Al nivel de los ojos, encantador elogio de la diferencia

Al nivel de los ojos (Auf Augenhöhe, 2016), dirigida por Joachim Dollhopf, Evi Goldbrunner e interpretada por Luis Vorbach, Jordan Prentice, Ella Frey, Anica Dobra, Mira Bartuschek, Sebastian Fräsdorf, Philipp Laude, Marco Licht. Productora: Tobis Film. Premios del Cine Alemán: Mejor film infantil; Festival de Valladolid - Seminci: Premio Seminci Joven

Michi tiene diez años de edad y desde que falleció su madre vive en una casa hogar, ya que nunca llegó a conocer a su padre. Un día encuentra una carta dirigida a un tal Tom entre las cosas que aún conserva de su madre. Y Michi está seguro: ¡Tom debe ser su padre! Muy emocionado y con alegría anticipada se pone en marcha para encontrar a un hombre fuerte y heroico –dado a que así es como siempre se imaginó a su padre. Cuál sería su sorpresa cuando finalmente lo tiene frente a frente: ¡Tom tiene enanismo! Esto trastorna por completo la imagen de la figura paterna ideal que Michi se había hecho. Tom a su vez también está en estado de shock, debido a esta paternidad inesperada. Cuando ambos por fin logran ponerse a un mismo nivel, un acontecimiento inesperado vuelve a desatar nuevamente el caos. Recomendada a partir de 6 años. 

Max von Sydow, faro del cine nórdico, ha perdido su última partida de ajedrez (II)

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6.- El rostro (Ansiktet, 1958). Estamos en Suecia, a mediados del siglo XIX. Un misterioso mago e hipnotizador llamado Emanuel Vogler viaja con su pequeña compañía teatral ambulante, formada por una anciana bruja, experta en pócimas de amor, y la esposa de Vogler, que ejerce como su ayudante vistiéndose de hombre. Cuando llegan a una pequeña población sueca, los poderes fácticos de la localidad querrán poner a prueba los presuntos poderes del mentalista y organizarán una demostración pública. Toda una reflexión sobre la ambigüedad entre el bien y el mal, mediante un planteamiento trascendente tan propio de su director. Después de los éxitos críticos de Fresas salvajes y El séptimo sello, el cineasta Ingmar Bergman vuelve a reflexionar sobre la condición humana, partiendo para ello de una historia escrita por él mismo, situada en la Suecia del siglo XIX. Pese a que El rostro no es una película tan celebrado como los mencionados, o como Persona, lo cierto es que tiene todas las características que hacen de la obra de este artista un acontecimiento imprescindible.

Max von Sydow, Åke Fridell, Ingrid Thulin y Naima Wifstrand en El rostro (1958)

7.- El manantial de la doncella (Jungfrukällan, 1960). Con la Suecia medieval como escenario es un cuento de venganza de una familia tras el asesinato de su hija.4​ La historia está basada en una balada sueca del siglo XIII adaptada a la pantalla por Ulla Isaksson. Esta obra ganó el Oscar a mejor película en lengua extranjera y muchos otros premios internacionales6​ entre los que destaca el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa o una mención especial en el Festival de Cannes de 1960 La película debe su belleza a la forma puramente descriptiva de relatar los hechos, y esta belleza reside en el esplendor de las imágenes, ayudadas por la transmisión del clima y moralidad de la remota época a la que se refiere.

Max von Sydow y Birgitta Valberg en El manantial de la doncella (1960)

8.- Como en un espejo (Såsom i en spegel, 1961). Trata de la historia de una joven esquizofrénica, que pasa el tiempo con su familia en una isla remota, y que tiene alucinaciones sobre Dios, quien se le aparece en forma de una araña monstruosa. Estructurada como una obra teatral en tres actos, inspirados por experiencias y relaciones personales del realizador.​ Su título está inspirado por un fragmento de una carta de San Pablo a los Corintios. En la filmografía del director le siguieron dos películas relacionadas temáticamente: Los comulgantes y El silencio. La película obtuvo el Oscar a la mejor película extranjera​ en la edición de 1962. Ingmar Bergman también fue nominado en la categoría de mejor guion original, pero no obtuvo el premio.

Max von Sydow, Harriet Andersson y Gunnar Björnstrand en Como en un espejo (1961)

9.- Los comulgantes (Nattvardsgästerna) (1963). El realizador consideró esta película como una de sus favoritas además de una de sus obras más íntimas y autobiográficas.4​ En ella se trata con dureza los elementos personales de la vida y la visión del mundo del propio director. Según sus palabras "se dio cuenta de quién era en realidad" gracias al rodaje de esta película. Obtuvo la Espiga de Oro a la mejor película en la Seminci de Valladolid y en el National Board of Review: Top mejores películas extranjeras. Los comulgantes a menudo se considera la segunda película de una trilogía, denominada "El silencio o la ausencia de Dios", que aborda temáticas espirituales desde diversas perspectivas. La primera película es Como en un espejo (1961) y la tercera El silencio (1963). En una entrevista en Bergman declaró que estas tres películas no habían sido originalmente concebidas como una trilogía pero que solo las consideraba como tales en retrospectiva debido a su similitud.

