Cuatro nuevas películas de la obra del japonés Kenji Misumi, maestro del cine de espadas

Kenji Misumi, un director de gran producción  (hasta seis películas al año), revolucionó el chambara, el cine japonés de samuráis. Cuatro de sus películas, para volver a ver.

"No hay técnica, solo hay una verdad: desenvainar, matar, envainar". La frase podría haber salido de una película de Sergio Leone. De hecho, es una frase clave de La espada del diablo, una de las películas más importantes de Kenji Misumi (1921-1975), quien, en la década de 1960, sometió a la chambara (la película japonesa de samuráis) a un tratamiento equivalente al que el cineasta italiano estaba sometiendo al mismo tiempo al western estadounidense: un fuerte gusto por la innovación, una relectura radical de los códigos narrativos y estéticos del género, una primacía de lo visual sobre el guion. Cuatro películas del prolífico director japonés (podía rodar hasta seis largometrajes al año) que recomendamos ver.

1. La historia de Zatoichi (Zatôichi monogatari, 1962)

Zatoichi, el masajista-espadachín ciego, es uno de los personajes más populares del cine japonés. Sus aventuras han sido el tema de veintisiete películas, seis de las cuales —las mejores— fueron dirigidas por Misumi, comenzando por el episodio inicial, rodado en blanco y negro. Las escenas de acción se reducen aquí, y las expectativas del espectador a menudo se ven frustradas, lo que conduce a un final bastante sangriento, como no podía ser de otra manera. Una película muy disfrutable, también recomendada por una magnífica secuencia de pesca que, inesperadamente, recuerda a la de Había un padre  (Chichi ariki, 1942) de Yasujirō Ozu.

2. Destiny's Son (Kiru, 1962)

Tras la ejecución de su madre por asesinato, Shingo es confiado a un samurái que le oculta sus orígenes y lo cría como a su propio hijo. Convertido él mismo en un formidable guerrero, el huérfano se verá envuelto en su pasado... Si solo hubiera que ver una película de esta retrospectiva, sería esta. Por sus increíbles elipses narrativos (Destiny's Son alcanza apenas setenta minutos, mientras que la riqueza de su trama podría haber merecido el doble). Y por su sucesión de impactos visuales: el sorprendente inicio, donde una persecución entre dos mujeres se convierte en una confrontación sexual; la ejecución de la asesina por su propio amante; Shingo abriendo frenéticamente las paredes corredizas de un palacio convertido en laberinto; y una increíble lucha a la luz de la luna donde, de un solo golpe de espada, un oponente es cortado en dos longitudinalmente.

3. La espada (Ken, 1964)

Esta es la película más elocuente... y la menos impresionante de las cuatro. Esta crónica de una rivalidad entre miembros de un club de kendo es una adaptación de una novela de Mishima, que rezuma las obsesiones del escritor nacionalista (aunque el propio director sea más crítico con el código de honor samurái): la idea de la juventud pura, la autorrealización a través de la actividad física hasta el dolor y el agotamiento, el conflicto entre la espiritualidad tradicional y el materialismo moderno, por no mencionar la fascinación por el cuerpo masculino. A las a veces torpes incursiones filosóficas de los personajes, preferimos la belleza del blanco y negro y la fuerza de las secuencias de combate con bastones, donde Misumi expresa la esencia de un arte marcial tradicional con los efectos del cine pop de los años 1960.

3. Sword Devil (Ken Ki, 1965)

Sin embargo, no hay diálogos innecesarios en esta historia de un jardinero que se convierte en un experto espadachín... y en un secuaz asesino. En Sword Devil, Musumi entusiasma con su uso del color, pero también con una curiosa mezcla de atmósfera fantástica, breves salidas burlescas y romanticismo oscuro. Un clásico emblemático de la chambara, el polo opuesto de las películas de capa y espada de Hollywood o Francia: aquí no hay largos duelos con espadachines, sino luchas salvajes donde el asalto, que rara vez dura más de dos segundos, importa menos que la anticipación y la tensión que lo preceden.

Las películas de Godzilla que se deben ver (I)

Si solo ha visto la premiada Godzilla Minus One (Gojira -1.0, 2023), aquí tiene otras películas de Godzilla mejor valoradas que no puedes perderse.

