"Érase una vez en América”, o como Sergio Leone filma el robo de la infancia

La película de Sergio Leone relata los recuerdos de un ex mafioso inmerso en el tráfico de opio durante los años de la prohibición. Análisis de la secuencia del asesinato del jovencísimo Dominic, una escena crucial y conmovedora sobre un fondo de flautas de Pan.

Considerado durante mucho tiempo el inventor de un género entretenido pero menor (bautizado con un toque de desdén “spaghetti western”), Sergio Leone tuvo que esperar al estreno de Érase una vez en América (Once Upon a Time in America, 1984) para ser mirado con mejor ojo por cierto obstinados críticos  sólo veían en él a un desacreditador. Abarcada en su totalidad, la obra es, sin embargo, sólo símbolos y arquetipos, maravilloso y grotesco, incesante titilar entre pasado y presente, tragedia, fantasía y bufonería: el lenguaje mismo de los mitos.

Como las de Eisenstein, Welles o Kubrick, las películas de Leone transcurren al borde del sueño, lo bizarro y lo inverosímil mientras se acercan a verdades eternas. Por supuesto, esto no es sin alguna deconstrucción de lo falso ordinario, de la "realidad" masticada previamente; lo real en bruto sólo emergerá a costa de esta crueldad. La secuencia central de Érase una vez en América, en la que todo cambia, es la perfecta ilustración de ello.

Se abre con un plano general compuesto como un cuadro. Dos hileras de edificios de ladrillo enmarcan una calle casi desierta. El humo se eleva desde un suelo empapado. Al fondo, macizo, imponente, el puente de Manhattan hace una ruptura azul grisácea a través de las tonalidades marrones, ocres y rojo oscuro. No es un cañón del Oeste americano, pero este espacio no deja de ser mítico. Aquí, los hombres, viniendo del mar, han edificado en altura, creyendo tocar la eternidad. Y eso es lo que creen haber conseguido también los cinco chavales que cruzan el marco. El sueño americano, salir de la pobreza, manipular el dinero, dominar la Babel de cristal y metal, igualar a los dioses. Pero estos pequeños vestidos como los gánsteres de última moda se han puesto ropa que les queda grande. Y olvidaron que los dioses siempre exigen un sacrificio.

El más joven de ellos, Dominic, baila y hace piruetas, se escapa por la derecha, mientras Cockeye (literalmente, "Ojo de gallo") lo acompaña con su zampoña. Aparecen coches y más coches. El país aún se está construyendo, oscilando entre la vieja Europa y la modernidad resplandeciente. Dos policías a caballo observan al grupo, que se ralentiza un poco. No importa lo duro que caminemos por el pavimento, balanceándonos como los tipos duros, seguimos siendo niños que temen el golpe de un palo. La amenaza pasó, Dominic continúa su carrera y, separándose de los demás, se precipita en un túnel. De repente, se congela.

Silencio y flauta de Pan

Una silueta avanza hacia él, bloqueando la salida, cerrando su destino. A toda velocidad, el niño regresa junto a Maxie, Cockeye, Patsy y Noodles gritando: “¡Bugsy viene! ¡Correr! Al revés, los cuatro amigos se detienen, aturdidos. Bugsy, su rival, ya les había dado una paliza. Esta vez viene a matar. Breve silencio. Segundo interminable. Y de pronto reaparece la flauta de Pan con otro tema de Ennio Morricone, trágico, muy agudo. Crees oír un pájaro de la desgracia, ves el batir de las alas del terror.

El plano es uno de los más bellos de la historia del cine. En cámara lenta, los cinco niños huyen hacia la cámara e intentan esconderse. Tarde, Dominic se queda solo en medio de la calle cuando suena el primer disparo. Se derrumba, golpeado en la espalda. Noodles se precipita y lo arrastra a un lado, el puente monumental sigue en pie despreocupado en el fondo. Dominic abre un ojo, dice "Noodles, me resbalé" y muere.

Imagen de la piedad, ningún ángel fue enviado para detener la mano sacrificial puesta sobre el niño. Captura de pantalla del plano de Noodles que aún mantiene al niño pequeño sin vida.

