Retrospectiva: Cloud Atlas

El atlas de las nubes (Cloud Atlas, 2012), dirigida por dirigida por Tom Tykwer (también compositor de la banda sonora) y Lilly y Lana Wachowsk con Tom Hanks, Hugo Weaving, Jim Sturgess, Halle Berry, Susan Sarandon, Hugh Grant, Keith David, Ben Whishaw, Jim Broadbent, James D'Arcy, Bae Doona, Zhou Xun, David Gyasi, Robert Fyfe, Martin WuttkeEstá basada en la novela homónima de 2004 escrita por David Mitchell y fue estrenada en Estados Unidos el 26 de octubre de 2012.

La película se compone de seis historias interrelacionadas y entrelazadas que llevan al espectador desde el Pacífico Sur en el siglo XIX, hasta un futuro posapocalíptico. A diferencia de la novela original, la película se estructura, de acuerdo con el novelista David Mitchell, “como una especie de mosaico puntillista: Nos mantenemos en cada uno de los seis mundos solo el tiempo suficiente para que el gancho se hunda, y de ahí que los dardos de la película de un mundo a otro vayan a la velocidad de un plato giratorio, revisando cada narrativa durante el tiempo suficiente para impulsarlo hacia adelante”.

Resumen de las 6 historias:

The Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing)

editarThe Pacific Journal of Adam Ewing (El diario del Pacífico de Adam Ewing).

Sur del océano Pacífico, 1849. Adam Ewing, un abogado estadounidense de San Franciscodurante la fiebre del oro de California, ha llegado a las islas Chatham para concluir un acuerdo comercial con el reverendo Gilles Horrox por su suegro, Haskell Moore. Es testigo de la paliza dada a un esclavo moriori, Autua, que se esconde en la embarcación de Ewing, y lo convence para mantenerlo oculto, entonces Ewing aboga por él para que se uniera a la tripulación como un hombre libre. Mientras tanto, el Dr. Henry Goose lentamente envenena a Ewing, alegando que era la cura para un gusano parásito, con el objetivo de robar objetos valiosos de Ewing.

Letters from Zedelghem (Cartas desde Zedelghem).

Cambridge (Inglaterra) y Edimburgo (Escocia). En 1936, Robert Frobisher, un joven músico británico que es bisexual, encuentra trabajo como un copista para el famoso compositor Vyvyan Ayrs, lo que le permite el tiempo y la inspiración para componer su propia obra maestra, el Sexteto del atlas de las nubes. Una vez terminada esta, Ayrs quiere atribuirse el mérito de la obra, y amenaza con exponer el pasado escandaloso de Frobisher si no cumple. Frobisher se suicida poco antes de que llegue su amante, Rufus Sixsmith.

Half-Lives: The First Luisa Rey Mystery (Semivida: el primer misterio de Luisa Rey).

San Francisco, California, 1973. Luisa Rey es una periodista que por casualidad se encuentra con un viejo Sixsmith, ahora un físico nuclear. Rey apunta hacia Sixsmith por una conspiración en relación con la seguridad de un reactor nuclear nuevo, pero este es asesinado por el sicario Bill Smoke antes de que pueda darle a Luisa Rey el informe que lo demuestra.

The Ghastly Ordeal of Timothy Cavendish (El horrible calvario de Timothy Cavendish)

Reino Unido, 2012. Timothy Cavendish, un editor de 65 años de edad, tiene un golpe de suerte cuando Dermott Hoggins, el autor gánster cuyo libro él ha publicado, tristemente asesina a un crítico y es enviado a la cárcel. Cuando los socios del autor amenazan la vida de Cavendish para conseguir parte de los beneficios, Cavendish se dirige hacia su hermano Denholme por ayuda. Su hermano lo engaña y lo convence de esconderse en un asilo de ancianos, donde es retenido en contra de su voluntad y maltratado por la enfermera tirana Noakes.

An Orison of Sonmi-451 (Una oración de Sonmi-451)

Neo Seúl, Corea, 2144. Sonmi-451, una mujer fabricada por ingeniería genética (clon) que trabajaba en un restaurante de comida rápida, es entrevistada antes de su ejecución. Ella relata cómo fue liberada de su vida de servidumbre por el comandante Hae-Joo Chang, miembro de un movimiento rebelde conocido como Unión. Mientras está en la clandestinidad, ve una película basada en la aventura de Cavendish. Los rebeldes de la Unión le revelan que las clones como ella son sacrificados y «reciclados» como alimento para clones futuros.