1. Godzilla. Japón bajo el terror del monstruo (Gojira, 1954), de Ishirô Honda

Las misteriosas destrucciones de barcos en el Pacífico provocan el pánico. Los nativos de una isla afirman que el culpable es una criatura legendaria, Godzilla, un lagarto mutante convertido en un gigantesco monstruo a causa de unas radiaciones atómicas. Godzilla se dispone a atacar las principales ciudades del Japón.

El mítico realizador japonés Ishirô Honda consiguió uno de los mayores éxitos del cine de su país con este filme, la primera aparición de Godzilla, todo un mito cinematográfico. En EE.UU. la película se distribuyó añadiendo nuevas escenas protagonizadas por Raymond Burr y manteniendo las escenas de destrucción originales. Esta cinta recoge el metraje original, tal como se distribuyó en Japón. Con esta cinta, Ishiro Honda creó todo un subgénero, el de los monstruos gigantes japoneses. El mismo Godzilla fue el protagonista de una gran cantidad de secuelas, remakes e imitaciones.

2. Godzilla contraataca (El rey de los monstruos) (Gojira no gyakushû, 1955), de Motoyoshi Oda

Godzilla, resucitada por arte de magia tras su muerte al final del primer título, se enfrenta esta vez a un nuevo monstruo, Anguilas, un extraño gigante cuadrúpedo acorazado, y tras destruir parcialmente la ciudad de Osaka, acaba enterrada en el hielo de una pequeña isla a causa de los bombardeos de los aviones del ejército japonés. 

El gran éxito de Godzilla, provocó esta primera secuela a la que seguirían no sólo muchas más, sino también imitaciones y, tiempo después, remakes. Los efectos especiales son espectaculares para los años 1950.

3. Godzilla (Godzilla, King of the Monsters!, 1956), de Ishirô Honda y Terry O. Morse

Unas pruebas nucleares en el mar resucitan a un antiguo monstruo de tiempos remotos. El monstruo, gigantesco y aparentemente indestructible, se dirige hacia la costa de Japón para sembrar el caos.

Ed Goldman vio en la película Godzilla en un cine asiático de Los Ángeles y la compró inmediatamente para volver a vender a Jewell Enterprises, pruductora y distribuidora de explotations. Era un buen momento para las monster movies, pero las referencias a la bomba atómica y que fuera una película 100% japonesa (los estadounidenses todavía recordaban Pearl Harbor), los hizo dudar. La película pierde todo el trasfondo social y crítico para convertirse en un mero entretenimiento; haciendo que la crítica destrozara la cinta pero que se convirtiera en un éxito de público. 

4. King Kong contra Godzilla (Kingu Kongu tai Gojira, 1963), de Ishirô Honda

Una expedición científica organizada por Mr. Tako, presidente de una firma de productos farmacéuticos, viaja a la isla Farou para recoger bayas rojas con fuertes poderes somníferos. En la isla los miembros de la expedición descubrirán un gorila de enormes dimensiones que acabarán llevándose a Tokyo. El gigantesco simio será utilizado después por las autoridades para detener a Godzilla, liberada después de la explosión del iceberg que la mantenía prisionera, con un apoteósica lucha final en el Monte Fuji.

Ya se rodó una película japonesa que cruzaba los destinos del monstruo gigante más famoso de Occidente con su homólogo nipón, King Kong contra Godzilla (1963), de Ishirô Honda y Tom Montgomery, famoso por tener dos versiones, una en la que ganaba el primero, para Estados Unidos y Europa, y otra en la que se imponía su rival, destinada al público oriental. Pese a que nadie puede resistirse a una propuesta semejante, toda una confrontación en la cumbre, y a acertados golpes de humor, el metraje se alargaba demasiado, con interminables puñetazos entre los dos actores que llevaban puestos los aparatosos trajes de las criaturas.

5. Godzilla contra Ghidorah, el dragón de tres cabezas (San daikaijû: Chikyû saidai no kessen, 1964), de Ishirô Honda

Tres monstruos (Mothra, Godzilla y Rodan) se alían para salvar al Japón (y al mundo entero, occidental y no occidental) de la destrucción a la que se ve amenazado por el terrible monstruo de tres cabezas Ghidorah. 