Contrapicado de Noodles, aún sosteniendo al niño pequeño sin vida. Imagen de la Piedad. Ningún ángel fue enviado para detener la mano de sacrificio colocada sobre el niño. Todo ha sido cuestión de miradas, desde los policías hasta los niños, desde los niños descubriendo al asesino, desde éste apuntando al más débil de ellos, desde Dominic hasta Noodles que, sin saber dónde poner los ojos, se encuentra desposeído en un momento de su infancia y de su inocencia. Pronto él también matará. Antes del último plano de la película, ya no lo veremos riendo, disfrutando, viviendo a duras penas. Escalar a América significaba perder cuerpo y alma. El resto del viaje de Noodles no será más que destrucción, andanzas fantasmales y errores trágicos, soledad incurable. Sólo hay mitos inaccesibles. Pero al atestiguarlo, el cine de Sergio Leone ofrece el consuelo de la nostalgia y la piedad, la belleza de las imágenes, los sonidos, las expresiones. Y restaura un pedacito de este paraíso perdido: nuestra humanidad.

“Apocalypse Now, Final Cut” y otras diez películas con múltiples versiones (II)

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6- Blade Runner (1982), de Ridley Scott 

Algo inusual: hay cinco, seis o siete versiones de la película (según se cuenten o no las primeras proyecciones de prueba). Para el lanzamiento, en 1982, la versión será la que tenga la voz en off de Harrison Ford, y el final llamado "final feliz". ¡Cuando te decimos que apesta! Luego estará la versión internacional, la adaptación televisiva en 1986, el montaje del director en 1992, el montaje final en 2007. Para entenderlo mejor, existe un video.

7.- Érase una vez América (Once Upon a Time in America, 1984), de Sergio Leone 

Por lo general, el problema es la duración de la película. Pero a veces también es el orden de las secuencias. La hazaña de Warner en el estreno de la película: reducirla de tres horas cuarenta y nueve minutos a dos horas y diecinueve minutos, volver a poner las escenas en orden cronológico, disgustar a Sergio Leone, que ya no rodó ninguna película hasta su muerte en 1989. En baloncesto, se llama un triple doble. 

8.- Dune (1984), de David Lynch 

En general, Lynch no está orgulloso de esta película, por la que los productores no lo han dejado tranquilo. Pero de las cuatro versiones, es la de tres horas y diez minutos para televisión la que más amargura le produjo. Incluso insistió abiertamente en que su nombre fuera reemplazado por Judas Booth en los créditos. Judas por el que vendió a Jesús, Booth por el nombre del asesino de Abraham Lincoln. Afortunadamente, luego hizo otras películas, a diferencia de Sergio Leone. Afortunadamente también, recientemente se ha estrenado una excelente Dune(2021).

9.- Brazil (1985), de Terry Gilliam

El productor Sidney Sheinberg (Universal) es un chico al que le gusta cuando terminas casándote y teniendo muchos hijos. Como Blade Runner, Brasil conoce así una primera versión, de una hora y treinta y cuatro minutos, donde todo está bien lo que acaba bien. Terry Gilliam se embarca entonces en una batalla mediática - contada por el documental La batalla de Brasil -, que gana solo a medias: impone su duración (dos horas y doce minutos) pero el productor mantiene sus trece, en Los Estados Unidos. En Europa prevalecerá el criterio del director (dos horas y veintidós minutos).

10.- La reina Margot (La Reine Margot, 1994), de Patrice Chéreau 

En Francia también hay algunas historias hermosas y tumultuosas, aunque generalmente no involucran a los productores. En 1994, Patrice Chéreau ofreció una versión provisional de dos horas treinta y nueve minutos en el Festival de Cine de Cannes. Luego, la película se estrenó en los Estados Unidos, acortada en veinte minutos, antes de ofrecerse al público francés. En 2008, se propone una solución de dos horas y treinta y cuatro minutos para el lanzamiento del DVD.

“Apocalypse Now, Final Cut” y otras diez películas con múltiples versiones (I)

Arte emite la Palma de Oro de 1979 en su última versión. Más largo que el original, más corto que el "redux", esta versión promete ser el "corte final". La película de Coppola no es la única que tiene múltiples formatos. Lo probamos con diez.

