Hace 100 años: El amo de la casa

El 5 de octubre de 1925 se estrenó la película danesa El amo de la casa (Du skal aere din hustru), dirigida por Carl Theodor Dreyer e interpretada por Johannes Meyer, Astrid Holm, Karin Nellemose, Mathilde Nielsen, Clara Schønfeld. Productora: Palladium Films. Duración: 107 minutos. 

Sinopsis argumental: Ida Frandseen y sus hijos son víctimas de las exigencias tiránicas y egoístas del cabeza de familia, Víctor, de profesión relojero. Ella trabaja sin cesar en el modesto hogar al servicio exclusivo de su esposo, sin recibir a cambio más que desaires y desprecio. La antigua nodriza de Víctor y la madre de Ida proyectan un plan para acabar con esta desesperante situación. El plan consiste en que Ida abandone temporalmente a su marido para descansar en el campo. La nodriza Mads, ahora rectora de la casa, inicia la doma de Víctor, para terminar convenciéndole de lo injusto que ha sido su comportamiento con su esposa. La película termina con el regreso de Ida a su casa, la petición de perdón de su marido, y el comienzo de una nueva y feliz vida todos reconciliados. 
Comentario: Adaptación de una obra teatral de Svend Rindon, Tyrannens fald, sobre la tormentosa relación que mantiene un marido tiránico con su familia. Gran película de la etapa muda de Dreyer, sólo superado por La pasión de Juana de Arco. El cineasta está influido por su compatriota Victor Sjöström, pero introduce las constantes de su filmografía: familia, amor, sacrificio. También demuestra que es único a la hora de describir complejos personajes femeninos. Lo hace con una expresividad única, y un fino sentido de la ironía. Resulta sorprendente cómo conviven en esta película la alabanza al trabajo de la mujer en el hogar y la defensa a ultraza de lo femenino, la crueldad y la ternura, lo indignante y un humor suave. El reparto es magnífico, y Johannes Meyer como el odioso esposo sabe dar matices a su personaje. El desenlace es antológico, de emociones puras.

Hace 100 años: Michael

El 26 de septiembre de 1924 se estrenó la película alemana Michael (Deseo del corazón) (también conocida como (Mikaël, Encadenado: la historia del tercer sexo) (Mikaël), dirigida por Carl Theodor Dreyer e interpretada por Walter Slezak, Max Auzinger, Nora Gregor, Robert Garrison, Benjamin Christensen, Didier Aslan, Alexander Murski, Grete Mosheim, Karl Freund, Wilhelmine Sandrock. Productora: U.F.A. Duración: 90 minutos.

Sinopsis argumental: Un famoso pintor llamado Claude Zoret (Benjamin Christensen) se enamora de uno de sus modelos, Michael (Walter Slezak), y por un tiempo ambos viven juntos felizmente. Zoret es considerablemente mayor que Michael y por ello, éste empieza a distanciase de él, aunque Zoret no se da cuenta en absoluto. Cuando una condesa arruinada (Nora Gregor) acude a Zoret, aparentemente a encargarle un retrato pero con la intención real de seducirle y estafarle su dinero, encuentra que Michael es más receptivo a sus avances, se lía con él y le usa para robar a Zoret. Cuando el pintor descubre lo que está pasando, queda destrozado y su trabajo sufre terriblemente. Para colmo, Michael vende el retrato que Zoret le había pintado y regalado, y también roba y vende los bocetos que Zoret había hecho en su estancia con él en Argelia, al principio de su amor. En su desesperación, Zoret empieza a trabajar en su obra maestra, un cuadro de gran escala de un hombre tumbado en la playa, usando Argelia como fondo, que representa a un hombre que lo ha perdido todo. Tras finalizar el cuadro, Zoret cae gravemente enfermo. El periodista Charles Switt (Robert Garrison) permanece junto a él en su lecho de muerte. Switt siempre ha amado a Zoret y ha estado junto a él, y nunca criticó a Michael para no herir a Zoret, su amor no correspondido. Switt envía un mensaje a Michael, diciéndole que Zoret está muriendo y que venga enseguida, pero la condesa se lo impide. Las últimas palabras de Zoret, que sirven también como prólogo de la película son: «Ahora puedo morir en paz, porque he visto el verdadero amor». 

