmicos inauditos en Hollywood. En 1984 recibió una nominación a los premios Saturn como "mejor película de horror".

Ambientada en Rumania, durante la Segunda Guerra Mundial, un destacamento del ejército alemán que se defiende de las tropas aliadas decide acuartelarse en una extraña fortificación aparentemente abandonada. Pese a las advertencias de los lugareños, que les indican la maldición que pesa sobre el lugar, hacen caso omiso. Paulatinamente los hombres son asesinados. Conocedores de los hechos los mandos del ejército se ven obligados a conseguir los servicios de un historiador judío para que les ayude a luchar contra el antiguo demonio que, inadvertidamente, han liberado de su confinamiento y es quien va asesinando a las tropas.

Considerada una suerte de película de culto en su género algunos críticos la califican como "la oveja negra en la trayectoria fílmica de Michael Mann". Con un rodaje que se prolongó en tiempo y en presupuesto, el supervisor de efectos especiales Wally Veevers, responsable de obras como 2001: Una odisea del espacio o Superman, falleció durante el proceso de postproducción.Ello motivó que la productora, Paramount Pictures, recortara la duración a 96 minutos eliminando escenas clave que dotaban de sentido a la trama y que Veevers debía completar. Durante su estreno comercial la película obtuvo una fría respuesta, la crítica contemporánea tampoco la valoró positivamente. 

"Serenity", un misterioso pescador

Serenity (2019), de Steven Knight, protagonizado por Matthew McConaughey y Anne Hathaway. Un thriller psicológico  sobre un capitán de barco pesquero en una isla tropical cuya vida tranquila se ve alterada por la llegada de su exesposa, quien le pide ayuda para asesinar a su abusivo marido, pero la trama esconde un sorprendente giro de ciencia ficción que revela que la realidad del protagonista es, en realidad, un videojuego, con un giro que divide a la crítica, pero que esconde una reflexión sobre la realidad y la ilusión. 

Extraña película escrita y dirigida por Steven Knight, conocido sobre todo por su faceta de guionista, suyos son los libretos de películas valiosas valiosos como Amazing Grace, Promesas del Este, Un viaje de diez metros y El caso Fischer, además de que es el creador de la serie gangsteril Peaky Blinders. Como director había conseguido llamar la atención con Locke.

Las mejores adaptaciones cinematográficas de George Simenon (II)

(cont.)

L'homme de Londres (1943), de Henry Decoin

Un trabajador ferroviario en un puerto de ferries descubre una maleta con una gran suma de dinero, producto de un delito cometido recientemente en Londres . Prefiere quedársela en lugar de entregársela a la policía, pero esto lo arrastra a una espiral descendente que finalmente termina en asesinato. Es una adaptación de la novela homónima del escritor belga Georges Simenon, que posteriormente se convirtió en la película británica Temptation Harbour de 1947, dirigida por Lance Comfort 

Pánico (Panique, 1946), de Julien Duvivier

La película explora el poder de los rumores y la irracionalidad de la multitud, retratando cómo una masa prejuiciosa persigue y condena injustamente a un hombre solitario tras el asesinato de una sirvienta en un suburbio parisino. Basada en la novela de Georges Simenon Les Fiançailles de M. Hire, la película es conocida por su atmósfera opresiva, dirección expresionista y crítica social sobre el comportamiento de la turba, especialmente relevante en el contexto post-ocupación alemana. 

Brumas de tentación (Temptation Harbour, 1947), de Lance Comfort

Película británica de cine negro dirigida por Lance Comfort, protagonizada por Robert Newton y Simone Simon, donde un guardafrenos portuario se ve envuelto en un crimen al encontrar una maleta con dinero. Explorando temas de culpa y tentación en un ambiente gris y cotidiano, con buena atmósfera pero criticada por su ritmo lento. 

La Marie du Port (1950), de Marcel Carné

Adaptación de la novela de Georges Simenon que relata la historia de un hombre maduro embelesado por una joven adolescente en un pequeño pueblo pesquero. Vida provinciana, chismes, malicia y celos: no hay duda, estamos en el mundo de Georges Simenon. 

(cont.)