Sloosha's Crossin' an' Ev'rythin' After (El cruce de Slusha, y todo lo que vino después)

Islas Hawaianas, en una tierra posapocalíptica, en 2321 (106 años después de la Caída). Un nativo, de nombre Zachry, lleva una vida primitiva después de que la mayor parte de la humanidad muriera en la llamada «Caída», acechado por constantes visiones de un «diablo», conocido por su gente como Old Georgie (Viejo Georgie). Este diablo parece alguna clase de entidad olvidada que existe solo dentro de la mente de Zachry. Después de que su cuñado fuera asesinado por el líder caníbal de la tribu rival kona, Georgie se le aparece seguidamente en varias visiones para manipularlo y hacerlo sucumbir al miedo. Luego de un tiempo, Zachry es visitado por Meronym, un miembro de los "Prescientes", los últimos sobrevivientes de una civilización tecnológicamente avanzada. A cambio de salvar a su joven sobrina envenenada, Zachry accede a guiar a Meronym a través de las montañas hasta el Mauna Kea en busca del "Cloud Atlas", una estación de comunicaciones desde donde se podría enviar un mensaje de ayuda a la gente que dejó la Tierra y que ahora vive en otros planetas colonizados.

Retrospectiva: La esclava libre

La esclava libre (Band of Angels, 1957), dirigida por Raoul Walsh con Clark Gable, Yvonne De Carlo, Sidney Poitier, Torin Thatcher, Ray Tesla, Efrén Zimbalist Jr., Patric Knowles, Tommie Moore. 

Sinopsis: Amantha Starr ( Yvonne De Carlo) es una joven rica y atractiva que vive con su poderoso padre en una lujosa plantación del sur de Estados Unidos. La vida de ambos parece encarrilada hasta que el padre de Amantha fallece. Cuando las autoridades del Estado se enteran de que el señor Starr ha fallecido, acuden a la casa para verificar la herencia y la identidad de Amantha. Después de investigar sobre su origen, llegan a la conclusión de que Amantha es hija de una esclava negra, por lo que su derecho a heredar las tierras de su padre queda instantáneamente anulado. Despojada de sus tierras y de su apellido, Amantha es convertida en una esclava más. Tras ser trasladada a Nueva Orleans para ser subastada, Hamish Bond (Clark Gable), un rico y atractivo caballero, la comprará para convertirla en su mujer, aunque vaya en contra de la ley.

Adaptación de la novela de Robert Penn Warren, que cuenta con una excelente fotografía en color de Lucien Ballard y una poderosa partitura de Max Steiner. Fue la tercera película consecutiva de Clark Gable para Raoul Walsh, tras Los implacables (1955) y Un rey para cuatro reinas (1956). Ambos trabaron una buena amistad, sobre todo en sus largas cacerías por las praderas, y estuvieron a punto de volver a trabajar juntos en Vidas rebeldes, dirigida finalmente por John Huston.

Cinco películas basadas en libros (II)

Ben-Hur (1959), de William Wyler

Una obra cinematográfica que nace de la novela homónima Ben-Hur: una historia de Cristo (título original en inglés: Ben-Hur: A Tale of the Christ), escrita por el autor y militar estadounidense Lewis Wallace. Se ambienta en la antigua Roma, bajo el régimen de los emperadores Augusto y Tiberio (s. I d.C.). Judá Ben-Hur, que proviene de una familia noble de la ciudad de Jerusalén, tiene una amistad con Mesala, un tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación. Sin embargo, un accidente romperá definitivamente esta amistad, convirtiéndola en una enemistad profunda e irreversible. De ahí en adelante su vida cambia radicalmente: el joven es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, lo que le valdrá el encarcelamiento a él y a toda su familia. Mesala lo condena a una vida de galeras; sin embargo, un hombre desconocido llamado Jesús se apiada de él y le da de beber.

Tras sobrevivir como esclavo durante años, el cónsul romano Quinto Arrio le salva la vida y le otorga la libertad, lo que le permite regresar a Judea convertido en un hombre nuevo que emprende una búsqueda sin descanso para encontrar a su madre y a su hermana. Esta obra es, sin duda, una historia de superación y perdón en la que el director hace uso de un despliegue técnico sin precedentes y una puesta en escena magistral, haciendo de ella una obra que hay que ver de manera indispensable.

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (VIII)

(cont.)

20. Las aventuras de Tintín: El secreto del Unicornio (The Adventures of Tintin: Secret of the Unicorn, 2011)

Reparto: Animación. 

La trama: Tintín, un joven periodista dotado de una curiosidad insaciable, y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un enigmático y secular secreto que deben investigar. A partir de ese momento, Tintín se verá acosado por Ivan Ivanovitch Sakharine, un diabólico villano que cree que el joven ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero, con la ayuda de Milú, del cascarrabias capitán Haddock y de los torpes detectives Hernández y Fernández, viajará por medio mundo, sirviéndose de su proverbial astucia para burlar a sus perseguidores y encontrar antes que ellos El Unicornio, un navío hundido que puede proporcionar la clave de una fabulosa fortuna y de una antigua maldición. La aventura lo lleva por mares, desiertos y ciudades peligrosas en un viaje vibrante que mezcla humor, intriga y energía visual.

Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio (2011)

Curiosidades: El plan inicial apuntaba a la imagen real, con Milú generado por ordenador, pero Peter Jackson le hizo ver a Spielberg que ese enfoque se quedaba a medio camino: el mundo de Hergé pedía otra lógica. De ahí el giro hacia la captura de movimiento, manteniendo al perro como animación, para preservar el espíritu del cómic sin traicionarlo. Traslación a la pantalla de las aventuras de Tintín, el genial personaje de cómic creado por el artista belga Hergé, seguramente la obra maestra indiscutible del llamado Noveno Arte. No faltan a la cita personajes como Hernández y Fernández, el mayordomo Néstor o el capitán Allan. La base argumental la proporciona el álbum El secreto del Unicornio. Disponible en Filmin.

21. War Horse (Caballo de batalla) (War Horse, 2011)

Reparto: Jeremy Irvine, Emily Watson, David Thewlis, Benedict Cumberbatch, Peter Mullan, Niels Arestrup, Tom Hiddleston, Toby Kebbell, Celine Buckens, Patrick Kennedy, David Kross, Matt Milne, Leonard Carow, Eddie Marsan, Nicolas Bro, Robert Emms, Rainer Bock, Hinnerk Schönemann. 

La trama: En un pueblo inglés, Albert, el hijo de un granjero, ve nacer un potrillo. Poco después, su padre lo adquiere en una subasta, y el chico le pone de nombre Joey. Pero la familia se arruina y no tiene más remedio que vender el caballo justo cuando estalla la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Ése es el punto de partida de un viaje en el que tanto Albert como Joey lucharán por sobrevivir a la contienda y volver a estar juntos. Su espíritu resistente inspira a quienes lo encuentran, mostrando cómo la lealtad y la esperanza pueden sobrevivir incluso en los tiempos más oscuros.

Jeremy Irvine en War Horse (Caballo de Guerra) (2011)

Curiosidades: Spielberg defendía que el realismo mandaba: los únicos efectos digitales fueron tres planos brevísimos, apenas tres segundos, aplicados por seguridad. Incluso la escena del alambre se resolvió con trucos físicos (goma en lugar de espino real y, cuando tocaba, un animatrónico) para no poner al caballo en riesgo. Notable adaptación de la novela de Michael Morpurgo, que estaba narrada con talento desde el punto de vista del caballo del título. Disponible en HBO Max, Movistar+ Ficción Total, Tivify.

22. Lincoln (2012)

Reparto: Daniel Day-Lewis, Joseph Gordon-Levitt, Tommy Lee Jones, Jared Harris, David Strathairn, Sally Field, James Spader, John Hawkes, Hal Holbrook, Tim Blake Nelson, Jackie Earle Haley, Lee Pace, David Costabile, Jeremy Strong, Bruce McGill, Julie White, Gloria Reuben, Michael Stuhlbarg, Bill Camp, Elizabeth Marvel, Walton Goggins, Peter McRobbie, David Oyelowo, Gulliver McGrath.

La trama: En 1865, mientras la Guerra Civil Americana se acerca a su fin, el presidente Abraham Lincoln propone una enmienda que prohíba la esclavitud en los Estados Unidos. Sin embargo esto plantea un gran dilema: si la paz llega antes de que se apruebe la enmienda, el Sur tendrá poder para rechazarla y mantener la esclavitud; si la paz llega después, decenas de miles de personas seguirán muriendo en el frente. En una carrera contrarreloj para conseguir los votos necesarios, Lincoln se enfrenta a la mayor crisis de conciencia de su vida.

Daniel Day-Lewis en Lincoln (2012)

Curiosidades: Cuando Liam Neeson se bajó del proyecto, Spielberg volvió a su primera opción, Daniel Day‑Lewis, que dudó por el peso casi mítico del personaje. El giro llegó por una vía inesperada: Leonardo DiCaprio intervino para convencerlo de que aceptara. Steven Spielberg dirige al actor ganador de dos premios de la Academia Daniel Day-Lewis en Lincoln,  un revelador drama que se centra en los tumultuosos últimos meses en ejercicio del decimosexto presidente norteamericano. Disponible en Google Play, Apple TV, Prime Video, Rakuten TV. 

(cont.).

Las 25 mejores películas de Steven Spielberg y dónde verlas (V)

(cont.)