Comentario: La película se basa en la novela Mikaël de Herman Bang, de 1904. Esta es la segunda adaptación cinematográfica del libro, pues la primera fue la sueca Vingarne rodada ocho años antes por Mauritz Stiller. Sin embargo Michael sigue más fielmente el argumento del libro de Bang que la primera adaptación. La película es ampliamente considerada un hito del cine mudo gay.

Las 50 mejores películas de terror de la historia del cine (VIII)

15 - Vampyr, la bruja vampiro (Vampyr - Der Traum des Allan Grey, 1932), de Carl Theodor Dreyer

Vampyr, la bruja vampiro significó el primer trabajo en el cine sonoro para el director danés Carl Theodor Dreyer, aunque cuenta con muy poco diálogo. La cinta fue rodada como si se tratase de una película mudoay, posteriormente, se añadieron las voces de los personajes y los efectos. Cabe destacar que el largometraje fue rodado con una técnica de sonido experimental, que provocó que la calidad del audio fuese deficiente. Este problema lo solucionaron cortando en las versiones alemanas y francesas aquellas escenas que se vieron más perjudicadas en este aspecto, por lo que desde 1990 es muy difícil encontrar en circulación la versión inglesa. Otro aspecto interesante de la misma, basado en los relatos In a Glass Darkly de Sheridan Le Fanu, es que Dreyer decidió no contar con actores profesionales para dar vida a los personajes. La mayoría de ellos fueron aficionados que se amontonaron en el rodaje, excepto Sybille Schmitz y Maurice Schutz.

Vampyr, la bruja vampiro (1932)

14 - La noche del demonio (Night of the Demon AKA Curse of the Demon, 1957), de Jacques Tourneur

Una película considerada por muchos como la mejor de género fantástico rodada en Inglaterra durante los años 1950. Pese a su modesto presupuesto, su director, Jacques Tourneur utilizó una serie imaginativos recursos para conseguir que el espectador experimentara la misma transición que el protagonista, desde el confiado escepticismo inicial hasta el pánico de la conclusión. Además, lo hizo con tal sutilieza que el final de la película es abierto y uno nunca está seguro de si lo que ha sucedido es real o producto de la imaginación del héroe. Y todo eso teniendo en cuenta que el montaje último de la cinta fue realizado desoyendo los deseos del director.

Dana Andrews en La noche del demonio (1957)

13 - Carretera perdida (Lost Highway, 1997), de David Lynch

Bill Pullman, Balthazar Getty y Patricia Arquette son el excelente trío de actores que encabeza el reparto de esta inquietante, enfermiza y onírica película, absolutamente inclasificable, que incluye traslación de personalidades y revueltas narrativas sin causa aparente. Es decir, David Lynch en el momento más alto de su mundo pesadillesco e insano. La película cuenta con la fotografía de Peter Deming, que sabe recoger ese tono psicodélico que tanto gusta a Lynch. Destaca también la excelente banda sonora a cargo de Angelo Badalamenti, habitual del director.

Bill Pullman y Patricia Arquette en Carretera perdida (1997)

12 - ¡Suspense! (The Innocents, 1961), de Jack Clayton

Uno de los más destacados títulos de terror psicológico de los años 1960, en una fascinante adaptación de la novela Otra vuelta de tuerca de Henry James. Suspense es una película que cuatro décadas después de su estreno sigue siendo un referente para posteriores cintas de este subgénero. De hecho, es una de las mejores historias de fantasmas jamás propuestas por el cine y el mejor título de Jack Clayton, su director. Este relato gótico se benefició de un guión de Truman Capote, justo entre sus dos más celebradas adaptaciones cinematográficas, Desayuno con diamantes y A sangre fría, así como de una excepcional fotografía en blanco y negro de Freddie Francis, que volvió a ponerse a las órdenes de Clayton tras el éxito de Un lugar en la cumbre. En todo caso, Suspense es una película que mantiene en todo momento una elegantísima ambigüedad a lo largo de todo el metraje, matizada con una tensión sexual gracias al trabajo de la genial Deborah Kerr.