Las mejores adaptaciones cinematográficas de George Simenon (I)

Simenon fue a menudo muy crítico con las adaptaciones de su obra, antes de resignarse a ellas… y verlas como una valiosa fuente de ingresos: “No me importa si convierten mis ovejas en cabras, siempre y cuando me paguen un alto precio por la lana”.

Las 192 novelas del escritor belga son, en cualquier caso, una mina de oro para el cine: ya existen casi 180 películas adaptadas de sus escritos, a menudo extraídas de sus 75 investigaciones del comisario Maigret, pero también de sus 11novelas no policiacas, aunque a menudo tratan de asesinatos.

Las mejores adaptaciones de Simenon han dado lugar a clásicos como La tête d'un homme (1943), de Julien Duvivier con Harry Baur; o las versiones de Maigret con Jean Gabin, El comisario Maigret (1958); pero también brillan películas como Pánico (1946), de Julien Duvivier y Monsieur Hire (1989), de Patrice Leconte, explorando el lado más oscuro y psicológico del autor más allá de Maigret, destacando la maestría de directores como Delannoy, Duvivier y Leconte.

Veamos una selección: 

La noche de la encrucijada (La nuit du carrefour, 1932), de Jean Renoir

La primera versión en cine de una novela sobre el inspector Maigret, creado por George Simenon, tal vez la película más misteriosa de Jean Renoir, donde su hermano Pierre da vida al comisario Maigret. Disparos, ruidos de carro, el aire aturdido de los habitantes de la aldea, la lluvia, los campos, la niebla...

La tête d'un homme (1933), de Julien Duvivier

Willy Ferrière está arruinado y su amante le cuesta una fortuna. Un día, en un bar, declara que con gusto pagaría 100.000 francos a quien matara a su rica tía. Alguien deja claro que se encargarán del asunto. La tía es asesinada. Un hombre aparentemente ingenuo es el principal sospechoso. El inspector Maigret intuye que algo no anda bien.. Esta es la tercera adaptación cinematográfica de una novela de Simenon. La segunda fue Le chien jaune (1932), de  Jean Tarride, adaptación de la novela homónima de George Simenon. 

Les inconnus dans la maison (1942), de Henri Decoin

Héctor Loursat de Saint-Mars, antiguo abogado de renombre, vive aislado en su amplia casa de campo y ha sucumbido al alcoholismo desde que su esposa lo abandonó hace dieciocho años. Descuidó a su hija Nicole, criada por la criada Fine. Una noche, se oye un fuerte estruendo en la casa. Loursat descubre el cadáver de un hombre en el ático. La víctima es un delincuente convicto llamado Gros-Louis. Nicole y los jóvenes con los que se relaciona son interrogados por los investigadores. La novela de Simenon también fue adaptada para la gran pantalla por Georges Lautner en 1992, L'Inconnu dans la maison con Jean-Paul Belmondo , y por Rodney Gibbons en 1997, Un extraño en mi hogar (Stranger in the  House).

(cont.)

Swann Arlaud sobre “Un héroe singular”: “Todavía me paran por la calle para hablarme de esta película”

Un héroe singular (Petit paysan, 2017), de Hubert Charuel, quien debutó en la dirección con esta curiosa película, cuya singularidad es que trata un tema a priori de escaso interés dramático, aparentemente menor desde el punto de vista cinematográfico. Las andanzas de un ganadero de vacas, su rutina diaria, sus problemas, no parecen ser cuestiones de gran atractivo para el espectador habitual. Sin embargo, a través de la trágica situación que vive el protagonista Pierre (Swann Arlaud), Charuel es capaz de transmitir con poderosa fuerza el drama de muchos ganaderos que han de afrontar en desgraciadas situaciones pérdidas muy dolorosas, no sólo económicamente sino personalmente. Transmite así Un héroe singular un amor al trabajo, a los animales, que resulta magnífico, muy realista, lo cual puede significar a la postre también muy doloroso.