1.- Metropolis (1927), de Fritz Lang 

A menudo, las películas de cine mudo han tenido tantas versiones como copias, o casi. Mencionemos Metropolis, de Fritz Lang, cuyas dos horas y treinta y tres minutos se volvieron patas arriba inmediatamente después de la primera presentación en Berlín. Y que conoció, entre otras aventuras, una coloración y un acompañamiento musical firmado por Giorgio Moroder en 1984. Una palabra también de Avaricia (Greed, 1924), de Erich von Stroheim, que el jefe del MGM Irving Thalberg, redujo de ocho a dos horas. Y el Napoleón (Napoléon vu par Abel Gance, 1927), de Abel Gance, cuya versión "final" se espera muy pronto.

2.- L’Atalante (1934),  de Jean Vigo 

Se necesitaría un artículo completo, e incluso un libro, para contar la historia de la obra maestra de Jean Vigo (1905-1934). Editado primero con otro título, Le Chaland qui passe, con otra canción y privado de unos veinte minutos, la obra fue reensamblada en 1940 por Henri Beauvais, en una forma más acorde con lo que quería Vigo. Henri Langlois hizo correcciones en 1950, luego se sucedieron las restauraciones sobre la base de copias encontradas, en 1990, 2001, 2017. 

3.- El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966), de Sergio Leone 

Este es el ejemplo de una película donde el director tiene que pelear con su productor... pero también lidiar con los diferentes países en los que se estrena. Si Leone gana la primera batalla, con una duración de dos horas y cuarenta minutos y pese a la medida cautelar de no superar los 120 minutos, deberá acceder a modificar las versiones de exportación. Inglaterra descubre un oeste de dos veintiocho horas; A Italia se le ofrece un espagueti de dos cincuenta y siete. Esto será problemático cuando intentemos armonizar todo esto, en 2003, y cuando tengamos que doblar las escenas agregadas, disponible solo en italiano. Clint Eastwood y Eli Wallach rehacen sus voces, pero Simon Prescott debe hacerse cargo de las de Lee Van Cleef, fallecido en 1989.

4.- Pat Garrett y Billy The Kid (1973), de Sam Peckinpah

Sam Peckinpah (1925-1984) a menudo tuvo que pelear con sus productores (Grupo salvaje, Mayor Dundee...) . Para Pat Garrett y Billy the Kid, el cineasta se las arregla para mostrarles a los periodistas una versión del director antes de que el director de MGM, James Aubrey, corte la película de 15 minutos para su estreno en cines. No fue hasta 1988 para descubrir la primera versión, antes de que se produjera una tercera en 2005, basada en notas dejadas por Peckinpah. 

5.- La puerta del cielo (Heaven's Gate, 1980), de Michael Cimino

Tener doscientas veinte horas de tomas en la mesa de edición deja muchas opciones. Dio la casualidad de que el amargo fracaso de la película posterior no ayudó en nada. Consecuencia: La puerta del cielo es un socavón. Sí, un socavón: cinco horas veinticinco minutos para la versión mostrada a los productores, tres cuarenta por la destinada al público estadounidense, dos horas veintinueve por la que sale de las fronteras tras el fiasco interior... En 2012, una vez todo el mundo finalmente ha entendido que había hecho una obra maestra, Cimino presenta su versión final en el Festival de Cine de Venecia a las tres y treinta y cinco - está bien, es medio socavón.

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Efemérides de cine: ¡Agáchate, maldito!

El 29 de octubre de 1971 se estrenó la película italiana ¡Agáchate, maldito! (Giù la testa), dirigida por Sergio Leone e interpretada por James Coburn, Rod Steiger, Romolo Valli, Maria Monti, Rik Battaglia, Franco Graziosi, Antoine Saint-John, David Warbeck, Aldo Sambrell, Conrado San Martín. Productora: Coproducción Italia-España; Euro International Film, United Artists. Duración: 156 minutos

Sinopsis argumental: Juan Miranda y John Mallory, un veterano del IRA, se conocen en México y planean trabajar juntos robando bancos. Un día dinamitan una prisión creyendo que era un banco. La explosión libera a los revolucionarios presos, y ambos se convierten en héroes de la revolución. Poco tiempo después, las tropas del gobierno, comandadas por el coronel Gutiérrez, comienzan a seguirles los pasos.