¡Suspense! (1961

11- El quimérico inquilino (Le locataire, 1976), de Roman Polanski

Uno de las películas más personales de Roman Polanski, en la que continuó la investigación del director franco-polaco en torno a la locura y lo sobrenatural. Siete años después de que su esposa, Sharon Tate, fuese brutalmente asesinada por la familia Manson, Polanski abordó este película de terror psicológico en el que, sobre todo, se explica la transformación interior de una persona. Y es que, a medida que el protagonista va explorando qué fue lo que le sucedió a su predecesora, va transformándose lentamente, descubriendo cosas nuevas de sí mismo, cosas que desconocía.

Roman Polanski en El quimérico inquilino (1976)

(cont.)

Hace 100 años: Érase una vez

El 3 de octubre de 1922 se estrenó la película danesa Érase una vez (Der var engang),  dirigida por Carl Theodor Dreyer e interpretada por Clara Pontoppidan, Svend Methling, Peter Jerndorff, Hakon Ahnfelt-Rønne, Mohamed Archer, Bodil Faber, Wilhelmine Henriksen, Lili Lani, Henry Larsen, Frederik Leth, Schiøler Linck, Gerda Madsen, Lars Madsen, Torben Meyer, Karen Poulsen, Musse Scheel. Productora: Sophus Madsen Film. Duración: 75 minutos. 

Sinopsis argumental: En una tierra llamada Illyria, una princesa rechaza repetidamente a todos sus pretendientes - incluso al príncipe de Dinamarca, que queda locamente enamorado de ella. Con el fin de llamar para su atención, el príncipe adopta otra identidad y junto con su ayudante "Smokehat", planifica una estratagema para ganarse el corazón de la princesa... 

Comentario: Adaptación cinematográfica de una obra de teatro de Holger Drachmann, a su vez basada en un cuento de Hans Christian Andersen. La obra original de Holger Drachmann ya había sido adaptada para la pantalla en 1907.

Hace 100 años: Los estigmatizados

El 7 de febrero de 1922 se estrenó la película alemana Los estigmatizados (Die Gezeichneten), dirigida por Carl Theodor Dreyer e interpretada por Richard Boleslawski, Vladimir Gajdarov, Johannes Meyer, Polina Pickowska, Elisabeth Pinajeff, Thorleif Reiss, Adele Reuter-Eichberg, Sylvia Torf. Productora: Primus-Film. Duración: 84 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuenta la historia de una aldea rusa durante la Revolución de 1905. La joven Hanna-Liebe (Polina Pickowska), que vive en un guetto judío en un pueblo ruso, se ve forzada a abandonar su amistad con el joven Fedja (Richard Boleslawski), que no es judío. Cuando se enamora de Sascha (Thorleif Reiss), que tampoco es judio, Hanna le sigue a San Petesburgo. Allí ella se une a su hermano Segal (Vladimir Gajdarov), y se entera de que Sascha ha entrado a formar parte de un grupo revolucionario... 

Comentario: La película estuvo mucho tiempo perdida y está considerada como una de las películas más fascinantes de Dreyer.

Las mejores películas de cuto de la historia del cine (LIV)

Ordet (la palabra) (Ordet), de Carl Theodor Dreyer

Carl Theodor Dreyer escogió una situación histórica y social muy particular para ambientar Ordet. Un pequeño pueblo de Jutland en los años veinte y dos familias en el punto álgido de la batalla entre razón y fe arrastrada durante siglos. El conflicto, por supuesto, no es una novedad de la época, pero la convivencia en un espacio tan reducido de ambas formas de pensar el mundo permite que el filme se impregne de su choque. Se trata de una adaptación de la obra teatral de Kaj Munk. Más cercano a las artes plásticas que a la pura narración de historias, Dreyer plantea esta película como un torrente de espiritualidad, rodeándola de un ambiente místico en el que se interesa por tratar, por encima de todo, la inseguridad del individuo ante los caprichos de la fe y de la razón. En un bellísimo blanco y negro, la luz y el detalle en los rostros y los objetos juegan un papel básico en los espacios y los encuadres, recordándonos la pintura flamenca y al pintor danés Vilhelm Hammershøi, admirado por Dreyer, con el que comparte el convencimiento de que en los interiores se consigue mayor dramatismo; y en ambos la quietud de su figuración nos enfrenta inevitablemente a la idea de la muerte. Ordet es considerada una las cumbres del cine europeo de todos los tiempos, ganó el León de Oro de Venecia en 1955.