11. Parque Jurásico (Jurassic Park, 1993)

Reparto: Laura Dern, Sam Neill, Jeff Goldblum, Richard Attenborough, Joseph Mazzello, Ariana Richards, Bob Peck, Martin Ferrero, Samuel L. Jackson, BD Wong, Wayne Knight, Miguel Sandoval, Gerald R. Molen.

La trama: El multimillonario John Hammond consigue hacer realidad su sueño de clonar dinosaurios del Jurásico y crear con ellos un parque temático en una isla remota. Antes de abrirlo al público, invita a una pareja de eminentes científicos y a un matemático para que comprueben la viabilidad del proyecto. Pero las medidas de seguridad del parque no prevén el instinto de supervivencia de la madre naturaleza ni la codicia humana. Un parque temático con dinosaurios clonados se convierte en un caos cuando la seguridad falla. La mezcla de maravilla, tensión y efectos innovadores redefinió el cine de aventuras, dejando escenas icónicas que aún impresionan.

Laura Dern y Sam Neill en Parque Jurásico (1993)

Curiosidades: El icónico rugido del T‑Rex, que luego se convertiría en canon, no salió de un solo animal, sino de un ensamblaje de sonidos de perro, de pingüino, el gruñido de un tigre y el gorgoteo de un aligátor, rematados por el chillido agudo de un elefante bebé, tan extraño que solo lo emitió una vez; la escena se diseñó para que se oyera antes de ver al dinosaurio. Obra maestra del suspense, la aventura y la ciencia ficción de un especialista como Steven Spielberg. Adapta el popular best-seller de Michael Crichton con unos efectos visuales que en la época fueron sencillamente revolucionarios. Disponible en Prime Video, SkyShowtime, Movistar+ Ficción Total.

2. La lista de Schindler (Schindler's List, 1993)

Reparto: Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes, Caroline Goodall, Embeth Davidtz, Jonathan Sagall, Ezra Dagan, Mark Ivanir, Malgorzata Gebel, Béatrice Macola, Oliwia Dabrowska, Shmuel Levy

La trama: Oskar Schindler (Liam Neeson), un empresario alemán de gran talento para las relaciones públicas, busca ganarse la simpatía de los nazis de cara a su beneficio personal. Después de la invasión de Polonia por los alemanes en 1939, Schindler consigue, gracias a sus relaciones con los altos jerarcas nazis, la propiedad de una fábrica de Cracovia. Allí emplea a cientos de operarios judíos, cuya explotación le hace prosperar rápidamente, gracias sobre todo a su gerente Itzhak Stern (Ben Kingsley), también judío. Pero conforme la guerra avanza, Schindler y Stern comienzan ser conscientes de que a los judíos que contratan, los salvan de una muerte casi segura en el temible campo de concentración de Plaszow, que lidera el comandante nazi Amon Goeth (Ralph Fiennes), un hombre cruel que disfruta ejecutando judíos.

Ralph Fiennes y Liam Neeson en La lista de Schindler (1993)

Curiosidades: Cuando una superviviente del campo de concentración fue presentada a Ralph Fiennes durante el rodaje, su reacción fue inmediata: empezó a temblar de forma incontrolable, porque la caracterización del actor era tan real que le situó de nuevo frente a Amon Göth, el oficial de la SS jefe del campo. Disponible en SkyShowtime, Movistar+ Ficción Total, Filmin. El director recibió por la película una recompensa largamente acariciada. La Academia se volcó con ella, otorgándole siete Oscar, entre ellos los correspondientes a la mejor película, mejor guión y mejor dirección. 

13. Amistad (1997)

Reparto: Morgan Freeman, Nigel Hawthorne, Anthony Hopkins, Djimon Hounsou, Matthew McConaughey, Anna Paquin, David Paymer, Pete Postlethwaite, Stellan Skarsgård, Chiwetel Ejiofor, Razaaq Adoti, John Ortiz, Jeremy Northam, Xander Berkeley, Arliss Howard, Pedro Armendáriz Jr., Jake Weber, Austin Pendleton, Paul Guilfoyle, Daniel von Bargen, Tomas Milian, Geno Silva, Allan Rich.

La trama: Una noche del verano de 1839, cincuenta y tres esclavos negros que viajaban a bordo del navio "La Amistad" se amotinaron y tomaron el control del barco frente a las costas de Cuba. Fracasado su intento de regresar a África, fueron detenidos por tropas americanas y se encontraron en un país extraño y a merced de un sistema judicial que les era ajeno. La narración combina emoción y reflexión histórica, mostrando la importancia de la dignidad y la justicia frente a la opresión. 

Anthony Hopkins y Morgan Freeman en Amistad (1997)

Curiosidades: Anthony Hopkins dejó al equipo clavado en el suelo al recitar de memoria el alegato final, que ocupaba siete páginas, en una sola toma, con el ritmo adecuado y sin pedir refugio con cortes. Spielberg quedó tan impresionado que, desde ese día, se negó a llamarle “Tony” y durante el resto del rodaje solo se dirigió a él como “Sir Anthony”. Disponible en Google Play, Apple TV, Prime Video, Rakuten TV.