Nominaciones y premios: Premios David di Donatello: Mejor director (ex aequo). 

Comentario: Fue la penúltima película de Leone, ambientada en el México revolucionario de principios del siglo XX. Ésta es la segunda parte de la trilogía conocida como Once upon a time Trilogy, precedida por la película Hasta que llegó su hora (C'era una volta il West, 1968) y sucedida por Érase una vez en América (Once Upon a Time in America, 1984). Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXXXIV)

Hasta que llegó su hora (C'era una volta il west, 1968), de Sergio Leone

Armónica (Charles Bronson) es un hombre callado y misterioso (a lo largo de buena parte de la película toca la armónica en vez de hablar) que busca a Frank (Henry Fonda), un despiadado pistolero que está bajo las órdenes del millonario Morton (Gabriele Ferzetti). Por otra parte, Cheyenne (Jason Robards) es un conocido de Armónica que acaba de fugarse de prisión y que ayudará a Armónica en su búsqueda de Frank, ya que ha sido acusado de la matanza de la familia McBain. Por otra parte, procedente de un burdel de Nueva Orleans se encuentra Jill McBain (Claudia Cardinale), recientemente viuda y con un gran terreno heredado de su difunto marido y por el cual ha de pasar el ferrocarril. Esto hará que todos luchen por conseguir un mismo objetivo. UNa auténtica obra maestra, la primera entrega de una trilogía, no intencionada en principio, que habla sobre la historia de los Estados Unidos. Tres películas, conformadas por las posteriores Agáchate, maldito (Giù la testa, 1971) y Erase una vez en América (Once Upon a Time in America, 1984), y que tardaría la friolera de 16 años en ver completada en contraposición a la previa Trilogía del dólar, que le llevaría tres años de su vida, reportándole fama, dinero y prestigio. Fue galardonada con el premio David di Donatello de 1969 a la mejor producción, el premio Golden Laurel de 1970 (3° lugar) al mejor actor secundario (Charles Bronson), el premio Goldene Leinwand de 1984. En 2009 entró en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXVII)

El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966), de Sergio Leone

Durante la guerra civil norteamericana (1861-1865), tres cazadores de recompensas buscan un tesoro que ninguno de ellos puede encontrar sin la ayuda de los otros dos. Así que colaboran entre sí para conseguir el botín. A lo largo de los años 1960, las producciones europeas que querían llegar a un gran público encontraron una nueva fórmula: copiar los estereotipos de los géneros típicamente yanquis que ya habían cerrado su ciclo. Así surgieron subgéneros como el péplum o el espagueti wéstern, este último encabezado por el director Sergio Leone. Aunque fue maltratado por la crítica, influyó incluso a las películas de Hollywood, ya que muchos productores empezaron a financiar películas del Oeste al estilo de los de Leone. El bueno, el feo y el malo supone la última película de la llamada trilogía de los dólares, precedida por Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) y La muerte tenía un precio/Por unos pocos dólares más (Per qualche dollaro in più, 1965). Todas ellas fueron dirigidas por Sergio Leone y protagonizadas por Clint Eastwood en el papel del hombre sin nombre. También las tres contaron con la música de Ennio Morricone y, en el caso de El bueno, el feo y el malo, su melodía se convirtió en una de las clásicas del género. Es considerada como una de las mejores películas de la historia.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CV)

La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965), de Sergio Leone

Dos cazadores de recompensas se alían para encontrar a un peligroso forajido llamado El Indio y repartirse los beneficios de la captura. Uno de ellos es El Manco, un pistolero cínico, fumador y parco en palabras; el otro es el coronel Mortimer, un hombre mayor marcado por su pasado que tiene sus propios motivos para querer acabar con la vida del Indio. El director Sergio Leone y el actor Clint Eastwood recuperaron al personaje del Hombre Sin Nombre, que ambos habían creado para la clásica Por un puñado de dólares. En el reparto de este espagueti wéstern de 1965 encontramos al citado Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté y Klaus Kinski. Cabe destacar también la pegadiza banda sonora, que tiene el sello inconfundible del célebre compositor italiano Ennio Morricone. La película, que fue rodada íntegramente en España, arrasó en las taquillas y propició la producción de una secuela igualmente exitosa: El bueno, el feo y el malo. Su título original (Per qualche dollaro in più) ya sugiere que es la continuación natural de Por un puñado de dólares.