Max von Sydow en Los comulgantes (1963)

10.- La hora del lobo (Vargtimmen) (1968). La historia explora la desaparición del pintor ficticio Johan Borg (von Sydow), que vivía en una isla con su esposa Alma (Ullmann) mientras estaba plagado de visiones aterradoras e insomnio. Bergman originalmente concibió gran parte de la historia como parte de un guión no producido, The Cannibals , que abandonó para hacer la película Persona de 1966 . Se inspiró en la ópera de Wolfgang Amadeus Mozart , La flauta mágica y la novela de ETA Hoffmann , The Golden Pot , así como en algunas de sus propias pesadillas. Los temas incluyen la locura, particularmente como la experimentada por un artista, la sexualidad y las relaciones, transmitida en un estilo surrealista y con elementos del folclore. Los analistas han encontrado alusiones a la leyenda de vampiros y hombres lobo . Los autores también han relacionado el trabajo con la vida de Bergman y su relación con Ullmann; Bergman dijo que estaba experimentando su propia "hora del lobo" cuando concibió la historia. La película se encontró inicialmente con críticas negativas en Suecia. En años posteriores, recibió críticas generalmente positivas y fue clasificada como una de las 50 mejores películas jamás realizadas en una encuesta de directores de 2012 por el British Film Institute. En el National Board of Review, Ullmann fue ganadora como mejor actriz por su actuación en La hora del lobo.​ En el National Society of Film Critics, Ullmann fue candidata para mejor actriz y Ingmar Bergman fue ganador como mejor director.

Max von Sydow en La hora del lobo (1968)

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Las uvas de la ira cumple 80 años

El 15 de marzo de 1940 se estrenó la película estadounidense Las uvas de la ira (The Grapes of Wrath); dirigida por John Ford e interpretada por Henry Fonda, Jane Darwell, John Carradine, Charley Grapewin, Dorris Bowdon, Russell Simpson, John Qualen, O. Z. Whitehead, Eddie Quillan, Zeffie Tilbury, Ward Bond. Productora: 20th Century Fox. Productor: Darryl F. Zanuck. Duración: 129 minutos. 

Sinopsis argumental: Es la historia de una familia de granjeros de Oklahoma, Tom (Henry Fonda) y Ma Joad (Jane Darwell), ubicada en la década de los 30 que tras el crack del 29 son expulsados de su tierra por la sequía del Dust Bowl y tienen que emigrar a California. Realizan un duro viaje en un Hudson "Super Six", pasando por diversas vicisitudes en lo que creían muy erróneamente que era el paraíso.

Henry Fonda y Jane Darwell en Las uvas de la ira (1940)

Nominaciones y premios: 2 Oscar: Mejor director, actriz secundaria (Jane Darwell). 7 nominaciones; National Board of Review: Mejor película; Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película y mejor director.

Henry Fonda, John Carradine y John Qualen en Las uvas de la ira (1940)

Comentario: Basada en la novela homónima, de John Steinbeck, que había obtenido por ella el premio Pulitzer. La película fue realizada en una época, los años 1940, en la que el cine estadounidense tendía a evitar las películas de realismo social. La película es más optimista que la obra literaria en la que se basa. En 1989, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

Henry Fonda, Jane Darwell y Dorris Bowdon en Las uvas de la ira (1940)

John Ford plasmó en la película los devastadores efectos de la Gran Depresión sobre una comunidad rural americana. La obra constituye uno de los títulos más emblemáticos de su autor y se ha convertido ya en un clásico de la historia del cine.

Hace 100 años: The Family Honor

El 15 de marzo de 1920 se estrenó la película El honor de la familia (The Family Honor), dirigida por King Vidor e interpretada por Florence Vidor,  Roscoe Karns,  Ben Alexander,  Charles Meredith,  George Nichols, J. P. Lockney,  Willis Marks,  Harold Goodwin. Productora: King W. Vidor Productions. Duración: 73 minutos. 

Sinopsis argumental: Los hermanos Tucker, descendientes de una de las familias señoriales de Pleasanton, están en la ruina. Margaret ha puesto todas sus esperanzas en Albert, sacrificándose para que curse estudios universitarios fuera. Sin embargo, cuando Albert vuelve a casa, resulta ser un vivales y opta por trabajar de croupier en el casino Felix, local que arrastra una pésima reputación en la pequeña ciudad. Paul Curran, hijo del alcalde, ama a Margaret, pero ésta no se considera digna de él debido a la mala vida que lleva su hermano.

Comentario: Una copia de la película esta en la Cinémathèque française.

Historia del cine español: Los nuevos caminos del siglo XXI (VIII)

Los abrazos rotos (2009). Dirección: Pedro Almodóvar. Interpretación: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Rubén Ochandiano, Tamar Novas, Ángela Molina, Chus Lampreave, Kiti Manver, Lola Dueñas, Mariola Fuentes, Carmen Machi, Kira Miró, Rossy de Palma, Alejo Sauras, Dani Martín, Carlos Leal, Asier Etxeandia. Guion: Pedro Almodóvar. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Rodrigo Prieto. Productora: El Deseo. Drama. Romance. Melodrama. Cine dentro del cine. Discapacidad. Discapacidad visual. Duración: 125 minutos.  Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro; Premios del cine europeo: Mejor banda sonora. 4 nominaciones; Premios Globo de Oro: Nominada a la mejor película de habla no inglesa; Premios BAFTA: Nominada a la mejor película de habla no inglesa; Premios Goya: Mejor música original. 5 nominaciones; Círculo de Críticos de Nueva York: Nominada a mejor película extranjera; Satellite Awards: Mejor película de habla no inglesa (ex aequo); Critics' Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa; Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor película extranjera. Cuando el escritor Mateo Blanco (Lluís Homar) viajaba con Lena (Penélope Cruz), la mujer de su vida, sufrió un accidente de coche que lo dejó ciego. Harry Caine es el pseudónimo con el que firma sus trabajos literarios. Como director de cine usa, en cambio, su nombre real. Harry Caine vive de los guiones que escribe gracias a la ayuda de Judit García (Portillo), su antigua y fiel directora de producción, y de Diego (Tamar Novas), el hijo de ésta, su secretario, mecanógrafo y lazarillo. La historia de Mateo, Lena, Judit y Ernesto Martel es una historia de "amour fou", dominada por la fatalidad, los celos, el abuso de poder, la traición y el complejo de culpa.