Tercera película de Mothra, segunda de Rodan y primera donde aparece King Ghidorah.

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Diez variaciones sobre “El jardín secreto” (I)

El jardín secreto (The Secret Garden) es una novela de Frances Hodgson Burnettpublicada por primera vez como libro en 1911, luego de ser serializada en la revista The American Magazine entre noviembre de 1910 y agosto de 1911.  Ambientada en Inglaterra, es una de las novelas más populares de Burnett y se considera un clásico de la literatura infantil inglesa. La narración sigue a una niña llamada Mary Lennox, quien, tras quedar huérfana, es enviada a vivir con su tío en una mansión aislada en Yorkshire, Inglaterra. La mansión tiene un jardín secreto que había sido cerrado y olvidado tras la muerte de la esposa del tío, pero Mary descubre este jardín y, junto con dos nuevos amigos, Dickon y Colin, comienza a restaurarlo. A través de este proceso, los personajes experimentan un crecimiento emocional y físico. La historia toca temas de la naturaleza, la sanación, el poder de la amistad y la importancia de la conexión humana. A medida que el jardín florece, también lo hacen los personajes, simbolizando la transformación interna y la renovación. Es una obra muy apreciada tanto por niños como por adultos, y se ha adaptado en numerosas ocasiones al cine, la televisión y el teatro. 

1. The Secret Garden (1919), de Gustav von Seyffertitz

Este mediometraje, con una duración de 50 minutos, fue la primera adaptación de la novela en blanco y negro y mudo. Con un guion escrio por la propia Frances Hodgson Burnett y Marion Fairfax. La película está protagonizada por Lila Lee, Spottiswoode Aitken, Clarence Geldart, Richard Rosson, Fay Holderness y Ann Malone. En la actualidad, se considera una película perdida. 

Lila Lee en The Secret Garden (1919)

2. El jardín secreto (The Secret Garden, 1949), de Fred M. Wilcox

La segunda adaptación de la novela de Frances Hodgson Burnett es aquí filmada en blanco y negro alternando las escenas del jardín en tecnicolor, siguiendo la estela de El mago de Oz (1939). Esta versión es la primera en llevarse a la pantalla, con Margaret O´Brien en el reparto. Conocida actriz infantil, ganó un Oscar a la edad de 7 años por su papel de "Tootie" en la película de Vincente Minnelli, Cita en St. Louis (1944). La película captura la esencia de la novela, destacando temas como la amistad, la curación emocional y el poder de la naturaleza. Aunque las adaptaciones más recientes han aportado nuevas interpretaciones visuales y narrativas, la versión de 1949 sigue siendo un clásico que ha dejado una huella en el cine familiar. Si tienes alguna pregunta específica sobre la película o su contenido, estaré encantado de ayudarte.

Dean Stockwell, Margaret O'Brien y Brian Roper en El jardín secreto (1949)

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Diez películas donde la impostura literaria es la protagonista (II)

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3. Imposture (2005), de Patrick Bouchitey

Serge Pommier es un crítico literario que se gana la vida enseñando literatura en la universidad. Aún no ha escrito el libro que todos están esperando. Un día una alumna le muestra el borrador de una historia que ha escrito, y Serge se da cuenta que ahí está la novela que soñó escribir algún día.

Manipulación y contramanipulación, a puerta cerrada, sobre los peligros de la creación.

4. El ladrón de palabras (The Words, 2012), de de Brian Klugman y Lee Sternthal

Un escritor de éxito lee su nueva novela ante una multitud de admiradores. Se trata de la historia de un escritor fracasado que tiene la fortuna de encontrar un manuscrito. Lo publica como suyo y obtiene un éxito espectacular que lo convierte en uno de los mejores escritores de su tiempo. El autor del manuscrito resulta ser un anciano que lo escribió durante su juventud, cuando estuvo destinado en París tras la Segunda Guerra Mundial (1939-1945), época en la que encontró al amor de su vida. 