(cont.)

Efemérides de cine: Saló o los 120 días de Sodoma

El 22 de noviembre de 1975 se estrenó la película italiana Saló o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma), dirigida por Pier Paolo Pasolini e interpretada por Paolo Bonacelli, Giorgio Cataldi, Uberto Paolo Quintavalle, Aldo Valletti, Caterina Boratto, Elsa De Giorgi, Hélène Surgère, Sonia Saviange, Laura Betti, Dorit Henke. Productora: Coproducción Italia-Francia; Produzioni Europee Associate, Les Productions Artistes Associés. Duración: 145 minutos. 

Sinopsis argumental: Durante la República fascista de Saló, cuatro amigos crean un depravado documento que van a seguir a rajatabla; el reglamento va a regir cada una de sus vidas desde el momento de su creación. A partir de entonces, deciden escoger a ocho personas de ambos sexos que se van a convertir en víctimas de sus crueles y sanguinarias prácticas. El juego consiste en encerrar a esos ocho "cautivos" en una mansión donde no pueden romper las reglas del juego establecido por los señores; cualquier transgresión se penaliza con la muerte. Además, los creadores tienen en su poder las vidas de cada una de esas personas... en su juicio está decidir si viven o si mueren.  

Comentario: La película es una libre adaptación del libro de 1785 Los 120 días de Sodoma, del marqués de Sade. Ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, fue la última obra de Pasolini. Esta película iba a ser la primera película de una trilogía conocida como la "Trilogía de la muerte", a la que precede la "Trilogía de la vida" (El Decamerón, Los cuentos de Canterbury y Las mil y una noches). El proyecto quedó interrumpido por el asesinato de Pasolini. Considerada una de las películas más polémicas de la historia del cine, tuvo su estreno prohibido en multitud de países. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Mandingo

El 7 de mayo de 1975 se estrenó la película estadounidense Mandingo, dirigida por Richard Fleischer e interpretada por James Mason, Susan George, Perry King, Richard Ward, Brenda Syke, Ken Norton. Productora: Dino de Laurentiis Cinematographica, Paramount Pictures. Duración: 126 minutos. 

Sinopsis argumental: La película está ambientada en Falconhurst, una plantación deteriorada propiedad del viudo Warren Maxwell y su hijo Hammond, su esclavo mandinga, Ganymede, o Mede, es entrenado para luchar contra otros esclavos. Hammond descuida a su esposa Blanche, a quien rechaza en su noche de bodas tras descubrir que no era virgen. En cambio, viola a su esclava Ellen, mientras Blanche obliga a Mede a acostarse con ella. Estas diversas y contradictorias infidelidades finalmente se unen, provocando un trágico final de la película con la muerte de la mayoría de los personajes principales.

Comentario: Está basada en la novela del mismo nombre (1957)​ escrita por Kyle Onstott y en la obra de Jack Kirkland. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Diez películas (muy) buenas que no queremos volver a ver (II)

(cont.)

3. Salò, o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975), de Pier Paolo Pasolini 

En una mansión, cuatro señores se reúnen con cuatro exprostitutas y con un grupo de jóvenes de ambos sexos, partisanos o hijos de partisanos, que han sido hechos prisioneros. Nadie en la casa puede eludir las reglas del juego establecidas por los señores; toda transgresión se castiga con la muerte. Además, ellos gozan de la facultad de disponer a su antojo de la vida de los cautivos.

El crítico y cineasta Jean-Claude Biette afirmó que "Noche y niebla (Nuit et Brouillard, 1956) - el documental de Alain Resnais sobre el universo de los campos de concentración, nota del editor] y Salò son las dos películas que cualquier espectador que aspire a convertirse en ciudadano debería ver". Es cierto, pero, al menos en lo que respecta al último largometraje de Pier Paolo Pasolini, que sólo se vea una vez, como esta transposición de los Los 120 días de Sodoma, del marqués de Sade, en el marco de la efímera república fascista italiana donde los hombres de poder infligen los peores horrores a los jóvenes, suscita un sentimiento mixto de terror, repugnancia y vergüenza. Sin duda porque la puesta en escena sitúa constantemente al espectador en la posición de un voyeur.

4. Cabeza borradora (Eraserhead, 1977), de David Lynch 

Henry Spencer, un joven depresivo y asustadizo, sufre desde pequeño unas extrañas pesadillas de las que intenta liberarse a través de su imaginación. Un día, su amiga Mary lo invita a cenar a casa; se entera entonces de que ha sido padre de un bebé prematuro y no humano. Mary y el extraño bebé se instalan en casa de Henry, donde un escenario iluminado tras el radiador muestra la presencia de una mujer. 