Los peores remakes de la historia del cine (I)

Los remakes tienen mala reputación en el mundo del cine, pero no siempre es merecida. A veces, los remakes realmente mejoran el material original: podemos comprobar como algunos remakes han sido recibidos positivamente. Es el caso de La mosca (The Fly, 1986)/La mosca (The Fly, 1958), La tienda los horrores (Little Shop of Horrors, 1986)/La tienda de los horrores (The Little Shop of Horrors, 1960) y algunas de las versiones de Ha nacido una estrella (A Star is Born). Hay casos en los que un director simplemente no hace justicia a una historia cuando la lleva a la pantalla grande y se necesita un nuevo reparto y equipo para pulirla.

Pero los remakes siempre presentan un cierto desafío: debe atraer a los fanáticos de la película original al tiempo que impresiona una nueva cosecha de críticos y atrae a aficionados que pueden no estar familiarizados con el original. Es un acto de equilibrio difícil, y es fácil estropearlo. Y cuando un remake fracasa, generalmente se puede esperar que los fanáticos y los críticos sean excepcionalmente duros: existe un sentimiento común de que una buena película o franquicia puede contaminarse con un remake de mala calidad. Aquí hay un resumen de algunos de los peores remakes de todos los tiempos, demostrando que a veces, intentar mejorar una película decente puede resultar algo más que un fracaso de taquilla.

Get Carter (Asesino implacable) (Get Carter, 2000), de Stephen T. Kay

En el thriller británico Asesino implacable (Get Carter) de 1971, el gángster londinense Jack Carter (Michael Caine) regresa a su ciudad natal después de la muerte de su hermano. Cuando sospecha que hay algo turbio en dicha muerte, decide investigar profundamente y descubrir quién fue realmente responsable. A medida que profundiza en el mundo del crimen organizado de la ciudad, las tensiones aumentan y se producen conflictos violentos. La nueva versión del 2000 de Get Carter (Asesino implacable), protagonizada por Sylvester Stallone, ciertamente no fue un hito brillante en la carrera de Stallone. Esta vez, la historia se estableció en Estados Unidos, con Carter, un asesino a sueldo que vive en Las Vegas y regresa a su hogar en Seattle después de la muerte de su hermano. Pero no fue necesariamente el cambio de localización lo que decepcionó a los críticos, aunque le dio a la película una perspectiva diferente, sino el hecho de que la trama parecía bastante evidente y artificial en comparación con el original, a pesar de que debería haber sido una película de suspense. "Carter, que va a Seattle a cazar al asesino de su hermano, puede haber entrado en un laberinto del mal", escribió Owen Gleiberman para Entertainment Weekly, "pero su respuesta a esto, la venganza desprovista de toda vulnerabilidad o matiz, es tan hueca como posible", y monolítica ".

Historia del cine español: Los nuevos caminos del siglo XXI (VII)

La soledad (2007). Dirección: Jaime Rosales. Interpretación: Sonia Almarcha, Petra Martínez, Miriam Correa, Nuria Mencía, María Bazán, José Luis Torrijo, Jesús Cracio, Lluís Villanueva, Juan Margallo, Luis Bermejo, Adrián García, Eic García, Carmen Gutiérrez, Pep Sais, Adrián Marín, Natalia Mateo. Guion: Jaime Rosales, Enric Rufas. Música: Varios. Fotografía: Óscar Durán. Productora: Fredesval Films/Wanda Visión/In Vitro Films. Drama. Drama social. Familia. Cine experimental. Duración: 133 minutos.  3 Premios Goya: mejor película, director y actor revelación (José Luis Torrijo). Premios Forqué: Nominada a mejor película; 2008: Göteborg Film Festival: Mejor debut internacional (International Debut Award). Cronica de la vida de dos mujeres. Adela (Sonia Almarcha) es una madre soltera que se traslada con su niño desde un pequeño pueblo a Madrid. Allí encuentra trabajo y entabla nuevas amistades, pero, de repente, sucede algo perturbador. Antonia (Petra Martínez) es la proprietaria de un pequeño supermercado de barrio, cuya sosegada vida se ve alterada por los problemas de sus hijas. En este drama, Rosales y Rufas diseccionan la vida paralela de dos mujeres y madres a través de sus problemas y superaciones. Esta idea se refleja incluso en los medios técnicos, ya que Jaime Rosales empleó la polivisión (herramienta que permite dividir la pantalla en dos mitades para mostrar puntos diferentes de la misma escena). El director apostó por un reparto no muy conocido para aportar mayor realismo a su historia.

Efemérides de cine: Cinco muñecas para la luna de agosto

El 14 de marzo de 2020 se estrenó la película Cinco muñecas para la luna de agosto (5 bambole per la luna d'agosto), dirigida por Mario Bava e interpretada por Teodoro Corrà, Ira von Fürstenberg, Maurice Poli, Edwige Fenech, William Berger, Howard Ross, Edith Meloni, Helena Ronee, Justine Gall, Mauro Bosco, Ely Galleani. Productora: Produzioni Atlas Consorziate (P.A.C.). Duración: 88 minutos. 