Swann Arlaud en Un héroe singular (2017)

Para cautivar mínimamente con argumento tan poco vistoso Hubert Charuel urde varias etapas en los intentos de Pierre por salvar a sus vacas, decisiones arriesgadas que irán sumando progresivamente diferentes problemas con las personas que hay a su alrededor, con su hermana primero, pero luego con sus padres, con la policía, con los controles de sanidad, con sus amigos, con el vecino. Todo resulta muy veraz en esos desencuentros, nada parece arbitrario o forzado, lo cual compagina a la perfección con la rústica puesta en escena, que recrea el ambiente verdadero de las tareas de la granja, ese llevar a pastar a las vacas, ordeñarlas cada día, ayudarlas en el parto, etc. 

La trama: Pierre Chavanges lleva la granja de vacas familiar con enorme dedicación y sus producciones de leche han alcanzado los más altos estándares de calidad. Su preocupación por el bienestar de los animales es encomiable, aunque a veces ese excesivo celo crispa a su hermana Pascale, veterinaria que acude a los avisos de su hermano con manifiesta desidia. Sin embargo, los peores augurios de Pierre se confirmarán cuando una de las vacas contrae la enfermedad FHD (Fiebre Hemorrágica Dorsal) y él se ve forzado a matarla. Decidirá entonces hacerla desaparecer y ocultar lo ocurrido a los responsables de sanidad para que no sacrifiquen a todo su ganado. Disponible en Movistar Plus+. 

La muerte de Rob Reiner: volvimos a ver "Cuando Harry encontró a Sally..." y no han envejecido ni un día

La vida une a Harry y Sally, y durante años juegan al gato y al ratón. Estrenada en 1989, la película de Rob Reiner se ha convertido en un clásico de culto, y sus temas siguen vigentes hoy en día. Véala de nuevo en Movistar Plus+, Amazon Prime Video, Apple TV, Google Play Películas...

Billy Cristal y Meg Ryan en  Cuando Harry encontró a Sally... (1989)

Por un desafortunado giro del destino, estábamos a punto de ver Cuando Harry encontró a Sally... (When Harry Met Sally...) cuando se supo de la muerte de su director, Rob Reiner, y su esposa, la productora Michele Singer, quienes fueron encontrados en su casa de Los Ángeles el 14 de diciembre. Llevábamos tiempo preguntándonos qué habría sido de este clásico de culto, estrenado en 1989, a principios de la era post-Reagan y en plena crisis del SIDA. Incluso hoy, la comedia romántica del cineasta, admirado por La princesa prometida (1987) y Algunos hombres buenos (1992), sigue reinando entre las películas favoritas de nuestros colegas cuarentones y...

Billy Cristal, Meg Ryan, Carrie Fisher y Bruno Kirby  en  Cuando Harry encontró a Sally... (1989)

La trama: Harry Burns (Billy Cristal) y Sally Albright (Meg Ryan) son dos estudiantes universitarios que se conocen por casualidad, cuando ella se ofrece a llevar Harry en su coche. Durante el viaje hablan sobre la amistad entre personas de diferente sexo y sus opiniones son absolutamente divergentes: mientras que Harry está convencido de que la amistad entre un hombre y una mujer es imposible, Sally cree lo contrario. A pesar de ello, pasan los años y su relación continúa. 

Hace 100 años: Corazón de acero

El 27 de diciembre de 1925 se estrenó la película estadounidense Corazón de acero (Braveheart), dirigido por Alan Hale e interpretada por Rod La Rocque, Lillian Rich, Robert Edeson, Arthur Housman, Frank Hagney, Jean Acker, Tyrone Power Sr., Sally Rand, Henry Victor, Nipo T. Strongheart. Productora: 

Sinopsis argumental: La tribu del jefe Standing Rock tiene un tratado que protege sus zonas de pesca, pero una empresa conservera lo viola mediante la intimidación y la fuerza. La tribu está dividida sobre cómo afrontar la amenaza. El hijo de Standing Rock, Braveheart, es enviado a la universidad a estudiar derecho para proteger sus derechos, pero otros miembros de la tribu, liderados por el irascible Ki-Yote, quieren provocar una confrontación más violenta.

Comentario: La película Braveheart se basó en la obra de Broadway de 1905 Strongheart de William C. de Mille. William era el hermano mayor de Cecil B. DeMille y dramaturgo y director de las primeras películas de Hollywood. Tanto Mary O'Hara como C. Gardner Sullivan adaptaron la obra de William al cine.