Hace 100 años: Las páginas del libro de Satán

El 15 de noviembre de 1920 se estrenó la película danesa Las páginas del libro de Satán (Blade af Satans bog), dirigida por Carl Theodor Dreyer e interpretada por Helge Nissen, Halvard Hoff, Jacob Texiere, Hallander Helleman, Ebon Strandin, Johannes Meyer, Nalle Halden, Tenna Kraft, Viggo Wiehe, Emma Wiehe, Jeanne Tramcourt, Hugo Bruun, Elith Pio, Emil Helsengreen, Viggo Lindstrøm. Productora: Nordisk Film. Duración: 107 minutos. 

Sinopsis argumental: Satanás es un ángel caído que quiere agradar a Dios. Pero el Señor lo condena a vivir entre los hombres para tentarlos permanentemente; cada vez que provoque la condenación de un alma, la propia condena de Satán se alargará un milenio. En cambio si llega a hallar a un alma capaz de resistir sus tretas, logrará un mérito a su favor...

Comentario: Dreyer afrontaba su tercer largometraje con la firme voluntad de indagar en las argucias de las que el maligno lleva valiéndose toda la vida para inmiscuirse en los asuntos humanos. Y lo hizo escogiendo cuatro momentos estelares de la historia: el prendimiento de Jesucristo, la Inquisición española en la Sevilla renacentista, el proceso a María Antonieta y, por último, la invasión bolchevique de Finlandia durante la guerra civil de 1918.

Hace 100 años: Prästänkan

El 4 de octubre de 2020 se estrenó la película sueca Prästänkan, dirigida por Carl Theodor Dreyer e interpretada por Hildur Carlberg, Einar Röd, Greta Almroth, Olav Aukrust, Emil Helsengreen, William Ivarson, Mathilde Nielsen, Lorentz Thyholt, Kurt Welin. Productora: A Svensk Filmindustri Production. Duración: 94 minutos.

Sinopsis argumental: Un joven es elegido por un pequeño pueblo como párroco. Como parte de sus deberes, debe casarse con la viuda del párroco antes que él. Esto plantea dos problemas: primero, la viuda tiene edad suficiente para ser su abuela y, segundo, ya está comprometido con otra mujer.

Comentario: En 2003, Film Preservation Associates, Inc. registró los derechos de autor de una versión con una partitura de piano compilada e interpretada por Neal Kurz de las obras de Edvard Grieg . Fue producido para video por David Shepard y dura 71 minutos.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (VII)

La pasión de Juana de Arco (La Passion de Jeanne d'Arc, 1928), de Carl Theodor Dreyer

Inolvidable obra maestra en la que destaca el impecable trabajo de la actriz de teatro Renée Falconetti, del decorador Herman Warm y del director de fotografía Rudolph Maté.

Narra el procesamiento de la heroína francesa Juana de Arco ante la Inquisición. Se basa en la documentación auténtica del juicio de Juana de Arco.

Es ampliamente considerada como un hito del cine, sobre todo por su producción, la dirección de Dreyer y la actuación de Falconetti, que ha sido descrita como una de las mejores de la historia del cine. La película resume el tiempo en el que Juana de Arco estuvo cautiva de los ingleses, representando su enjuiciamiento y ejecución.

La película se rodó en un enorme estudio de cemento modelado sobre arquitectura medieval para representar de forma realista la prisión de Ruan. La película es conocida por su cinematografía y el uso de primeros planos. Dreyer no permitió a los actores llevar maquillaje y usó diseños de iluminación que hicieron a los actores parecer más grotescos.

En 1981 una copia del corte final de Dreyer se descubrió finalmente en una institución mental en Oslo, Noruega y reestrenada.

Hace 100 años: Præsidenten

El 1 de febrero de 2019 se estrenó la película danesa Præsidenten, dirigida por Carl Theodor Dreyer e interpretada por Carl Meyer, Elith Pio, Halvard Hof, Jacoba Jessen, Axel Madsen, Richard Christensen, Olga Raphael Linden, Betty Kirkeby, Hallander Hellemann, Fanny Petersen. Productora: Nordisk Film. Duración: 75 minutos.