Historia del cine español: De Bronston al spaguetti-western (III)

El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966). Italia. Dirección: Sergio Leone. Interpretación: Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè, Rada Rassimov, Mario Brega, Luigi Pistilli, Aldo Sambrell, Enzo Petito, Claudio Scarchilli, Al Mulock, John Bartha, Livio Lorenzon, Antonio Molino Rojo, Sandro Scarchilli, Chelo Alonso. Guion: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni, Sergio Leone. Música: Ennio Morricone. Fotografía: Tonino Delli Colli. Productora: Coproducción Italia-España-Alemania del Oeste; Produzioni Europee Associati (PEA)/Arturo González P.C./Constantin Film Produktion. Durante la Guerra de Secesión, tres hombres se lanzan en busca de un arca que contiene 200.000 dólares en monedas de oro robadas al ejército sudista. Tuco sabe que el tesoro se encuentra en un cementerio, mientras que Joe conoce el nombre inscrito sobre la lápida sepulcral que sirve de escondite. Se necesitan el uno al otro. Pero aparece un tercer hombre: Setenza, un desalmado que no vacila en masacrar a mujeres y niños para conseguir lo que quiere. A lo largo de los años 1960, las producciones europeas que querían llegar a un gran público encontraron una nueva fórmula: copiar los estereotipos de los géneros típicamente yanquis que ya habían cerrado su ciclo. Así surgieron subgéneros como el péplum o el espagueti wéstern, este último encabezado por el director Sergio Leone. Aunque fue maltratado por la crítica, influyó incluso a las películas de Hollywood, ya que muchos productores empezaron a financiar películas del Oeste al estilo de los de Leone. El bueno, el feo y el malo supone la última película de la llamada trilogía de los dólares, precedida por Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) y La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965). Todas ellas fueron dirigidas por Sergio Leone y protagonizadas por Clint Eastwood en el papel del hombre sin nombre. También las tres contaron con la música de Ennio Morricone y, en el caso de "El bueno, el feo y el malo", su melodía se convirtió en una de las clásicas del género. El primero que introdujo el viejo Oeste en España fue Joaquin Luis Romero Marchent en 1955, con su versión de las aventuras de El Coyote. 

Un peregrinaje español tras las huellass de Sergio Leone

El maestro del spaghetti western, Sergio Leone, rodó sus cinco westerns ... En la década de 1960, el interior de Almería, en el sur de España, fue un eldorado para el rodaje. Hoy en día, esta "huerta de Europa", deleita al nostálgico de los duelos al sol con sus cañones y parques temáticos.

Los viejos decorados de cine de Fort Bravo se han convertido en parques turísticos.
 Sergio Leone rueda por Un puñado de dólares en 1964, en Almería.

Invernaderos hasta donde alcanza la vista. Desde el aeropuerto de Málaga, la carretera discurre entre los acantilados ocres y los barrancos que serpentean desde Sierra Nevada hasta el Mediterráneo. La parcela más pequeña de la tierra casi plana se ha convertido en una incubadora de tomates. Al acercarse Almería, donde Sergio Leone se había preparado para filmar su famosa Trilogía del dólar, también conocida como Trilogía del hombre sin nombre, (1964-1966), la ciudad de El Ejido no es más que un enorme punto grisáceo que se dedica a la agricultura en el suelo cubierto. La densidad de las lonas alquitranadas (¡25,000 hectáreas!), le da a este desierto de guijarros ubicado en el extremo oriental de Andalucía las notas de un planeta Marte colonizado por extraños refugios improvisados. El telón de fondo perfecto para una película de ciencia ficción.
Trilogía del dólar, una serie de tres películas sin relación entre sí, protagonizadas por el actor Clint Eastwood y con música del compositor Ennio Morricone. Las tres películas giran alrededor del personaje interpretado por Clint Eastwood, algunas veces conocido como Blondie (Rubio), o Manco, pero, en general, carente de nombre. Con él se dibuja el prototipo de hombre sin nombre: el mismo poncho, la misma ropa, el mismo sombrero, el mismo semblante. En la trilogía, Leone cuida que las películas generen el mismo ambiente: diálogos breves, además de escenas particularmente largas y musicadas que terminan en un emocionante clímax:
- Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964). Fue rodada en España, principalmente en el poblado ya desaparecido llamado "Golden City", que estaba en el término municipal de Hoyo de Manzanares (Madrid), pero también en lo que hoy es el Parque natural del Cabo de Gata-Níjar (Almería).