Hace 100 años: Infatuation

El 27 de diciembre de 1925 se estrenó la película estadounidense Infatuation, dirigida por Irving Cummings e interpretada por Corinne Griffith, Percy Marmont, Malcolm McGregor, Warner Oland, Clarissa Selwynne, Leota Lorraine, Claire Du Brey, Martha Mattox, Howard Davies. Productora: First National Pictures. Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: Abandonada por su esposo, Sir Arthur Little, durante su misión en El Cairo, Violet busca la compañía de Ronald Perry, el secretario de Sir Arthur. La hermana de Parry, intuyendo el romance, organiza su traslado de Egipto a París. Sin embargo, Parry permanece en El Cairo, y todo indica que Sir Arthur ha perdido el amor de su esposa para siempre. Violet se entera entonces de un plan para asesinar a Sir Arthur y, de repente, se da cuenta de que ama a su esposo. Toma medidas que salvan su vida, y se produce la reconciliación entre el matrimonio.

Comentario: La película es una adaptación de la obra Caesar's Wife de Somerset Maugham. 

Un clásico del terror: El proyecto de la bruja de Blair

La película El proyecto de la bruja de Blair (The Blair Witch Project, 1999), dirigida por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez con Heather Donahue, Michael Williams, Joshua Leonard, Bob Griffith, Jim King, en un principio el espectador inocente puede pensar que está viendo, sencillamente, un documental sobre unos hechos espeluznantes. La peli, como si fuera un reportaje al estilo Impacto TV, comienza explicando que en 1994 tres estudiantes de cine desaparecieron en los bosques de Maryland, cuando grababan una película sobre la leyenda de la Bruja de Blair. Sólo se encontró, en el solitario y para algunos maldito bosque, sus objetos personales y las cámaras con cierto material filmado. Y comienza a mostrarse dicho material: ahí hay material rodado para su trabajo, junto a tomas en vídeo de sus vicisitudes diarias. Al principio todo va bien, pero poco a poco, los tres amigos empiezan a experimentar un creciente nerviosismo. Por la noche empiezan a ser testigos de fenómenos extraños. El pánico crece por momentos. En los protagonistas y, cómo no, en el espectador.

El realismo de la película es tal, que muchas de las imágenes de la misma las rodaron los propios actores que, se suponen, están rodando su película. Además no había un guión detallado, y muchos diálogos se improvisaron, incorporándose la creciente irritación de los actores por el rodaje a la película, o incluso un poquito de miedo provocado por los jóvenes directores Daniel Myrick y Eduardo Sánchez. Esta película pasará a la historia por su inteligente campaña de márketing y su alta rentabilidad. El film apenas costó 22.000 dólares (7 millones de pesetas), y ha recaudado, sólo en Estados Unidos, más de 140 millones de dólares. Ha jugado un papel clave en su promoción Internet. Está disponible en Amazon Prime Video, Apple TV y Netflix. 

Efemérides de cine: Familien Gyldenkål

El 26 de diciembre de 1975 se estrenó la película danesa Familien Gyldenkål (The Goldcabbage Family), dirigida por Gabriel Axel e interpretada por Axel Strøbye, Kirsten Walther, Birgitte Bruun, Martin Miehe-Renard, Karen Lykkehus, Bertel Lauring, Ove Sprogøe, Lily Broberg, Jens Okking, Karl Stegger, Brigitte Kolerus, Helle Merete Sørensen, Bjørn Puggaard-Müller, Otto Brandenburg, Lisbet Dahl, Claus Ryskjær, Hans Christian Ægidius, Tommy Kenter, Hardy Rafn, Benny Hansen, Ebba With, Jens Brenaa, Poul Thomsen, Gyda Hansen, Ernst Meyer, Søren Rode, Karl Gustav Ahlefeldt. Productora: Panorama Film International. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: La familia Iversen está al borde de la bancarrota. Todos sus miembros son despedidos uno tras otro; la mayoría de los muebles confiscados; el teléfono bloqueado; la electricidad cortada. Cuando el alguacil quiere vender la casa en subasta, algo hay que hacer. Para resolver sus problemas económicos, Charles Iversen, el padre de familia, decide convertirse en estafador. Necesita 1500 coronas para empezar su negocio y recurre al usurero Leopold Phieselknasat, quien desconfía de su nuevo cliente, así que le ordena a un secuaz que lo siga cuando se vaya. Con creciente asombro, el secuaz observa a la familia Iversen acumular cada vez más lujos, sin entender cómo pueden permitírselo. Con su nueva fortuna, la familia comienza a ascender en la escala social. Cambian su apellido a Gyldenkål y se mudan a una lujosa villa en un barrio de moda. Para poder pagar la casa en un mes, deben estafarle un millón de coronas a alguien. Charles se hace amigo del acaudalado financiero Blaskenberg y comienza su estafa.