Sinopsis argumental: Cuenta una historia de mujeres seducidas y abandonadas durante cuatro generaciones. Sigue tres períodos en la vida de Karl Victor von Sendlingen, un aristócrata danés que vive en una pequeña ciudad a finales del siglo XX. La narración cronológica es interrumpida por flashbacks que recuerdan eventos pasados. Comienza el último día en la vida del padre de Karl Victor, Franz Victor von Sendlingen. Franz Victor lleva a su hijo a las ruinas del antiguo castillo familiar, donde confiesa que de joven había embarazado a la hija del portero y que su padre, Rigsherre von Sendlingen, lo obligó a casarse con ella. Antes de morir, le pide a Karl Victor que jure por el escudo de armas de la familia que nunca se casará con una plebeya, "ya que nada bueno viene de una alianza así". Treinta años después, Karl Victor, ahora presidente del tribunal de su ciudad natal, regresa a casa después de una larga ausencia. En la estación lo recibe el vicepresidente Werner, quien lo reemplazó durante su ausencia. Cuando se le da la lista de casos pendientes, ve que reconoce el nombre de Victorine Lippert, acusada de infanticidio. Cuando su abogado, Georg Berger, quien es su mejor amigo, viene a discutir su caso, él le dice que ella es su hija. Cuando era joven, tuvo una aventura con su madre, Hermine Lippert, la institutriz de los hijos de su tío. Cuando le había dicho a su tío que quería casarse con ella, le había recordado el juramento hecho a su padre de no casarse con un plebeyo. Él había mantenido su juramento incluso después de enterarse de que ella había dado a luz a una niña. Karl Victor se niega a presidir el tribunal cuando se escucha su caso, para mantener intacto su honor como juez. Durante el juicio, Berger pide clemencia debido a las circunstancias del caso. Huérfana a los 17 años, Victorine cuando trabajaba como institutriz para una mujer sin corazón cuyo hijo la sedujo. Cuando supo que estaba embarazada, le escribió una carta a su madre pidiéndole que se ocupara de la situación de la mejor manera posible. La señora echó a Victorine de su castillo en medio de la noche y la encontraron a la mañana siguiente, inconsciente y con su bebé muerto a su lado. Sin embargo, Victorine es condenada a muerte por el tribunal presidido por Werner. Karl Victor va a verla a su celda con Berger. Ella acepta verlo porque su madre le había pedido que le dijera a su padre, si alguna vez iba a verlo, que lo había perdonado. Karl Victor presenta una petición de clemencia. Unas semanas más tarde, se entera de que la solicitud es rechazada y que es promovido a otra ciudad. Organiza, junto con sus sirvientes Franz y Birgitta, la huida de Victorine durante el banquete ofrecida para agradecerle su ejercicio ejemplar como presidente del tribunal de la ciudad. Antes de abandonar la ciudad para escapar a un país vecino, escribe una carta en la que presenta su renuncia por motivos de salud. 

Tres años más tarde, en un viaje en barco al extranjero, Berger conoce a Weyden, un propietario de una plantación de Java. Cuando el barco se detiene en el destino de Weyden, Berger reconoce en el muelle a Victorine y su padre que han venido a darle la bienvenida. Le pide a Franz, que ha subido a bordo para llevar el equipaje de Weyden, a decirle a Karl Victor que siempre lo recordará con amor y respeto. El domingo siguiente, Victorine y Weyden se casaron en la iglesia del pueblo. Al día siguiente, Karl Victor vuelve a su casa y le confiesa a Werner, ahora presidente del tribunal, que había organizado la fuga de Victorine. Werner se niega a castigarlo, ya que la revelación de su crimen socavaría la confianza en el poder judicial. Cuando Karl Victor amenaza con hacer una confesión pública, Werner le dice que si lo hace, encontrará a su hija para que ejecuten su sentencia. Durante la noche siguiente, después de escribir su testamento, Karl Victor se dirige a las ruinas del antiguo castillo familiar para suicidarse.

Comentario: Es el primer largometraje dirigido por Dreyer y es una adaptación de la novela Der Präsident de 1884 de Karl Emil Franzos.

Noticias de libro: Jesús de Nazaret

Jesús de Nazaret

Un guión cinematográfico

Carl Theodor Dreyer

Traducción de Javier Rodríguez Panizo

Editorial Sígueme

Salamanca

2009

256 págs. 

Carl Theodor Dreyer (1889-1968) murió sin ver realizados dos de sus sueños: trabajar en Hollywood y dirigir una película sobre Jesús de Nazaret. De hecho, a finales de los años cuarenta viajó a Estados Unidos en busca de financiación para su proyecto y, aunque no tuvo éxito, allí redactó en inglés el guión de esta obra.