- La muerte tenía un precio, también conocida en Hispanoamérica como Por unos pocos dólares más (Per qualche dollaro in più, 1965). La película se rodó en España: en Hoyo de Manzanares (Madrid), en el desierto de Tabernas (Almería) y en la pedanía de la comarca de Níjar llamada Albaricoques. Las escenas iniciales, en las que Lee van Cleef y Jesús Guzmán dialogan en el tren, se rodaron en la antigua estación de La Calahorra, cerca de Guadix (Granada).

- El bueno, el feo y el malo, o El bueno, el malo y el feo, en Hispanoamérica (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966). El rodaje de la película se llevó a cabo entre las provincias españolas de Madrid, Burgos, Granada y Almería (algunas escenas de interior fueron rodadas en los estudios Cinecittà de Roma). Cuatro son los escenarios que se rodaron en Burgos. En el Monasterio de San Pedro de Arlanza se rodaron los interiores de la Misión de San Antonio (en cambio, el exterior pertenece a Cortijo del Fraile en Almería). El Campamento de Beterville fue construido en las inmediaciones de Carazo. El Puente de Langston fue construido sobre el Río Arlanza, en el término municipal de Hortigüela, y a escasos kilómetros del Monasterio de San Pedro de Arlanza. La película también fue rodada en Hoyo de Manzanares, en la sierra de Guadarrama, localidad que tenía decorados donde se rodaron muchas películas del oeste. El Cementerio de Sad Hill, lugar donde se rodó la escena final de la película en la que los tres actores principales se baten en duelo, se encuentra en el término municipal de Santo Domingo de Silos y a escasos kilómetros de Contreras. 

Trilogía de América
- Hasta que llegó su hora (C'era una volta il West. 1968), un western crepuscular rodado en Cinecittà, Almería, La Calahorra, cerca de Guadix (Granada) y en los mismos escenarios estadounidenses en los que rodó la mayor parte de sus películas su admirado John Ford.

- Agáchate, maldito (Giù la testa, 1971). Ésta es la segunda parte de la trilogía conocida como Once upon a time Trilogy, también llamada Trilogía de América, precedida por la película Hasta que llegó su hora (1968), y sucedida por Érase una vez en América (Once Upon a Time in America, 1984).  Se considera al film como parte del subgenero "western Zapatista".

Sergio Leone tiene una calle dedicada con su nombre en la ciudad de Almería, España.

Noticias de libro: Se busca.... Tras la pista de Sergio Leone

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Tras la pista de Sergio Leone

José Enrique Martínez Moya 

Editorial Círculo Rojo SL

2018

320 págs.

Conviértase en un aventurero recorriendo todos los escenarios que el director italiano eligió para sus cinco grandes películas. Un viaje iniciático que le hará rememorar cada una de sus escenas y convertirse en un especial espectador.

Almería se vio beneficiada por Leone porque la abrió internacionalmente para el western y para Leone, al crear un nuevo estilo: western all´italiana, fue su consagración como director, considerando a la provincia como su fetiche.

José Enrique Martínez Moya, maestro en ejercicio, siguió cursando estudios de Filología Francesa e Hispánica hasta licenciarse, sin dejar de lado la investigación cinematográfica, frutos de la misma fueron los libros Almería y el Cine (1992); Almería un mundo de película (1999) y Cabalgando hacia la aventura (2011), más un sinfín de artículos y colaboraciones para otros libros y estudios específicos, así como colaboraciones y asesoramiento a otros autores y periodistas.