Comentario: El nombre Gyldenkål no se menciona hasta 1 hora y 5 minutos después del comienzo de la película. Tuvo dos secuelas Familien Gyldenkål sprænger banken (1976), también dirigida por Gabriel Axel y Familien Gyldenkål vinder valget (1977), dirigida por Bent Christensen. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: El abanico de Lady Windermere

El 26 de diciembre de 1925 se estrenó la pelicula estadounidense El abanico de Lady Windermere (Lady Windermere's Fan), dirigida por Ernst Lubitsch e interpretada por Carrie Daumery, Ronald Colman, May McAvoy, Bert Lytell, Irene Rich, Edward Martindel- Productora: Warnner Bros. Duración: 98 minutos. 

Sinopsis argumental: La señora Erlynne, mujer de dudosa reputación, regresa a Londres y manda llamar a Lord Windermere. Le revela que es la madre de su esposa, a quien ésta cree muerta, y exige dinero por su silencio. También solicita una invitación a la fiesta de cumpleaños de Lady Windermere, pero ésta se niega. La señora Erlynne toma la carta de rechazo por la invitación y se presenta en la fiesta, desatando los celos de Lady Windermere. 

Comentario: Basada en la famosa obra teatral de Oscar Wilde sobre los escándalos, secretos y doble moral de la sociedad londinense victoriana, destacando por su ingenio visual y la complejidad del personaje de la enigmática Mrs. Erlynne y su abanico perdido. Lubitsch, en lugar de los epigramas de Wilde, usa su ingenio visual y elegancia cinematográfica para adaptar la historia, simplificando la trama pero manteniendo la profundidad. Es el objeto central que desata el escándalo, simbolizando secretos, honra y la redención. Esta adaptación es considerada una joya del cine mudo por su sofisticación y por anticipar el tono único de Lubitsch. La obra de Wilde ha tenido muchas adaptaciones, pero la de Lubitsch de 1925 es una de las más aplaudidas. 

Hace 100 años: La heredad de Ingmar

El 26 de diciembre de 1925 se estrenó la película sueca La heredad de Ingmar (Ingmarsarvet), dirigida por Gustaf Molander e interpretada por Märta Halldén, Ivan Hedqvist, John Ekman, Lars Hanson, Mathias Taube, Mona Mårtenson, Nils Aréhn, Conrad Veidt, Ida Brander, Knut Lindroth, Jenny Hasselqvist, Harry Ahlin... Productora: Nord-Westi Film. Duración: 92 minutos. 

Sinopsis argumental: Uno de los Ingmars de Ingmarsson renuncia a su amor de siempre y se casa con una mujer rica a fin de evitar la venta de la granja familiar para pagar la peregrinación que ellos harán a Tierra Santa.

Comentario: La historia de un grupo de agricultores que deciden abandonar sus hogares y seguir al predicador Helgum a Tierra Santa. Adaptación de Jerusalén: en Dalecarlia, primera parte de Jerusalén, de Selma Lagerlöf. Esta película tuvo una secuela, Till österland, en 1926, dirigida también por Gustav Molander. 