¿Es Cabeza borradora, el primer largometraje de David Lynch, una obra maestra en blanco y negro oscura y pegajosa, un shock visual y narrativo único? Sí. ¿Lo volveremos a ver algún día? No. Preferimos tragarnos un trago de lejía antes que volver a infligirnos esta inmersión total en la peor pesadilla de la historia del cine, una historia surrealista en la que un bicho raro desaliñado (el comediante Jack Nance) es torturado por los gritos incesantes de su... bebé, si podemos. Describe así el horror envuelto –entre la cabeza de un animal muerto y un órgano en carne viva– que gime en el fondo de su apartamento. A caballo entre el homenaje al cine expresionista, el (muy) mal viaje a las setas venenosas y las referencias a las ansiedades de las "cucarachas" de Franz Kafka, este descenso a los infiernos de la creación sólo se vive una vez, y con razón: nosotros ya lo vivimos. Nunca regresa del todo. 

(cont.)

Efemérides de cine: The Arena

En enero de 1974 se estrenó la película The Arena AKA Naked Warriors, dirigida por Steve Carver y Joe D'Amato e interpretada por Margaret Markov, Pam Grier, Lucretia Love, Paul Muller, Daniele Vargas, Marie Louise, Mary Count, Rosalba Neri, Vassili Karis, Sid Lawrence, Mimmo Palmara, Antonio Casale, Franco Garofalo, Pietro Ceccarelli, Jho Jhenkins. Productora: Coproducción Estados Unidos-Italia; New World Pictures, Rover Film. Duración: 83 minutos. 

Sinopsis argumental: En la antigua ciudad romana de Brundisium, un grupo de esclavas son vendidas a un hombre llamado Timarchus, el organizador de los eventos que tienen lugar en el coliseo de la localidad. Después de que estalla una pelea entre las chicas, a Timarchus se le ocurre la idea de poner a las mujeres en la arena para luchar hasta la muerte. Mamawi y Bodicia, recientemente capturadas, se dan cuenta de que deben mantenerse unidas si quieren sobrevivir.

Comentario: Esta ppelícula marca la segunda unión de Grier y Markov; en 1972 habían protagonizado juntas la película de mujeres en prisión Black Mama, White Mama (también conocida como Women in Chains). La película fue una de una serie de películas de mujeres prisioneras que Roger Corman cofinanció tras el éxito de The Big Doll House, incluidas The Big Bird Cage, The Hot Box y Black Mama, White Mama. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“Django Unchained”: cinco anacronismos que hacen que la película sea aún mejor

El impresionante western de Quentin Tarantino puede tener lugar en 1858, pero todavía hay algunos descubrimientos que están muy por delante de su tiempo. Así que echemos un vistazo a las pequeñas libertades tomadas por el cineasta en el siglo XIX.

Django desencadenado (Django Unchained, 2012) es una película cuya acción transcurre en 1858, "dos años antes de la Guerra Civil", tal y como indica un recuadro de presentación. Cualquier historiador que se precie te dirá: nunca debes razonar en términos de lo que sucede "después" de un evento porque los protagonistas no saben una mierda al respecto. Y luego, um, la Guerra Civil comenzó en 1861... tres años después, ¿verdad?

O Quentin Tarantino considera que la secesión de los Estados del Sur, en 1860, marca el verdadero comienzo del conflicto, o precisa por esta aproximación que no es historiador, no, sino cineasta, resueltamente. Y que también es mucho mejor porque el cine puede vengar a la Historia, o al menos hacer con ella lo que le plazca. En el cine puedes (¡cuidado con los spoilers!) asesinar a Hitler - Malditos bastardos (Inglourious Basterds, 2009)- y hacer que Sharon Tate sobreviva -Érase una vez… en Hollywood (Once Upon a Time in... Hollywood, 2019)-, por ejemplo. También se puede arrasar una propiedad de esclavistas con dinamita, incluso si este explosivo no se inventará hasta después de la Guerra Civil. Es cierto que Tarantino sabe cómo comportarse, no saca el Kalashnikov para derribar a los confederados, pero de buena gana ofrece pequeños arreglos con los hechos siempre que puedan alimentar su arte de hacer películas. Aquí hay algunos.
Armas: la dinamita no existia
Tenemos un gatillo fácil en Django, tenemos además un gatillo que no es exactamente el de 1858. En este caso, Tarantino no es fiel a la Historia sino al spaghetti western, un género que no habría tenido tanto éxito de haberlo pistolas de época usadas. Prácticamente todo el arsenal cinematográfico se inventará después de la década de 1850. Tarantino, por tanto, no tendrá el Nobel de precisión histórica, y menos le importa que ese Nobel no exista. Al igual que la dinamita, en 1858. Alfred (Nobel, por lo tanto) la inventará en 1867. Pero como el resto, la dinamita es demasiado tarantiniana como para dejar que una desafortunada brecha de nueve cortos años arruine la diversión, un poco como el Ku Klux Klan, cuyo La aparición oficial data de 1865: era demasiado tentador darles una lección también a ellos. Y luego volar una plantación por un proceso imposible es santificar el poder del cine, gran vengador de las injusticias de la Historia.