Sinopsis argumental: George Stark es un industrial adinerado que invita a cinco hombres de negocios a una isla de su propiedad situada en un lugar del Mediterráneo. La idea es pasar un fin de semana de relajación sin dejar de lado completamente los negocios. Allí les presenta al profesor Farrell, un químico brillante que aporta ideas geniales al grupo y que cree que ha caido bien. Sin embargo, al contrario de lo que cree Farrell, nadie se fía de su apariencia y todos intentan obtener información a sus espaldas. De repente, empiezan a aparecer invitados y residentes locales muertos. Nadie sabe lo que ocurre, pero Satark y Farrell tienen que descubrir la identidad del asesino.

Comentario: Una de las peores películas del brillante Mario Bava, autor de clásicos del terror italiano. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Corpus Christi o la sinceridad del estafador

En un pequeño pueblo de Polonia, un sacerdote enfermo es reemplazado temporalmente por un vehemente desconocido que inmediatamente despierta el fervor de los feligreses. ¿Demasiado piadoso para ser honesto?

Bartosz Bielenia en Corpus Christi (2019)

Es una película extraña. En Corpus Christi (Boże Ciało, 2019), de Jan Komasa (se estrenará en España el próximo 30 de abril de 2020), narra la historia de Daniel, de 20 años de edad, quien experimenta una transformación espiritual mientras vive en un Centro de Detención Juvenil. Quiere ser sacerdote, pero esto es imposible debido a sus antecedentes penales. Cuando es enviado a trabajar a un taller de carpintería en una pequeña localidad, a su llegada se hace pasar por sacerdote y se hace cargo accidentalmente de la parroquia local. La llegada del joven y carismático predicador es una oportunidad para que la comunidad local comience el proceso de sanación tras una tragedia ocurrida en esa pequeña población. Algo que parece lógico en un país extremadamente católico. Según el guionista, Mateusz Pacewicz, incluso es "un fenómeno social". Constantemente hay nuevos casos". "Lo fascinante", continúa, "es la ambivalencia que lleva a algunos por este camino. El dinero primero, así que seguridad. Pero también un sentimiento más difuso: la necesidad de ser reconocido."

Bartosz Bielenia y Eliza Rycembel en Corpus Christi (2019)

Daniel (Bartocz Bielenia, lleno de furia y pasión, una revelación) no es, por lo tanto, un impostor estadounidense: el brillante predicador interpretado por Burt Lancaster en El fuego y la palabra (Elmer Gantry, 1960) de Richard Brooks (1960). Mucho menos el atormentado y fanático predicador encarnado por Brad Dourif en Sangre sabia (El profeta del diablo) (Wise Blood, 1979) de John Huston, inspirado en la excelente novela homónima de Flannery O'Connor. Es sincero y, en cierto sentido, se aferra a un cargo que no tiene derecho a ejercer (su historial criminal lo impide). Él es, en cierto modo, un ángel en una encrucijada, entre una probable condena y una posible redención...

El personaje es fascinante. Al igual que la mirada que Jan Komasa y su guionista plantean. Lo presentan joven, guapo, ardiente. Y al que reemplaza viejo, feo y derrotado (alcohólico, por otra parte). La reacción lógica que provocan, similar a la que se impone en todas partes, enfrentarse a cualquier poder autocrático (¡la Iglesia es una, en Polonia!), Se llama liberación. ¡Deja marchar al indiferente! Dejar que los corruptos den paso a los puros ...

Bartosz Bielenia en Corpus Christi (2019)

¿Cuánto vale la ley cuando tienes fe?

En el fondo, la película aboga por otra tesis, claramente más ambigua: la sinceridad frente a la verdad. No importa que Daniel sea un impostor, ya que resulta ser bueno y leal. Su sinceridad solo lo salva a los ojos de su nuevo rebaño. El lo convierte en una especie de figura de Cristo. Una revelación de conciencia. Un líder de hombres y almas. Como es honesto, los autores parecen decirnos que su causa es noble. A partir de ahí para creerlo bueno, solo hay un paso, que nuestro tiempo cruza con demasiada frecuencia. La película se convierte en una reflexión sobre un mundo donde la fe puede suplantar la ley. Organizarlo. Modernizarlo Transcenderlo. Que el hábito haga al monje, siempre lo hemos sabido. Pero dejemos que el monje aproveche su hábito para imponer una moral y una filosofía problemática y asustadiza...

A Daniel, el idealista, repentinamente arrebatado sin razón, le costaría casi nada convertirse en el estafador de Elmer Gantry o el pervertido malvado del Maligno. Eso sí, de buena fe.

Efemérides de cine: Dos mulas y una mujer

El  13 de marzo de 1970 se estrenó la película estadounidense Dos mulas y una mujer (Two Mules for Sister Sara), dirigida por Don Siegel e interpretada por Clint Eastwood, Shirley MacLaine, Manolo Fábregas, Alberto Morin, David Povall, Armando Silvestre,  John Kelly,  Ada Carrasco,  José Ángel Espinosa 'Ferrusquilla', Pancho Córdova,  José Chávez,  Pedro Galván,  Enrique Lucero,  José Torvay. Productora: Coproducción Estados Unidos-México; Universal Pictures/Malpaso Productions/Sanen Productions. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: En un México en continua lucha entre los hombres de Juárez y los ocupantes franceses, un mercenario llamado Hogan salva a una monja, la hermana Sara, del ataque de tres malhechores. Entonces, Hogan acepta escoltarla a través del desierto ya que ella posee información sobre un fuerte francés que Hogan pretende atacar. Durante el viaje, se dará cuenta que de monja, Sara tiene muy poco.