Películas de la semana: 25 de diciembre

Anaconda 

Dirección: Tom Gormican. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 100 minutos. Género: Comedia. Terror. Comedia de terror. Cine dentro del cine. Animales. Serpientes. Interpretación:  Jack Black, Paul Rudd, Thandiwe Newton, Steve Zahn, Daniela Melchior, Ione Skye, Ben Lawson, Selton Mello, Yasmin Kassim, Diego Arnary. Guion: Tom Gormican, Kevin Etten. Argumento: Hans Bauer (película de 1997), Jim Cash (película de 1997), Jack Epps Jr. (película de 1997). Producción: Brad Fuller. Música: David Fleming. Fotografía: Nigel Bluck. Productora: Fully Formed Entertainment, Sony Pictures. Distribuidora: Sony Pictures. Estreno en España: 25 de diciembre de 2025. Sinopsis: Doug y Griff son muy buenos amigos desde que eran niños y siempre han soñado con hacer un remake de su película favorita de todos los tiempos: el «clásico cinematográfico» Anaconda. Cuando una crisis de mediana edad les anima a lanzarse por fin a la aventura, se adentran en la selva amazónica para empezar a rodar. Pero las cosas se ponen serias cuando aparece una anaconda gigante de verdad, convirtiendo su caótico y cómico plató de rodaje en una situación mortal. ¿La película que se morían por hacer, podría ser la que les mate?

Homo Argentum 

Título alternativo: Homo Sapiens? Dirección: Mariano Cohn, Gastón Duprat. País: Argentina. Año: 2025. Duración: 98 minutos. Género: Comedia. Comedia negra. Película de episodios. Interpretación: Guillermo Francella, Eva De Dominici, Guillermo Arengo, Giulia Brancato, Vanesa González, Clara Kovacic. Guion: Mariano Cohn, Andrés Duprat, Gastón Duprat. Música: Federico Mercuri, Matías Mercuri. Fotografía: Leo Resende Ferreira. Productora: Pampa Films, Star Original Productions. Distribuidora: A Contracorriente Films.  Estreno en España: 25 de diciembre de 2025. Sinopsis: Un mosaico de 16 microhistorias que retratan la realidad sociológica e idiosincrática argentina desde el prisma del humor, a veces bastante negro y corrosivo, a cargo del dúo compuesto por Mariano Cohn y Gastón Duprat, responsables de películas tan divertidas como El ciudadano ilustre y Competencia oficial, además de las populares series El encargado, Nada y Bellas Artes. Están todas protagonizadas por Guillermo Francella, que se caracteriza en distintos personajes, cambiando de aspecto con peinado, color de pelo, barba, modo de hablar, etcétera. El balance es claramente positivo, aunque como suele ocurrir en este tipo de propuestas antológicas, hay relatos más conseguidos que otros.

Eloy de la Iglesia, adicto al cine 

Dirección: Gaizka Urresti. País: España. Año: 2025. Duración: 95 minutos. Género: Documenta. Documental sobre cine. Biográfico. Drogas. Reparto: Documental. Intervenciones: José Sacristán, Ángel Pardo, Fernando Guillén Cuervo, Marisol Morcillo. Guion: Gaizka Urresti, Moisés Garrido, Juan Barrero. Música: Carmen Cañada. Fotografía: Pepe Añón. Montaje: Juan Barrero. Productora: Altube Filmeak S.L, Allmura Films S.L. Distribuidora: Urresti Distribución. Premios y nominaciones: Premios Forqué: Nominada a Mejor documental. Estreno en España: 25 de diciembre de 2025. Sinopsis: Un director de cine valiente, un "enfant terrible" en sus inicios, combativo contra la censura, buscando siempre los límites de la libertad de expresión, cronista de la parte más oscura de la transición, caerá en los infiernos de la drogadicción y durante más de una década será olvidado y en ocasiones repudiado, pero logrará salir del ostracismo para volver a hacer cine, esa adicción de la que jamás pudo desengancharse. Tras su recorrido por festivales como San Sebastián y Sitges, la película se consolida como una de las propuestas documentales más relevantes del año. La película opta a los principales premios del cine español.

Corazón franjiverde 

AKA Vuelve corazón franjiverde. Dirección: Toni Bestard. País: España. Año: 2025. Género: Documental. Documental deportivo. Fútbol. Reparto: Documental. Productora: 39 Escalones, New Drama Producciones. Distribuidora: 39 Escalones. Estreno en España: 25 de diciembre de 2025. Sinopsis: Documental que repasa, desde dentro y con un enfoque emocional, el reciente ascenso del Elche Club de Fútbol a Primera División. La obra revive los momentos clave de este capítulo inolvidable a través de imágenes inéditas y testimonios de jugadores, cuerpo técnico, propiedad y directiva, mostrando la fuerza del sentimiento franjiverde y el vínculo con su afición. El documental hace un recorrido emocional por las cicatrices, ascensos y la reconstrucción del Elche CF. Con un cuidado guion que alimentan con su testimonio jugadores, 'staff' técnico y directivos, pero también con su trabajo los profesionales de la información que siguen la actualidad del equipo, la obra dirigida por Toni Bestard permite rememorar al franjiverde medio todos esos momentos futbolísticos que han acelerado su pulso desde que tiene uso de razón.