Zoe Saldaña y Bradley Cooper en El ladrón de palabras (2012)

El mismo punto de partida, más o menos, para Bradley Cooper: una carrera estancada y, de repente, aparece una oscura obra maestra, robada de una tienda de segunda mano. Problema: esta vez, el autor “real” sigue vivo y el suspense se desvanece ante la melosa fábula existencial .

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Diez películas donde la impostura literaria es la protagonista (I)

En La biblioteca de los libros rechazados (Le Mystère Henri Pick, 2018), de Rémi Bezançon escenifica un engaño editorial. Una figura malditamente romántica a menudo encarnada en la pantalla. Prueba del diez.

Ojo, un novelista puede ocultar a otro. Por ejemplo, en La biblioteca de los libros rechazados ¿es realmente un modesto restaurador bretón el autor de una obra maestra póstuma única, encontrada por casualidad en el fondo de una biblioteca municipal? Robo de identidad, plagio y otras mentiras: desde historias reales hasta thrillers, el cine ha jugado a menudo con la impostura literaria. Las máscaras y la pluma, en diez películas.

1. Faux et usage de faux (1990), de Laurent Heynemann 

Huyendo de la fama, el escritor Anatole Hirsch decide publicar su nuevo libro bajo el nombre de su primo, Martin Bassane. Este libro gana el Premio Goncourt. Una película inspirada en la historia de Romain Gary.

Bernard Pivot, Caroline Sihol y Philippe Noiret en Faux et usage de faux (1990)

Aunque se hayan cambiado los nombres, esta película recorre la mistificación literaria más famosa: la que permitió a Romain Gary reinventarse bajo el seudónimo de Emile Ajar. Philippe Noiret asume aquí el papel del gran escritor y Robin Renucci el de su sobrino y candidato.

2. La ventana secreta (Secret Window, 2004), de David Koepp

Mort Rainey (Johnny Depp) es un escritor muy afamado que pasa por un momento de baja inspiración. Algunos acontecimientos desdichados como el divorcio de su esposa, que le ha sido infiel recientemente, han absorbido toda su creatividad y Mort Rainey decide aislarse en una casa a las afueras de la ciudad para escribir en solitario. Un día, aparece un desconocido que le acusa de haber plagiado uno de sus escritos y lo que empieza siendo un error capaz de subsanarse se convierte en una verdadera pesadilla. El desconocido resulta ser un psicópata que hace pasar verdaderos estragos a Rainey, incapaz de demostrar que, pese al parecido de ambos relatos, el suyo era original.

Johnny Depp y John Tuturro en La ventana secreta (2004)

De nuevo, un thriller psicológico basado en una novela de Stephen King, fuente inagotable de ideas para el cine, adaptado de Ventana secreta, jardín secreto, una de las cuatro novelas de del libro de Stephen King Las cuatro después de la medianoche en 1990. La riña de estos autores va mal, muy mal.

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Efemérides de cine: Hitler: los últimos diez días

El 20 de abril de 1973 se estrenó la película bbriánica Hitler: los diez últimos días (Hitler: The Last Ten Days), dirigida por Ennio De Concini e interpretada por Alec Guinness, Simon Ward, Adolfo Celi, Diane Cilento, Gabriele Ferzetti, Eric Porter, Doris Kunstmann, Joss Ackland, John Bennett, John Barron, Barbara Jefford. Productora: Coproducción Reino Unido-Italia; Tomorrow Entertainment, West Film. Duración: 108 minutos. 

Sinopsis argumental: Biografía sobre Hitler que narra los últimos diez días del Führer en el poder. La película comienza con el 56.º cumpleaños de Hitler el 20 de abril de 1945, y termina 10 días después, con su suicidio el 30 de abril.