Comentario: Wéstern cómico rodado en México, que se parece bastante a los espagueti wésterns popularizados por Sergio Leone, en gran parte porque su protagonista, Clint Eastwood, interpreta a un personaje de rasgos muy similares a los de las películas de Leone. En esta ocasión, el director fue Don Siegel, junto a Leone, uno de los hombres que Eastwood considera uno de sus maestros. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Las cosas de la vida

El 13 de marzo de 1970 se estrenó la película francesa Las cosas de la vida (Les choses de la vie), dirigida por Claude Sautet e interpretada por  Michel Piccoli, Romy Schneider, Lea Massari, Gérard Lartigau, Jean Bouise. Productora: Coproducción Francia-Italia-Suiza;  Duración: 85 minutos.

Sinopsis argumental: Un arquitecto casado, con un hijo y una amante, sufre un accidente automovilístico. Malherido y esperando la ambulancia, un sinfín de hechos de su vida acuden a su mente. Alrededor de él, el drama de su mujer, de su hijo y de su amante.
Comentario: Drama psicológico dirigido por Claude Sautet, uno de los grandes nombres del cine francés gracias a títulos como Buenos días, tristeza o Una historia simple, película por la que que fue galardonado con un Oscar en 1978. Sautet logró con Las cosas de la vida uno de sus mayores éxitos y una reputación sólida fuera de su país, marcando las pautas de lo que sería su cine en los años 1970. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Efemérides de cine: Los girasoles

El 13 de marzo de 1970 se estrenó la película italiana Los girasoles (I Girasoli), dirigida por Vittorio De Sica e interpretada por Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Savelyeva, Galina Andreyeva, Anna Carena,  Germano Longo,  Silvano Tranquilli,  Glauco Onorato,  Marisa Traversi. Productora: Coproducción Italia-Francia-Unión Soviética (URSS); AVCO Embassy Pictures/Mosfilm/Les Films Concordia/Compagnia Cinematografica Champion. Duración: 101 minutos. 

Sinopsis argumental: Giovanna se ha casado con Antonio doce días antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial, en 1939. Él no quiere ir al frente y simula estar loco, pero la farsa acaba siendo descubierta.

Nominaciones y premios: Nominada al Oscar: Mejor banda sonora original; Premios David di Donatello: Mejor actriz (Sophia Loren).

Comentario: Fue la primera película de una productora occidental que se rodó en la Unión Soviética. La película narra una historia de amor ambientada en tiempos de guerra. Esta fue la tercera de las películas dirigida por Vitorio De Sica que tiene como protagonistas a la pareja formada por Sofía Loren y Marcello Mastroianni. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Fortunata y Jacinta

El 12 de marzo de 1970 se estrenó la película española Fortunata y Jacinta, dirigida por Angelino Fons e interpretada por Emma Penella, Liana Orfei, Máximo Valverde, Bruno Corazzari, Julia Gutiérrez Caba, María Luisa Ponte, Terele Pávez, Rosanna Yann, Nélida Quiroga, Daniel Dicenta, Antonio Gades, Manuel Díaz González. Productora: Coproducción España-Italia; Emiliano Piedra/Mercury Produzzione. Duración: 108 minutos. 

Sinopsis argumental: Juan Santa Cruz, hijo único de una familia acomodada, se casa con su prima Jacinta por decisión de su madre. En una visita familiar conoce a Fortunata, mujer del que nacerá un niño que muere al poco tiempo. Juan se olvida de ella y continúa su vida con Jacinta. Fortunata se casa y al cabo del tiempo regresa convertida en una elegante mujer. Reanuda sus devaneos con Juan a espaldas de sus respectivos esposos. Entre nuevas moradas, nuevos amantes y viejos encuentros y desencuentros, transcurre el tiempo hasta que Fortunata da a luz a su segundo hijo.

Comentario: Se trata de la primera adaptación cinematográfica de la novela homónima del escritor Benito Pérez Galdós. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Romeo y Julieta

El 12 de marzo de 1920 se estrenó la película alemana Romeo y Julieta (Romeo und Julia im Schnee), dirigida por Ernst Lubitsch e interpretada por Lotte Neumann, Gustav V. Wangenheim, Jacob Tiedtke, Ernst Rückert, Josefine Dora. Productora: Ebner & Co./Maxim-Film GmbH. Duración: 45 minuthos. 

Sinopsis argumental: Los Montekugerl y los Capulethofer son llevados ante el juez para zanjar sus diferencias, y en vista de que éste no le da la razón a ninguna de las dos familias, ambas granjas comienzas una eterna rivalidad que se complicará cuando Julia, hija de los Capulethofer resulte enamorada de Romeo el hijo de los Montekugerl a quien está dispuesta a ver a toda costa, rompiendo su compromiso con Theobald.

Comentario: Variación cómica de la famosa obra de Shakespeare, que presenta a dos familias de granjeros enemistadas.