El genial cineasta danés, autor de películas como La pasión de Juana de Arco, Dies irae, Ordet o Gertrud, introduce en sus guiones explicaciones históricas, juicios sobre los personajes y anotaciones que recrean la atmósfera de las escenas. De esta forma, en Jesús de Nazaret el lector puede reconstruir en su imaginación el universo visual dreyeriano.

Cierran el presente volumen tres breves ensayos en los que Dreyer presenta su propia visión de la muerte del Profeta de Galilea, sus intereses en la preparación de esta película y sus lecturas sobre el contexto histórico, amén de otros aspectos sobre su concepción del arte en general y del cine en particular.

Efemérides de cine: Gertrud

El 1 de enero de 1965 se estrenó la película danesa Gertrud, dirigida por Carl Theodor Dreyer. Protagonizada por Nina Pens Rode, Bendt Rothe, Ebbe Rode, Baard Owe, Axel Strøbye, Karl Gustav Ahlefeldt, Vera Gebuhr, Lars Knutzon, Anna Malberg, Edouard Mielche. Productora: Palladium Film. Duración: 119 minutos.

Sinopsis argumental: Cuenta la historia de una mujer que vive con la obsesión de encontrar el amor pleno. Gertrud, que llegó a ser una famosa cantante, se decide a abandonar a su marido e irse con su amante. Al día siguiente descubre que éste le ha traicionado y eso impide que le pueda entregar un amor absoluto, por lo que la ex cantante abandona a los dos y comienza una vida en solitario reflexionando sobre cómo el compromiso del amor es una simple convención que no va más allá del intentar establecer un límite que, a menudo, no significa nada. En un ambiente burgués en el que predominan las relaciones frías y las convenciones sociales, Gertrud es la nota discordante, casi obscena, cuyas ansias de amor y verdad suponen una rebelión en un mundo en el que no hay lugar para los sentimientos.
Nominaciones y premios: Premios Bodil: mejor película. Festival de Cine de Venecia: Premio FIPRESCI. National Board of Review: Considerada una de las diez mejores películas del año.

Comentario: Considerada por muchos la obra maestra del danés Carl Theodor Dreyer, Gertrud se puede entender como el resumen del arte del cineasta. Inspirada en una obra de principios del XIX escrita por Hjalmar Söderberg. Se ha conmemorado el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Dies irae

El 13 de noviembre de 1943 se estrenó la película danesa Dies irae (Vredens dag), dirigida por Carl Theodor Dreyer. Protagonizada por Thorkild Roose, Lisbeth Movin, Sigrid Neiiendam, Preben Lerdorff Rye, Anna Svierkier, Albert Hoeberg. Productora: Palladium Productions.

Sinopsis argumental: Marta de Herlof es acusada de brujería y condenada a la hoguera. Acude en busca de ayuda a casa del pastor de la Iglesia, Absalon, para que la salve de la misma manera que salvó a la madre de su joven y actual esposa Anna. Este se niega y Marta le amenaza con denunciar el hecho pues, según la ley, la hija de una bruja también debe morir en la hoguera.

Nominaciones y premios: National Board of Review: Mejores 10 películas del año.

Comentario:Después de trece años sin dirigir ningún largometraje, Carl Theodor Dreyer llevó a la pantalla la obra teatral Anne Pedersdotter, del autor noruego Hans Wier-Jenssen. La obra se inspiraba en personajes y acontecimientos reales que tuvieron lugar en una pequeña parroquia danesa a finales del siglo XVI. La película fue estrenada en Copenhague el 13 de noviembre de 1943, en el momento más oscuro de la ocupación alemana de Dinamarca. La película estuvo pocos días en cartelera. En estos momentos de crisis y convulsiones, la afluencia de público a las salas cinematográficas era altísima: la gente quería divertirse y olvidar. A pesar de ello, Dreyer se encontraba plenamente satisfecho con su trabajo y con el resultado final: su coherencia artística y su honestidad personal estaban, nuevamente, por encima de todo

Efemérides de cine: La pasíón de Juana de Arco

El 25 de octubre de 1928 se estrenó la película francesa La pasión de Juana de Arco (La Passion de Jeanne d'Arc), del director y guionista danés Carl Theodor Dreyer. Protagonizada por Maria Falconetti, Eugene Silvain, André Berley, Maurice Schutz, Antonin Artaud, Michel Simon, Jean d'Yd, Louis Ravet, Armand Lurville, Jacques Arnna, Alexandre Mihalesco, Léon Larive. Productora: Societé generale de films. Distribuidora: Gaumont.