Comentario: Se basa en los últimos días del libro de Hitler: un relato de un testigo, escrito por Gerhard Boldt, un sobreviviente de la Führerbunker. Lugar de filmación de la película incluye los estudios DiLaurentiis en Roma y algunas partes de Inglaterra: la introducción es presentada por Alistair Cooke. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Convocatoria: Festival de Cine

PLAZO ABIERTO (HASTA EL 15 DE OCTUBRE) PARA PARTICIPAR EN LA I EDICIÓN DEL BENQ CINEMATICOLOR SHORTFILM FESTIVAL

Kaamelott, la película

Después de la serie homónima, finalizada en 2009, y seis "libros" en diferentes formatos y un largo proceso de escritura y producción, una “primera parte” cinematográfica llega a nuestras pantallas el miércoles 21 de julio; se planean dos más para formar una trilogía. La oportunidad de volver a algunas nociones centrales de la serie, desde su relación con la lengua francesa a sus prestigiosos invitados pasando por la psicología de su héroe, más oscuro de lo que parece…

Refugiado en Roma, el Rey Arturo regresa al mundo real para formar parte del ejército de su viejo amigo Lancelot. Secuela de "Kaamelott", basado en la leyenda de Los Caballeros de la Mesa Redonda.

De Katryn Bigelow a Greta Gerwig, las 10 mujeres que sacuden Hollywood (IX)

Chloé Zhao nacida cómo Zhao Ting (Beijing, 31 de marzo de 1982) es una directora, productora y guionista china. Obtuvo un gran reconocimiento por su trabajo en la aclamada plícula Nomadland, por el cual recibió el premio a la mejor película y mejor dirección en la 93.ª entrega de los Premios Óscar, convirtiéndose en la segunda mujer en ganar dicho galardón tras la estadounidense Kathryn Bigelow. 

Ha dirigido:

- Songs My Brothers Taught Me (2015). Es el primer largometraje de Zhao y se desarrolló en los estudios del Instituto Sundance. Un drama de nativos americanos, ambientado en la reserva india de Pine Ridge en Dakota del Sur, la película indaga sobre el vínculo entre un hermano y su hermana menor de la tribu Lakota Sioux.

- The Rider (2017). Con espíritu de documental y apuntes ficcionales, The Rider dramatiza la historia real de Brady Jandreau, un joven que vio truncada su carrera como jinete de rodeo por culpa de una lesión cerebral.

- Nomadland (2020). Drama que adapta la novela de la periodista Jessica Bruder centrada en los "nuevos nómadas" que viajan de trabajo en trabajo en el Estados Unidos de la recesión económica. La ganadora del Oscar Frances McDormand se pone en la piel de Fern, una de estas nómadas que representa otro de los muchos lados oscuros del sueño americano.

Y, tiene en postproducción:

- Eternals (2021). La saga de los Eternos, una raza de seres inmortales que vivieron en la Tierra y dieron forma a su historia y civilizaciones (del Universo Cinematográfico de Marvel). 

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXLII)

Punto límite: cero (Vanishing Point, 1971), de Richard C. Sarafian

Kowalski (Barry Newman), que trabaja en un negocio de alquiler de vehículos, apuesta que es capaz de conducir de Colorado a San Francisco en menos de 15 horas. Por el camino se encontrará con personajes variopintos: unos intentarán competir con él; otros, directamente, impedir que lleve a cabo su hazaña. Una noticia real, una persecución automovilística espectacular que puso a la policía en jaque durante horas, fue la inspiración para Guillermo Cabrera Infante, que mezcló en su guion de forma única el cine de persecuciones y la crónica contracultural. Su antihéroe, Kowalski (Barry Newman), es un ex-policía que tiene que conducir, hasta arriba de anfetaminas, un coche desde Denver a San Francisco, con la policía pisándole los talones y convirtiéndose por el camino en símbolo antiautoritario. Richard C. Sarafian dirigió con brío único y una notable capacidad para la abstracción a altas velocidades una película que solo duró dos semanas en salas en su estreno en Estados Unidos. Su éxito en Europa le dio una segunda oportunidad como parte de un programa doble junto a The French Connection, y entre eso y su incansable presencia en la televisión por cable en los ochenta, convirtieron a la película en una pieza de culto, y a su coche, el icónico Dodge Challenger, en un símbolo que fue reverenciado por la película de culto por excelencia de Tarantino, Grindhouse (Death Proof, 2007).