Películas de la semana: 13 de marzo

La canción de los nombres olvidados

Título original: The Song of Names. Dirección: François Girard. País: Canada. Año: 2019. Duración: 111 minutos. Género: Drama. Música. Interpretación: Clive Owen, Tim Roth, Saul Rubinek, Catherine McCormack, Jonah Hauer-King, Gerran Howell, Stephen Graham, Richard Bremmer, Julian Wadham, Jeffrey Caine, Yank Azman, Amy Sloan, Stanley Townsend, Jakub Kotynski, Magdalena Cielecka, Steven Hillman, Wayne Brett, Matt Devere, Misha Handley, Sharon Percy, Tamás Puskás. Guion: Jeffrey Caine (Novela: Norman Lebrecht). Música: Howard Shore. Fotografía: David Franco. Productora: Coproducción Canadá-Reino Unido-Alemania-Hungría; Serendipity Point Film/Lyla Films/Feel Films/Film House Germany/Proton Cinema. Distribuidora: Sony Pictures Classics. Premios y nominaciones: Festival de San Sebastián: Película de clausura. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: En pleno estallido de la Segunda Guerra Mundial, el pequeño Dovidl llega a Londres como refugiado judío desde su Polonia natal. Con solo 9 años es un prodigio del violín, lo que propicia su acogida en una destacada familia británica, que le integra como un hijo más y promociona sus estudios musicales. Dovidl se convierte en el mejor amigo de su nuevo “hermano” Martin. Años después, Dovidl está a punto de ofrecer su primer y esperado concierto, pero horas antes desaparece sin dejar rastro, provocando la vergüenza y la ruina de la familia, y dejando a Martin sumido en la tristeza y la incertidumbre. Convertido en profesor y experto musical, Martin (Tim Roth), ya adulto, descubre por casualidad a un joven violinista que le muestra una filigrana estilística que sólo Dovidl podría haberle enseñado. Martin comienza entonces una búsqueda que le llevará a recorrer medio mundo y a adentrarse en su propio interior para intentar dar respuesta a las preguntas silenciadas durante tantos años. 

Fahim

Dirección: Pierre-François Martin-Laval. País: Francia. Año: 2019. Duración: 107 minutos. Género: Drama. Comedia. Biográfico. Ajedrez. Inmigración. Interpretación: Gérard Depardieu, Isabelle Nanty, Pierre-François Martin-Laval, Didier Flamand, Pierre Gommé, Emmanuel Ménard, Ahmed Assad, Lola Zidi-Rénier, Mizanur Rahaman, Alfredo Lorenzo, Lila Guennas, Axel Keravec, Corinne Valancogne, Mylène Wagram, Fahim Mohammad. Guion: Pierre-François Martin-Laval. Música: Pascal Lengagne. Fotografía: Régis Blondeau. Productora: Waiting For Cinema/Wild Bunch/Alicéléo/France 3 Cinéma/CN8 Productions. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: Obligado a huir de su Bangladesh natal, el joven Fahim y su padre dejan al resto de la familia para ir a París. A su llegada, comienzan una verdadera carrera de obstáculos para obtener asilo político, con la amenaza de ser expulsados en cualquier momento. Gracias a su don para el ajedrez, Fahim conoce a Sylvain, uno de los mejores entrenadores de ajedrez de Francia. Entre desconfianza y afecto, se conocerán y se convertirán en amigos.

Todo pasa en Tel Aviv

Título original: Tel Aviv Boeret. Título internacional: Tel Aviv on Fire. Dirección: Sameh Zoabi. País: Luxemburgo. Año: 2018. Duración: 100 minutos. Género: Comedia. Comedia dramática. Conflicto árabe-israelí. Interpretación: Kais Nashif, Lubna Azabal, Yaniv Biton, Maisa Abd Elhadi, Nadim Sawalha, Salim Dau, Yousef 'Joe' Sweid, Amer Hlehel, Laëtitia Eïdo, Ashraf Farah, Ula Tabari. Guion: Dan Kleinman, Sameh Zoabi. Producción:  Amir Harel, Bernard Michaux, Miléna Poylo, Gilles Sacuto. Música: André Dziezuk. Fotografía: Laurent Brunet. Productora: Coproducción Luxemburgo-Bélgica-Israel-Francia; Samsa Film/TS Productions/Artemis Productions/Lama Films. Premios y nominaciones: Premios del Cine Europeo: Nominada a mejor comedia. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: Salam, un apuesto palestino de 30 años que vive en Jerusalén, trabaja en el set de la famosa telenovela palestina 'Tel Aviv on Fire', producida en Ramallah. Todos los días, para llegar a los estudios de televisión, Salam debe pasar por un estricto control israelí. Allí se encuentra con el comandante a cargo del puesto de control, Assi, cuya esposa es fanática de la telenovela. Para impresionarla, Assi se involucra en escribir la historia. Pronto, Salam se da cuenta de que las ideas de Assi podrían llevarle a un ascenso como guionista. Su carrera creativa empieza a despegar.

Y llovieron pájaros

Título original: Il pleuvait des oiseaux. Dirección: Louise Archambault. País: Canadá. Año: 2019. Duración: 124 minutos. Género: Drama. Vejez. Interpretación: Kenneth Welsh, Andrée Lachapelle, Gilbert Sicotte, Rémy Girard, Ève Landry, Éric Robidoux, Louise Portal. Guion: Louise Archambault (Novela: Jocelyne Saucier). Música: David Ratté, Andréa Bélanger. Fotografía: Mathieu Laverdière. Productora: Films Outsiders. Distribuidora: Avalon Films. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: Cada uno con sus respectivos motivos, esta es la historia de tres ancianos que han elegido retirarse del mundo e irse a vivir a los bosques de Canadá. Al principio tan sólo eran dos y su principal intención era no ser encontrados y poder vivir alejados de la sociedad donde nadie les busque y, sobre todo, nadie les encuentre. Estos hechos ocurren simultáneamente a que un gran incendio amenace la región, poco después de la catástrofe una joven fotógrafa llega a su escondite buscando a los supervivientes de esta situación, concretamente a un tal Boychuck, que es una leyenda en la zona. La joven no será la única en aparecer por allí, en la misma época una anciana es llevada por su sobrino para que viva allí, con ellos. Al principio, los dos ancianos que residían en la cabaña parecían reticentes a su llegada pero terminaron por aceptar, la mujer de más de 80 años aparece como una brisa ligera que alborotará sus vidas. Mientras intentan comprender la historia de Boychuck a través de sus pinturas, algo extraordinario surgirá entre todos ellos. Esta cinta dirigida por Louise Archambault está basada en una novela de Jocelyne Saucier con el mismo nombre. 