Sinopsis argumental: Guerra de los Cien Años (siglos XIV y XV). En 1431, Juana de Arco, después de haber conducido a las tropas francesas a la victoria, es arrestada y acusada de brujería. Ella declara haber recibido de Dios la misión de salvar a Francia, pero es procesada y condenada a morir en la hoguera. 

Comentario: Es ampliamente considerada como un hito del cine, sobre todo por su producción, la dirección de Dreyer y la actuación de Falconetti, que ha sido descrita como una de las mejores de la historia del cine.

Sensacional narración basada principalmente en la fuerza visual de los consecutivos primerísimos planos que sirven para acentuar la capacidad dramática de los actores casi por completo revelada en sus rasgos faciales, con especial mención para una inolvidable Renée Falconetti, en cuya mirada, marcada por unos expresivos ojos, vamos desarrollando una fascinación sensitiva inigualable que solo puede ser apreciable en su esplendor en pantalla grande, espléndido uso del montaje y magistral utilización de la fotografía por parte de un operador que luego seguiría en Hollywood una carrera como director, Rudolph Maté.

La pasión de Juana de Arco representa el triunfo de la imagen sobre la palabra, que ciertamente es donde se sustenta el virtuosismo en el cine y se convierte en una de las más grandes obras maestras del mismo. La mística al servicio del arte.

Cuando se encontró una copia de la obra, largo tiempo perdida, se le asoció un acompañamiento musical de Johann Sebastian Bach, lo que a juicio de muchos es un error ya que el filme debía seguir siendo mudo. El elemento callado tiene un valor místico. Así lo han comprendido B. Amengual, Bazin y Ayfre; este último escribe: "ese silencio (de sonidos, de palabras, de música) nos hace presentir un silencio de distinta profundidad". Y termina diciendo sobre la técnica del filme y su alcance espiritual: "Juana sabe escuchar en el silencio de sus voces las voces del silencio que, antes de ser las del arte, son las de la fe".

Efemérides de cine: Vampyr, la bruja vampiro

El 6 de mayo de 1932 se estrenó la película alemana Vampyr, la bruja vampiro (Vampyr-Der Traum des Allan Grey), dirigida por Carl Theodor Dreyer. Protagonizada por Julian West, Sybille Schmitz, Henriette Gérard, Jan Hieronimko, Maurice Schutz, Rena Mandel. Productora: Coproducción Alemania-Francia. Tob Filmkunst. Distribución: Conti Film G.m.b.H., Berlín.

Sinopsis argumental: Un joven viajero, Allan Gray, se aloja en un extraño castillo, cuya atmósfera densa y enrarecida recuerda la de las pesadillas. El joven comienza a tener espeluznantes visiones, de las cuales la más terrible es el descubrimiento de una mujer inconsciente que ha sido atacada por un vampiro en forma de bruja. 

Comentario: Basada en la novela corta de de 1872, Camille, de Sheridan Le Fanu.

En esta película Dreyer nos introduce en un universo fantasmagórico por medio de imágenes expresionistas.

El maestro Dreyer rueda en Francia esta personal visión del terror: un mundo onírico y sugerente, lleno de fantasmas y sombras que cautivan más por la fuerza de las imágenes que por lo terrorífico del relato. A pesar de que actualmente es considerada una obra maestra del género, en su día fue un rotundo fracaso, por lo que el director danés tardaría doce años en volver a rodar su siguiente película, Dies Irae.

Muy poco apreciada en su momento y redescubierta por la crítica más adelante, esta extraña película resulta deslumbrante desde el punto de vista visual: Dreyer combina muy eficazmente el gusto por la sombras y los contrastes tonales del expresionismo alemán con la iluminación vaporosa y onírica del impresionismo francés, e incluso con juegos ópticos y audacias con la cámara de corte más vanguardista. Si a ello le unimos cierto juego con lo simbólico muy sugerente, esta especie de reverso tenebroso de “La palabra” acaba resultando, pese a la no-interpretación de su protagonista y a una narración por momentos más dispersa que onírica, una experiencia intensa y atractiva. Destaca el terrible final del villano: no sólo porque el director se vería incluso obligado a acortarlo por la censura, sino porque habría de ser remedado en un muy conocido thriller de los años ochenta.