Es autor de numerosos proyectos, donde destaca ALMERÍA DE CINE, regalado al Ayuntamiento de Almería y que fue presentado en FITUR 2011. Creó la asociación CINEAL en 1993 de la que es presidente. Es miembro del Instituto de Estudios Almerienses. Realizador de cortometrajes, experto en localizaciones cinematográficas y conferenciante.

Efemérides de cine: Hasta que llegó su hora

El 21 de diciembre de 1968 se estrenó la película italiana Hasta que llegó su hora (C'era una volta il west), dirigida por Sergio Leone e interpretada por Claudia Cardinale, Charles Bronson, Henry Fonda, Gabriele Ferzetti, Frank Wolff, Al Mulock, Jason Robards, Woody Strode, Jack Elam, Lionel Stander, Paolo Stoppa, Keenan Wynn, Aldo Sambrell, Robert Hossein. Productora: Paramount Pictures. Duración: 166 minutos.

Sinopsis argumental: Armónica (Charles Bronson) es un hombre callado y misterioso (a lo largo de buena parte de la película toca la armónica en vez de hablar) y que busca a Frank (Henry Fonda), un despiadado pistolero que está bajo las órdenes del millonario Morton (Gabriele Ferzetti). Por otra parte, Cheyenne (Jason Robards) es un conocido de Armónica que acaba de fugarse de prisión y que ayudará a Armónica en su búsqueda de Frank, ya que ha sido acusado de la matanza de la familia McBain. Entre medias de todo, y procedente de un burdel de Nueva Orleans, se encuentra Jill McBain (Claudia Cardinale), recientemente viuda y con un suculento terreno en su poder, heredado de su marido muerto, y por el cual ha de pasar el ferrocarril. Esto hará que todos luchen por conseguir un mismo objetivo.

Nominaciones y premios: Premios David di Donatello: Mejor producción; Premio Golden Laurel: (3° lugar) al mejor actor secundario (Charles Bronson): Premio Goldene Leinwand.

Comentario: Está considerada como una de las obras maestras del director y también del género. En 2009 entró en el National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: La muerte tenía un precio

El 15 de diciembre de 1965 se estrenó la película italiana La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più), dirigida por Sergio Leone. Protagonizada por Clint Eastwood, Lee Van Cleef, Gian Maria Volonté, Mara Krupp, Luigi Pistilli, Klaus Kinski, Joseoh Egger, Panos Papadopulos, Benito Stefanelli, Roberto Camardiel, Aldo Sambrell, Luis Rodríguez, Tomás Blanco, Lorenzo Robledo, Dante Maggio, Sergio Mendizábal, Diana Rabito, Giovanni Tarallo, Mario Meniconi, Mario Brega. Productora: Coproducción Italia-España-Alemania; Produzioni Europee Associati (PEA). Duración: 132 minutos.

Sinopsis argumental: Indio (Gian Maria Volonte) es un despiadado asesino que con ayuda de su banda de 14 esbirros consigue escapar de su prisión y poner en alerta a todos los bancos de la región. En este contexto, dos hombres: el manco (Clint Eastwood) y el coronel Douglas Mortimer (Lee van Cleef), se asocian para dar caza al Indio y a toda su banda, sobre la que caen sendas recompensas.Los motivos que impulsan a ambos son diferentes: el manco es un cazarecompensas y sólo le interesan las recompensas de los bandidos, pero el coronel Mortimer tiene además un interés personal por matar él mismo al Indio, el violador de su hermana, provocando que ella se suicidara.

El manco se gana la confianza del Indio liberando a uno de sus bandidos e infiltrándose así en su banda, pero tanto él como Mortimer son descubiertos más tarde, desencadenando en un trágico final.

Comentario: Los personajes son antihéroes estereotipados que reflejan la ardua vida del oeste mostrando, entre detalles y parcos diálogos, que el bien y el mal son relativos. Bajo una extraordinaria fotografía y un gran manejo de los tiempos, Leone firmaría la segunda película de la llamada trilogía del dólar: [Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966)].