Las mejores películas de culto de la historia del cine (CXLI)

Moon, los asesinos del amor (Sweet Savior, 1971), de Robert L. Roberts

Sandra Barlow es una chica de los años 1970 que busca diversión en forma de sexo y drogas. Un día, decide organizar una fiesta orgiástica e invitar a algunos "hippies" liderados por Moon para entretenerla a ella y a sus amigos ricos. Moon tiene otras cosas en mente puesto que sus amigos buscan una orgía de sexo y sangre. La película narra los asesinatos de Charles Manson, con Troy Donahue como líder de un culto hippie asesino llamado 'Moon'. También fue conocido como The Idiotic Couple y Frenetic Party, y finalmente fue lanzado en video por Troma Entertainment como The Love-Thrill Murders. El lema de la película fue: Seis estados los querían encarcelados. Ocho víctimas de la tortura los querían muertos. Todo lo que desearon fue una noche más... ¡De la orgía más brutal de la historia!

Cumplió 25 años: Freeway (Sin salida)

El 26 de enero de 1996 se estrenó la película estadounidense Freeway (Sin salida) (Freeway), dirigida por Matthew Bright e interpretada por Reese Witherspoon, Kiefer Sutherland, Brooke Shields, Dan Hedaya, Amanda Plummer, Wolfgang Bodison, Michael T. Weiss, Bokeem Woodbine, Tara Subkoff, Paul Perri, Ben Meyerson, G. Eric Miles, Robert Peters, Kathleen Marshall, Guillermo Díaz, Lorna Raver, Annette Helde, Alanna Ubach, Christine Mourad, Brittany Murphy, Susan Barnes, Conchata Ferrell, Julie Araskog, Manny Rodriguez, Sydney Lassick, David Andriole, Leanna Creel, Ria Pavia, Roberta Hanley, Louis Mustillo, Monica Lacy. Productora: August Entertainment/La Kushner-Locke Company/Muse Productions/Illusion Entertainment Group. Duración: 98 minutos. 

Sinopsis argumento: Vanessa es una adolescente que huye del sórdido hogar familiar, dirigiéndose a casa de su abuela donde espera encontrar la liberación. Durante el camino entabla amistad con un psicólogo infantil, que se gana su confianza y que intenta abusar de ella.

Nominaciones y premios: Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor actriz (Reese Witherspoon).

Comentario: Apadrinado por Oliver Stone (que ejerce de productor ejecutivo), el director y guionista Matthew Bright hizo su debut en el cine con este inquietante thriller. La película es una moderna y corrosiva versión del popular cuento de Caperuzita Roja, papel interpretado por la joven Reese Witherspoon; mientras que el lobo feroz toma la cara de Kiefer Sutherland. El casting lo completan Brooke Shields y Amanda Plummer. En conjunto, pues, un reparto de jóvenes, pero veteranos actores, que funcionan en la gran pantalla y que provocarían el cierto éxito del filme. Éxito que se traduciría con la secuela Trickbaby (Freeway II), dirigida también por Bright en 1999.

Las mejores películas de culto de la historia del cine (XCI)

El ángel exterminador (1962), de Luis Buñuel

Un grupo de burgueses de la Ciudad de México es invitado a una cena en la mansión de los Nóbile, después de asistir a la ópera. Mientras, los sirvientes y los cocineros sienten muchos deseos de abandonar la mansión y se marchan. Al terminar la cena, los invitados se dan cuenta de que no pueden salir de la habitación por una razón misteriosa totalmente desconocida, aunque aparentemente no hay nada que lo impida. A medida que van pasando los días, el alimento y la bebida empiezan a escasear, los anfitriones y los invitados enferman, la basura se acumula y duermen donde pueden. A partir de ese momento, la etiqueta, las buenas costumbres y la cordialidad poco a poco se acaban perdiendo y los burgueses se comportan como auténticos salvajes. Una de las obras más emblemáticas del cineasta Luis Buñuel, enmarcada dentro de uno de los periodos más nihilistas de su carrera. Es una feroz sátira de la burguesía que encarna muchas de las obsesiones del director: el surrealismo, el sexo, la muerte, la crueldad de la superioridad de la clase burguesa o la escatología (un armario que sirve de retrete). Tras rodar Viridiana, El ángel exterminador fue una de las pocas películas que el realizador filmó en México en su etapa francesa de los años 1960. El título se lo sugirió el escritor José Bergamín, en cuya obra Los náufragos está basada la película, pese a que en un principio Buñuel había pensado titularla Los náufragos de la calle Providencia.