Las artes: Nefertiti estaba bajo tierra
El pesar es que en la casa estaba el busto de Nefertiti. Antes de volarla, Django aún pudo haber evacuado esta obra de arte que nadie conocía, en 1858, ya que fue descubierta en 1912. Este patán de Django… Hablamos de la escultura más hermosa de la historia hombres, sí, sí, y si eres escéptico, compra un boleto para Berlín tan pronto como podamos, luego para el Neues Museum, donde Nefertiti tiene una habitación para ella sola. Y dado que estamos en el negocio de las artes, mencionemos también la comparación de Calvin Candie (Leonardo DiCaprio) de Broomhilda con una "pintura abstracta", un comentario muy atrevido para el siglo XIX, en general bastante poco familiarizado con el arte abstracto.

La música: “Para Elisa”, desconocida
Pero al fin y al cabo, el caso de Nefertiti es medio error porque la escultura ya había sido realizada en 1858, aunque nadie la había visto todavía. Tal vez hubo incluso un pintor abstracto aquí o allá que no se abrió paso. Es un poco lo mismo con Para Elisa, que se toca con el arpa en una sala de estar: Beethoven la había escrito en 1810, pero no se publicó hasta 1867 (mira, como la dinamita). ¿Hay algún mensaje de Tarantino en estas cosas que se podría haber sabido pero no se supo del todo? Es difícil imaginar que se trata de simples errores garrafales, sobre todo porque el director aprecia Para Elisa por haberla hecho sonar en Malditos bastardos... Cuando usamos música dos veces en dos películas diferentes, sabemos la fecha de nacimiento. Sobre todo porque aquí se destaca especialmente: es la única melodía intradiegética (que los personajes escuchan) de Django desencadenado… Por lo demás, la banda sonora es decididamente contemporánea.

El idioma: "hijo de puta" no estaba en el diccionario
El principal escollo de las películas históricas es el lenguaje, especialmente cuando tienen lugar en una época en la que no existen grabaciones sonoras. Así que están los directores escrupulosos que buscan en los libros las palabras que usamos. Y luego está Tarantino, que rockea todo el tiempo. Samuel L. Jackson, como el mayordomo malvado, pronuncia el insulto atroz cuatro veces. Pero el muy serio diccionario de Oxford data su primer uso en 1918. Pero, ¿podemos imaginar una película de Tarantino sin un hijo de puta dentro?

Cumplió 25 años: Amistad

El 4 de diciembre de 1997 se estrenó la película estadounidense Amistad, dirigida por Steven Spielberg e interpretada por Matthew McConaughey, Djimon Hounsou, Morgan Freeman, Anthony Hopkins, Pete Postlethwaite, Chiwetel Ejiofor, Stellan Skarsgård, Nigel Hawthorne, David Paymer, Anna Paquin, Jeremy Northam, Arliss Howard, Peter Firth, Daniel Von Bargen, Tomas Milian. Productora: DreamWorks SKG. Duración: 155 minutos. 

Sinopsis argumental: Una noche del verano de 1839, cincuenta y tres esclavos negros que viajaban a bordo del navio "La Amistad" se amotinaron y tomaron el control del barco frente a las costas de Cuba. Fracasado su intento de regresar a África, fueron detenidos por tropas americanas y se encontraron en un país extraño y a merced de un sistema judicial que les era ajeno.

Nominaciones y premios:  4 nominaciones al Oscar: Actor de reparto (Hopkins), fotografía, vestuario y banda sonora original; 4 nominaciones al Globo de Oro, incluyendo mejor película drama y director (Spielberg); Critics' Choice Awards: Mejor actor secundario (Hopkins). 2 nominaciones; Sindicato de Productores (PGA): Nominada a mejor película; Sindicato de Directores (DGA): Nominada a mejor director; Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Hopkins); Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones, incluidas mejor actor secundario (Hopkins); Premios David di Donatello: Nominada a mejor film extranjero.

Comentario: El mismo año en que dirigió la segunda parte de la exitosa Parque Jurásico, Steven Spielberg regresó al género dramático con un relato en que, como ya había hecho en La lista de Schindler, defendía los derechos de los más desfavorecidos. En esta ocasión se adentró en la problemática de la identidad afroamericana en Estados Unidos (tema que ya había tratado en El color púrpura), basándose en un hecho real.