Su título original (Per qualche dollaro in più) ya sugiere que es la continuación natural de Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1967), dirigida por Leone un año antes.

Se cumple el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Por un puñado de dólares

Tal día como hoy de 1964, o sea, el 12 de septiembre, se estrenó la película italo-hispano-germana Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari), dirigida por Sergio Leone y protagonizada Clint Eastwood, Marianne Koch, Gian Maria Volonté, Wolfgang Lukschy, Sieghardt Rupp, Margarita Lozano, Daniel Martín, Mario Brega, Aldo Sambrell, Benito Stefanelli. Productora: Jolly Film, Ocean Films, Constantin Film Produktion. Distribuidora: United Artists.

Sinopsis argumental:  Un cazarrecompensas (Clint Eastwood), apodado Joe, se dirige a San Fierro, un pueblo en la frontera de México y los Estados Unidos, donde reina la confusión y abundan los bandidos y las viudas. En este pueblo, dos familias, los Rojo y los Baxter, se disputan el control del pueblo. Los Rojo son tres hermanos: Ramón (Gian Maria Volonte), Esteban (Sieghart Rupp) y Benito (Antonio Prieto Puerto), y se dedican al tráfico de alcohol, con sus mercenarios interpretados por actores españoles como Aldo Sambrell o José Canalejas. Mientras que el matrimonio Baxter: Consuelo (Margarita Lozano) y el sheriff John (Wolfgang Lukschy), se dedica a la venta de armas y son custodiados por esbirros interpretados por algunos actores españoles como Antonio Molino Rojo, Frank Braña o Lorenzo Robledo. Durante la película, Joe se dedica a sacar dinero de ambos bandos haciéndoles trabajos a cada uno, sin que el otro bando se entere. Hasta que se enamora de Marisol (Marianne Koch) y los Rojo lo capturan y lo torturan. Pero Joe consigue escaparse y se cobija en una mina abandonada donde es cuidado por el enterrador del pueblo (Joseph Egger) y el cantinero "Silvanito" (José Calvo). Y mientras los Rojo buscan desesperados a Joe masacrando el pueblo entero y eliminando a los Baxter, Joe prepara su venganza en la mina, hasta que se recupera y se enfrenta cara a cara a los Rojo en una escena memorable.

Comentario: Aunque no se trataba del primer western de producción italiana,1 sí fue el primero que tuvo distribución internacional. Su inesperado éxito asentó las bases del spaghetti western como subgénero cinematográfico; lanzó a la fama tanto a Clint Eastwood como a Sergio Leone. Es la primera entrega de la Trilogía del dólar -con La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965) y El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966)-. La música de Ennio Morricone recibió el premio Nastro d'argento otorgado por el Sindacato Nazionale Giornalisti Cinematografici Italiani. Fue rodada en España, principalmente en el poblado ya desaparecido llamado "Golden City", que estaba en el término municipal de Hoyo de Manzanares (Madrid), pero también en lo que hoy es el Parque natural del Cabo de Gata-Níjar (Almería).

Akira Kurosawa acusó y denunció a Sergio Leone por haberse basado en su filme Yojimbo (1961), por lo que la película tuvo problemas legales. En la actualidad se admite que es un remake de la misma en clave de western.
Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: El colosos de Rodas

El coloso de Rodas (Il Colosso di Rodi), es una película  italiana, estrenada el 16 de junio de 1961, dirigida por Sergio Leone y protagonizada por Rory Calhoun , Lea Massari, Georges Marchal, Conrado San Martin, Angel Aranda, Mabel Karr, Georges Rigaud, Roberto Camardiel. Coproducción Italia-Francia-España.

Sinopsis argumental: El héroe griego Darío (Rory Calhoun), que se encuentra en Rodas disfrutando de unos días de descanso, verá perturbado su sosiego debido a una revuelta de esclavos que luchan contra la opresión del perverso tirano de la isla, que buscará la alianza de los fenicios para aplastar la rebelión.

Comentario: Rodada en España, fue el primer trabajo de Sergio Leone como director. Es su película menos conocida, aunque éste ya tenía experiencia en el género como segunda unidad de películas como Los últimos días de Pompeya, Quo vadis? y Ben-Hur.