Estrenos de cine para ver en casa (I)

¿Busca algo para ver en casa este fin de semana? Consulte nuestra lista de estrenos de cine que puedes ver en streaming, alquilar o comprar.

1. Mickey 17 (2025), de Bong Joon Ho

Mickey 17, un miembro de la tripulación prescindible enviado a un planeta helado para colonizarlo, se niega a dejar que su clon de reemplazo, Mickey 18, tome su lugar. Adaptación del libro original de Edward Ashton. Streaming en Max a partir del 23 de mayo de 2025.

2. Robot salvaje (The Wild Robot, 2024), de Chris Sanders

El épico viaje de un robot -la unidad 7134 de Roz,'Roz' para abreviar- que naufraga en una isla deshabitada y debe aprender a adaptarse al duro entorno, entablando gradualmente relaciones con los animales de la isla y convirtiéndose en madre adoptiva de un pequeño ganso huérfano. En Netflix, a partir del 24 de mayo de 2025.

3.  Looney Tunes: El día que la Tierra explotó (The Day the Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie, 2024), de Peter Browngardt

Porky y Lucas deberán salvar el mundo cuando descubran un plan alienígena secreto para controlar sus mentes. En Max, a partir del 27 de junio de 2025. 

4. The Legend of Ochi (2025), de Isaiah Saxon

En una aldea remota de la isla de Carpatia, Yuri, una tímida campesina, es criada con el miedo a una especie animal esquiva llamada ochi. Pero cuando Yuri descubre que han abandonado a un bebé ochi herido, emprende una misión para traerlo a casa.

5. Warfare: Tiempo de guerra (Warfare, 2025), de Alex Garland y Ray Mendoza

Basada en las experiencias reales del ex marine Ray Mendoza (codirector y coguionista de la película) durante la guerra de Irak. Introduce al espectador en la experiencia de un pelotón de Navy SEALs estadounidenses. Concretamente en una misión de vigilancia que se tuerce en territorio insurgente. Una historia visceral y a pie de campo sobre la guerra moderna y la hermandad, contada como nunca antes: en tiempo real y basada en los recuerdos de quienes la vivieron. Disponible para alquilar o comprar. 

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Festival de Cine de Cannes: clasificamos a las ganadoras de la Palma de Oro (III)

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15. Cuando pasan las cigüeñas (Letyat zhuravli, 1958), de Mijaíl Kalatozov

Género: El melodrama que surgió del frío

Lírico pero arraigado en la realidad, este vasto melodrama soviético ha envejecido mucho mejor que el sistema político que le dio origen. Un retrato de una mujer de asombrosa modernidad, en el centro de un fresco tan vasto y deslumbrante como la destreza visual de la película.

16. Viridiana (1961), de Luis Buñuel

Género: Nuevo Evangelio

Una monja novicia hereda de su lujurioso tío anciano. Una película feroz e irreverente, deliciosamente blasfema (¡ah, esa parodia de La última cena de Leonardo da Vinci !), en la que Buñuel retrata la pureza con ternura y admiración.

17. Barton Fink (1991), de Joel y Ethan Coen

Género: Delicia kafkiana

Un dramaturgo llega a Hollywood para escribir su primer guión. En su destartalada habitación de hotel, Barton no escribe nada, lo soporta todo, incluso hasta el punto de un sufrimiento insoportable. Un pequeño intelectual perdido en el absurdo: una cautivadora pesadilla sarcástica.

18. M.A.S.H. (M*A*S*H AKA MASH, 1970), de Robert Altman

Género: Comedia militar

Tres cirujanos causan revuelo en un campamento militar en Corea. Estrenada en plena guerra de Vietnam, este ataque infantil y antimilitarista de Robert Altman tuvo el efecto de una bomba. Hoy es menos iconoclasta, pero sigue siendo hilarante. Y las Palmas de Oro otorgadas a una comedia son tan raras...

19. La dolce vita (1960), de Federico Fellini

Género: Las locuras de Fellini

Cineasta visionario y moralista, Fellini hace de su héroe, Marcello, el testigo de una sociedad que ya no cree en nada y que intenta en vano satisfacerse en el sexo y el alcohol. Un fresco inolvidable, grandioso y trágico... que quizá pueda resultar demasiado largo.

20. La habitación del hijo (La stanza del figlio, 2001), de Nanni Moretti

Género: Tragedia greco-moretiana

Moretti explora lo indecible: el terremoto provocado por la muerte repentina de un niño, la onda expansiva que desintegra gradualmente a una familia unida. Un gran cineasta filma el duelo con magnífica modestia y precisión.

21. La cinta blanca (Das weisse Band, 2009), de Michael Haneke

Género: El origen del mal

En un pueblo alemán, justo antes de la Primera Guerra Mundial, extraños sucesos ocurren uno tras otro... Haneke estudia, una vez más, el mal en acción. Y el rigor moral que lleva al terrorismo... Brillante, cautivador. Y el blanco y negro es suntuoso.