Efemérides de cine: Las páginas del libro de Satanás

El 24 de enero de 1921 se estrenó la película danesa Las páginas del libro de Satanás (Blade af Satan bog), dirigida por Carl Theodor Dreyer. Interpretada por Helge Nissen, Halvard Hoff, Jacob Texiere, Hallander Helleman, Ebon Strandin, Johannes Meyer, Nalle Halden, Tenna Kraft, Viggo Wiehe, Emma Wiehe, Jeanne Tramcourt, Hugo Bruun, Elith Pio, Emil Helsengreen, Viggo Lindstrøm.  Productora: Nordisk Film.

Sinopsis argumental: Satanás es un ángel caído que quiere agradar a Dios. Pero el Señor lo condena a vivir entre los hombres para tentarlos permanentemente; cada vez que provoque la condenación de un alma, la propia condena de Satán se alargará un milenio. En cambio si llega a hallar a un alma capaz de resistir sus tretas, logrará un mérito a su favor... 

Comentario:

La segunda película de Dreyer, con problemas financieros en la productora Nordisk, quería poner un contrapunto al grandioso poema cinematográfico de Griffith: Intolerancia. Dreyer configura cuatro historias con un realismo y una documentación que será su carta de presentación para sus siguientes películas. Si en Ordet hace grabar los jadeos de parto de Birgitte Federspiel, quien realmente estaba embarazada, para incorporarlos a la cinta, y en la Pasión de Juana de Arco hizo caminar de rodillas a la Falconetti para rodar el dolor se su cara, en ésta película y por el módico precio de dieciocho coronas hace grabar en directo sobre el brazo de unos de los cuidadores de María Antonieta, el tatuaje con las famosas frases del proceso revolucionario. Así se las gasta Dreyer.

Del primer episodio de la vida de Jesús, su gran pasión cinematográfica que no pudo realizar a pesar de tener el guión terminado, se destaca sobre todo el plano del sanedrín político, y el avance de los soldados romanos para detener al rebelde. El contraste entre la asamblea de los “Caifás”, donde los sabios gritan pidiendo condena y la reunión de los seguidores de Jesús, con el tañido de fondo del arpa cantando al amor, marca el ritmo de éste capítulo con primeros planos geniales del Judas. La imagen de la cena, solo superada por Buñuel en Viridiana, es un cuadro, del que tenemos referencia por ser colgado en la mayor parte de los comedores de las familias españolas del franquismo. Familias que no pudieron ver la película gracias a la censura impuesta por la Iglesia Católica debido sobre todo al capítulo dedicado a la Inquisición. La antipatía hacía el clero quedaría constatada en la terrible secuencia del interrogatorio del monje Argote a Isabel, y como el Gran Inquisidor, haciendo de perfecto cínico le susurra: “que me importa el cuerpo de la hereje si su alma se salva”.

Vista la película es inevitable que surja una lectura antirrevolucionaria y antipopular del episodio de la Revolución Francesa donde el mal se instala en el comisario político de la facción jacobina del terror. Si seguimos a Irene Castell el episodio francés se hallaría muy cerca de la historiografía contrarrevolucionaria:” penalidades de la familia real, tragedia de los inocentes, víctimas, los horrores de la barbarie popular”, pero nosotros decimos lo mismo que José Andrés Dulce y es que un artista, alguien que no juega con las cartas marcadas, nunca se dirige a los convencidos tratando de halagarlos con los argumentos que éstos desean escuchar. De Dreyer sabemos sobre todo que era un personaje aburrido y dedicado al cine por encima de todas las cosas. Recordemos que Dreyer comienza el episodio diciendo que la cabeza de Luis XVI rodó “sobre el altar de la libertad”.

El cuarto episodio, la rosa roja de Suomi, trascurre en el poblado de Hirola, durante la ocupación de Finlandia por tropas rusas, y está claro que a Dreyer no le gustan las ocupaciones sean o no revolucionarias .Se acordaba de la sufrida por los prusianos en sus propias carnes. Lástima que la música de fondo llegue a cansar en la edición que hemos visto.