First Love

Título original: Hatsukoi. Dirección: Takashi Miike. País: Japón. Año: 2019. Duración: 108 minutos. Género: Thriller. Acción. Interpretación: Masataka Kubota, Shôta Sometani, Nao Omori, Jun Murakami. Guion: Masa Nakamura. Música: Kôji Endô. Fotografía: Nobuyasu Kita. Productora: Coproducción Japón-Reino Unido; Recorded Picture Company (RPC)/Oriental Light and Magic (OLM)/Toei. Distribuidora: Barton Films. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: Leo es un joven boxeador japonés que vive en Tokyo. Un día conocerá a Mónica, una joven prostituta de la cual se enamorará irremediablemente. Además, Mónica es adicta a las drogas, involucrando de esta forma a Leo en un complejo asunto de narcotráfico. Ambos acabarán siendo perseguidos por las nocturnas calles de la capital nipona por un policía corrupto, un yakuza (violento sicario del crimen y la mafia japonesa) y una asesina. Este peculiar trío se muestra capaz de todo, poniendo en grave peligro la vida y la integridad de Leo y Mónica, que tendrán que ingeniárselas para permanecer a salvo de los temibles criminales. 'First Love' es una divertida comedia romántica que explora la inocencia del amor y su capacidad para sobreponerse ante las mayores adversidades que la vida puede plantear, llevándolo al extremo con la trama de la drogadicción y la mafia. Una historia de amor juvenil entrelazada con los peligros del narcotráfico, el crimen y la prostitución. Dos mundos que por antagónicos acabarán uniéndose en una catarsis de chistes, momentos de absoluta tensión y, en definitiva, una hilarante y original aventura con constantes giros de guion de lo más inesperados. Una nueva intromisión en el mundo del cine del veterano director japonés Takashi Miike. 

Antología de un pueblo fantasma

Título original: Répertoire des villes disparues. Dirección: Denis Côté. País: Canadá. Año: 2019. Duración: 96 minutos. Género: Fantástico. Drama. Sobrenatural. Interpretación. Robert Naylor, Josée Deschênes, Rémi Goulet, Diane Lavallée, Hubert Proulx, Rachel Graton, Normand Carrière, Jocelyne Zucco, Jean-Michel Anctil, Larissa Corriveau. Guion: Denis Côté (Novela: Laurence Olivier). Fotografía: François Messier-Rheault. Premios y nominaciones: Festival Internacional de Cine de Berlín: Nominada a mejor película; Canadian Screen Awards: Nominada a mejor a actriz de reparto y guión adaptado; Golden Apricot Yerevan International Film Festival: Nominada a mejor dirección; Le Gala Quebec Cinema: Nominada a mejor fotografía; Festival Internacional de Cine de San Sebastián: Nominada al Premio Zabaltegi; Festival Internacional de Cine Fantástico de Neuchâtel: Nominada a mejor realización; Seattle International Film Festival: Nominada a mejor realización; Festival Internacional de Cine de Uruguay: Premio de la crítica y nominada a mejor película internacional. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: Simon Dubé muere en un accidente de coche que tiene lugar en un pequeño y remoto pueblo de Quebec de apenas 215 personas. Sorprendidos, los habitantes del pueblo procuran no hablar sobre las circunstancias de la tragedia. El suceso desgarra a la familia Dubé, y afecta psicológicamente al alcalde Smallwood, junto a otro grupo de aldeanos que no saben qué hacer para dejar atrás lo sucedido. Mientras la gente trata de digerir la desgracia, una serie de personas desconocidas comienzan a llegar al pueblo, a lo que poco más tarde le acompaña una espesa niebla. ¿Quiénes son? ¿Qué está sucediendo? 

Luciérnagas

Dirección: Bani Khoshnoudi. País: México. Año: 2018. Duración:88 minutos. Género: Drama.  Homosexualidad. Inmigración. Interpretación: Arash Marandi, Flor Eduarda Gurrola, Luis Alberti, Eligio Meléndez, Eduardo Mendizábal, Uriel Ledesma, Ishbel Bautista. Guion: Bani Khoshnoudi. Música: Sohrab Karimi. Fotografía: Benjamín Echazarreta. Productora: Coproducción México-Estados Unidos-Grecia-Rep. Dominicana; Zensky Cine/Pensée Sauvage Films/FOPROCINE/Haos Films/Aurora Dominicana. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: Ramin, un hombre gay, escapa de prisión y de la opresión en Irán a través de un barco desde Turquía hasta el puerto mexicano de Veracruz, lejos de todo y todos a los que conoce. Mientras intenta conseguir volver a Turquía trabajando como obrero para ahorrar lo suficiente para el viaje. Ramin debe aprender a vivir sin sus seres queridos. Comienza a descubrir una mayor libertad en el exilio. Se hace amigo de Guillermo, inmigrante como él pero llegado de Centroamérica que le anima a seguir viviendo su vida aunque eche de menos su casa y a su familia. Por otro lado, Leti la recepcionista del hostal donde se hospeda Ramin se enfrenta a la vuelta de alguien de su pasado que le hizo daño: Ernesto. 