Abá y su banda

Título original: Abá e Sua Banda. Dirección: Humberto Avelar. País: Brasil. Año: 2024. Duración: 84 minutos. Género: Animación. Comedia. Música. Reparto: Animación. Guion: César Coelho, Daniel Fraiha, Sílvia Fraiha, Sylvio Gonçalves. Fotografía: Animación. Productora: Fraiha Produções, Studio Z Design and Animation. Premios y nominaciones: Gran Premio del Cine Brasileño (Otelo): Nominada a Mejor película de animación. Estreno en España: 25 de diciembre de 2025. Sinopsis: Aba y su banda se ambienta en un reino habitado por frutas gobernado por rey que no tiene fuerzas para continuar en el trono. En medio de esta situación tan delicada, un príncipe huérfano, la piña Aba, también pasa por un mal momento: es incapaz de aceptar el destino que le ha sido impuesto. Él quiere dedicarse a la música, pero tiene que afrontar ciertas responsabilidades. Aquí empieza el conflicto, cuando entiende que debe elegir entre perseguir sus sueños o hacerse cargo de lo que se espera de él. Una película brasileña que mezcla música, comedia y acción para crear una propuesta accesible y entretenida tanto para niños como para adultos, con una banda sonora que abarca multitud de estilos diferentes y que se convierte en un sello de los propios personajes. La cinta trata multitud de temas de actualidad, como la convivencia en la diversidad, el encontrar la propia identidad, la necesidad de mantener una relación respetuosa con el medio ambiente y la vital importancia de escucharse a uno mismo. La estética, con una gama de colores cálida y con una animación que se presta a los detalles, es accesible para todos los públicos. 

Bob Esponja: Una aventura pirata 

Título original: The SpongeBob Movie: Search for SquarePants. Dirección: Derek Drymon. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 96 minutos. Género: Animación. Aventuras. Comedia. Secuela.  Reparto: Animación. Guion: Derek Drymon. Producción: Lisa Stewart, Pam Brady, Aaron Dem Música: John Debney. Fotografía: Animación. Productora: Nickelodeon Animation Studios, Nickelodeon Movies, Paramount Animation, Paramount Pictures, United Plankton Pictures. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 25 de diciembre de 2025. Sinopsis: Desesperado por demostrar que es un tío grande, Bob Esponja decide demostrar su valentía ante el señor Cangrejo siguiendo al Holandés Errante, el misterioso legendario pirata fantasma. Así comienza una aventura marítima que lo lleva a las profundidades más remotas del océano, donde ninguna esponja ha llegado jamás. En esta aventura irá acompañado de sus amigos, disfrutarán de aventuras juntos y de una serie de emociones que les unirá más que nunca. El miedo y la diversión estarán presentes y pondrán a prueba su coraje y amistad durante su travesía. Además, descubrirán juntos secretos que permanecían ocultos hasta el momento. Saldrán a la luz cosas que no se sabía sobre el pasado de Bob. La esponja vivirá un viaje de autodescubrimiento: aprenderá el valor de la vida y hasta dónde es capaz de arriesgar para salvar a los que más quiere. Bob Esponja: Una aventura pirata es una nueva aventura que combina viajes submarinos, fantasía y comedia en un mundo animado vibrante. Juntos aprenderán la responsabilidad de crecer, mantener la esperanza y mantener la esencia de un lugar que merece ser salvado. Bob Esponja, Patricio, Calamardo, Arenita, Don Cangrejo y más caras conocidas de Fondo de Bikini lucharán para preservar la identidad de su querida ciudad ante cualquier amenaza. Es la cuarta película basada en la serie, después de Bob Esponja: Un héroe al rescate en 2020.