Las mejores películas de la historia del cine (CCVI)

Saló, o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975), de Pier Paolo Pasolini

En una mansión, cuatro señores se reúnen con cuatro exprostitutas y con un grupo de jóvenes de ambos sexos, partisanos o hijos de partisanos, que han sido hechos prisioneros. Nadie en la casa puede eludir las reglas del juego establecidas por los señores; toda transgresión se castiga con la muerte. Además, ellos gozan de la facultad de disponer a su antojo de la vida de los cautivos.
Última película del controvertido Pasolini (el realizador italiano fue asesinado antes del estreno de esta obra), basada en la obra del Marqués de Sade, Los 120 días de Sodoma (1785), pero ambientada en la Italia fascista de Mussolini de 1944. Debido a su contenido erótico y moral, la polémica película tuvo su estreno prohibido en multitud de países.

Esta película iba a ser la primera película de una trilogía conocida como la "Trilogía de la Muerte", a la que precede la "Trilogía de la Vida" (El Decamerón, Los cuentos de Canterbury y Las mil y una noches), aunque las dos partes restantes no pudieron realizarse tras el asesinato en extrañas circunstancias de Pasolini. Cuenta una serie de escenas explícitas de hombres satisfaciendo sus deseos sexuales ignorando las leyes morales. Ha sido catalogada por mucha gente como una de las películas más crudas de la historia del cine.

Efemérides de cine: Adiós tío Tom

El 30 de septiembre de 1971 se estrenó la película italiana Adiós tío Tom (Addio zio Tom), dirigida por Gualtiero Jacopetti, Franco Prosperi. Reparto: Documental.  Productora: Eurointer. Duración: 136 minutos.

Sinopsis argumental: Adiós, Tío Tom narra como dos documentaristas viajan en el tiempo hasta antes de la guerra civil americana para filmar las ventas de esclavos.

Comentario: Propone un viaje temporal por la realidad de las viejas plantaciones de esclavos en USA. La obra fue calificada como uno de los mayores atentados morales y éticos jamas realizados en pantalla. Prosperi/Jacopetti ya habían sido cuestionados tras Adiós África (1966) narrando los sangrientos procesos descolonizadores del continente negro con pogromos, matanzas de animales y una ejecución en primer plano que les acusó de ser cómplices de la misma. Alegaron haberse limitado a filmar hechos que se habrían producido igualmente. La fascinación morbosa por la negritud y su discurso narrativo valiente y tendencioso también están presentes en esta obra. La parte mas dura del metraje corresponde a la brutalidad de las recreaciones históricas intercaladas con la situación de los negros en la América contemporánea. Nadie se salva de la visión pesimista y deformada de los autores que exageran conductas de manera sensacionalista. Prosperi y Jacopetti, como Ruggero Deodato en Holocausto Caníbal o Wes Craven en La Última Casa a la Izquierda, optan por una vía en auge en el cine de la época que cuestiona al espectador y sus pulsiones internas. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Queimada

El 20 de diciembre de 1969 se estrenó la película italiana Queimada (Queimada!), dirigida por Gillo Pontecorvo e interpretada por Marlon Brando, Evaristo Márquez, Renato Salvatori, Norman Hill, Tom Lyons, Carlo Palmucci, Giampiero Albertini, Dana Ghia. Productora: Coproducción Italia-Francia; Produzioni Europee Associati (PEA)/Les Productions Artistes Associes. Duración: 132 minutos.

Sinopsis argumental: A principios del siglo XIX, los esclavos de las vastas plantaciones de caña de azúcar de la isla de Queimada, situada en el mar Caribe, están a punto de rebelarse; y los británicos están dispuestos a echarles una mano. Para ello, el Gobierno británico manda a William Walker, agente secreto y aventurero, cuyo objetivo es fomentar una revuelta contra los portugueses para que Queimada pase al dominio colonial británico, así como pasar el mercado de la caña de azúcar a manos inglesas.

Nominaciones y premios: Premios David di Donatello: Mejor director. 

Comentario: Esta cinta anticolonialista, dirigida por el italiano Gillo Pontecorvo, quien consiguió dos nominaciones a los Oscar por su anterior película (La batalla de Argel, 1966) atiende a sus objetivos de hacer un cine de denuncia social). Situada en una indefinida isla del Caribe, la película fue protagonizada por Marlon Brando, quien a lo largo de su carrera cinematográfica protagonizó filmes por un convencimiento ideológico, sobre todo a favor de la causa india en territorio norteamericano. La banda sonora, del premiadísimo Ennio Morricone, añade un toque más de prestigio a los créditos de esta obra. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.