Las letras de Jordi

Dirección: Maider Fernández Iriarte. País: España. Año: 2019. Duración: 70 minutos. Género: Documental. Enfermedad. Reparto: Documental. Guion: Maider Fernández Iriarte, Virginia García del Pino. Fotografía: Maider Fernández Iriarte, Carlos Muñoz Gómez-Quintero. Productora: Señor y Señora. Distribuidora: Márgenes Distribución. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: Jordi es el protagonista del documental. Es un hombre de 51 años con una parálisis cerebral de nacimiento. No es capaz de hablar, pero consigue expresarse a través de una tabla con letras de cartón. De esta forma, le cuenta a la directora de la película, Maider, cómo le habló Dios una vez hace 21 años. Y cómo no ha vuelto a hacerlo. En uno de los múltiples encuentros entre ambos, Jordi le pide a Maider que lo acompañe al Santuario de Nuestra Señora de Lourdes, en Francia, con la esperanza de volver a encontrarse con Dios. Jordi quiere aprovechar la oportunidad para poder charlar con alguien y tener una nueva curiosa amistad y Maider tiene la necesidad de comprobar lo que es vivir creyendo en lo intangible.

La familia Samouni

Título original: La strada dei Samouni. Dirección: Stefano Savona. País: Italia. Año: 2018. Duración: 128 minutos. Género: Documental. Drama. Animación. Familia. Reparto: Animación. Documental. Guion: Stefano Savona, Léa Mysius, Penelope Bortoluzzi. Música: Giulia Tagliavia. Fotografía: Animation, Stefano Savona. Productora: Coproducción Italia-Francia; Dugong Films/Pico Films/Alter Ego Production. Premios y nominaciones: Premios David di Donatello: Nominada a mejor documental. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: Samouni Road se encuentra a las afueras de la ciudad de Gaza. Toma su nombre de la extensa familia Samouni, una comunidad campesina milagrosamente a salvo tras sesenta años de ocupación y guerras hasta enero de 2009 cuando, durante la ofensiva terrestre de la operación israelí "Plomo Fundido", 29 de sus miembros perecieron en circunstancias dramáticas. La película mezcla material documental con animación, restaurando a través de imágenes la memoria de los protagonistas. A través de este diálogo entre memoria y presente, se dibuja un retrato de esta comunidad de campesinos antes, durante y después del acontecimiento que cambió sus vidas para siempre.

Klara y el ladrón de manzanas

Título original: KuToppen. Dirección: Lise I. Osvoll. País: Noruega. Año: 2018. Duración: 66 minutos. Género. Animación. Música. Enfermedad. Reparto: Animación. Guion: Anne Elvedal. Música: Gaute Storaas. Fotografía: Animación. Productora: Qvisten Animation. Distribuidora: Paycom Multimedia. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: La pequeña ternera Klara vive en la ciudad con su madre y sueña con convertirse en una gran estrella de la música. Un día, recibe una carta de su padre, el buey Mosk, una vieja estrella del rock jubilada al que no ve desde hace muchos años. En la carta se le comunica que ha sido invitada a la granja de este. De esta manera, la joven Klara viajará al campo para reunirse con él y ayudarlo a salvar la granja. Para ello, tendrá que enfrentarse a un extraño y misterioso caso. Resulta que algún bandido está robando las manzanas de la granja, por lo que Klara tendrá que investigar hasta descubrir quién es el ladrón. Si no lo consigue, su padre no podrá completar el último pedido que le han hecho y perderá para siempre su querida y bucólica granja por culpa de una malvada y avariciosa cerda que le pide cien tartas de manzana. Con la ayuda de su amiga, una cabra muy tímida y con problemas de vértigo, Klara se pondrá manos a la obra para descubrir al granuja y poder enfrentarse a él. A través de esta entrañable aventura, Klara descubrirá el valor de la amistad, así como que existen infinitas maneras de triunfar en la vida y tener éxito, algo que ella no podía ni imaginar.

Las vidas de Marona

Título original: L'extraordinaire voyage de Marona. Dirección: Anca Damian. País: Francia. Año: 2019. Duración: 92 minutos. Género. Animación. Drama. Perros. Reparto: Animación. Guion: Anghel Damian. Música: Pablo Pico. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Francia-Rumanía; Aparte Film/Minds Meet/Sacrebleu Productions. Distribuidora: Pack Màgic. Premios y nominaciones.  Premios del Cine Europeo: Nominado a mejor film de animación. Estreno en España: 13 de marzo de 2020. Sinopsis: Las vidas de Marona es la historia de una perrita y los distintos dueños y dueñas por los que ha pasado durante su vida. Es la novena cachorra de la misma camada. Fue separada de su madre y ha ido vagando por las calles y por distintos hogares. Su nombre era simplemente Nueve, pero cada amo le ponía un nombre distinto: Anna, Sara, Marona,... Con todos ellos ha sido inmensamente feliz. Los humanos son extraños para ella: ellos no disfrutan de la felicidad que tienen, siempre quieren más, siempre tienen sueños. Esta historia llega a España gracias a la distribuidora catalana Pack Màgic el 13 de marzo de 2020. Esta película de animación francesa está creada y dirigida por la galardonada animadora rumana Anca Damian.