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Romane Bohringer y Clémentine Autain en dúo en Cannes: «Yo tenía las imágenes y Clémentine las palabras»

La política y autora y la actriz y directora compartieron una infancia a la sombra de una madre ausente. Cuentan cómo juntas decidieron adaptar el libro Dites-lui que je l’aime al cine.

En 2019, Clémentine Autain publicó Dites-lui que je l’aime, en la que relata su infancia agitada y dañada junto a su madre, Dominique Laffin, actriz e ícono del cine de los años 1970. Desde las primeras palabras que pronunció al leer este libro, Romane Bohringer quedó “atónita”. "Todavía me da escalofríos", dice conmovida. Es algo que había enterrado completamente y es como si Clementine fuera mi voz y le pusiera palabras. No sabía que nuestras historias eran tan parecidas. Y puedo decir lo mismo de aproximadamente el 97% de los capítulos del libro. La actriz quiso adaptarla inmediatamente: "Tenía una idea de cómo filmarla, pero no sabía cómo expresarla. Me faltaban las palabras". Por lo tanto, ambas decidieron combinar sus historias personales y sus infancias en una misma película.

"Es una película que cuenta la historia de un viaje, de la ira al perdón", añade Clémentine Autain. También cuestiona mucho la memoria que creamos de nosotros mismos. Fuimos construidos en oposición a nuestras madres […]. «Luego, en algún momento, también tienes que mirar tus defectos y las heridas que llevas dentro», explica. «También es una señal de alarma", advierte Clémentine Autain. "Cuanto más sufrimiento dejas a las mujeres […], más hijos tienes que sufren las consecuencias".

El destino de sus madres es también la historia de miles de mujeres después de 1968: "Mujeres que quieren ser libres sin dejar de ser madres lo suficientemente buenas".

Dites-lui que je l’aime (2025) se presentó en una proyección especial el 19 de mayo de 2025 en el Festival de Cannes. El argumento trata de una cineasta se enfrenta a la adaptación de un libro sobre las relaciones entre madre e hija, que le trae recuerdos de sus propios traumas infantiles y de la madre que la abandonó cuando era un bebé.

"Un simple accident”, de Jafar Panahi, un thriller vertiginoso ambientado durante la dictadura de los ayatolás

Cerca de Teherán, un viaje rutinario en coche conduce a una espiral vertiginosa. Filmada clandestinamente, es una película animada y con un significado político esencial.

Todo comienza con un perro atropellado. Un "simple accidente" sin consecuencias graves (excepto para el perro), en los altos de Teherán, cuando una pequeña familia regresaba a casa. Un simple shock, y aún así todo sale mal. En primer lugar, el motor del coche, que falla y obliga al conductor a detenerse, junto con su esposa (embarazada) y su hijo, para pedir ayuda en el taller más cercano. Este automovilista traído por casualidad, Vahid, que trabaja en la reserva, no necesita verlo para creer que lo reconoce. Lo único que tiene que hacer es oírlo cojear. Pero ¿es éste realmente el siniestro Eghbal, conocido como "La Pierna" debido a su pierna protésica, el guardia de la prisión que una vez lo torturó, lo traumatizó y lo "mató mil veces"? Vahid tiene dudas. Incluso después de haberlo seguido febrilmente, secuestrado, arrastrado en su camioneta y casi enterrado vivo en un rincón desierto y árido, cerca de un árbol muerto que recordaba la siniestra horca del régimen. Comenzó entonces la búsqueda frenética de otros opositores, víctimas de la dictadura de los ayatolás, otros testigos capaces de identificar formalmente a su verdugo común. Es el comienzo de una vertiginosa cadena de encuentros y consecuencias, de rabias y solidaridades, de desaciertos, espasmos y desvíos, en busca de verdad y de reparación.

Filmada clandestinamente en Teherán (sin ninguna financiación iraní), bajo las narices de los censores, típico del cine "a bordo" de Jafar Pahani, que sabe como nadie, al menos desde Taxi Tehran (2015), capturar las tensiones de una sociedad en el entorno cerrado de un vehículo en movimiento, la película rueda a una velocidad vertiginosa por las carreteras de un país desgarrado. Diálogos de una precisión convulsiva, de dolor y de rabia arrancados de la materia prima de la realidad: a bordo de la furgoneta de Vahid, la variopinta y entrañable banda de secuestradores que ha ido reuniendo (una novia y su prometido, un fotógrafo, un tipo grande y furioso) no sólo se pregunta por la identidad de su rehén y el destino que le tienen reservado.

Al mando de este pequeño y bullicioso tribunal improvisado, también se ven obligados a medir su humanidad, sus deseos de venganza y de justicia, y todo lo que los diferencia de sus opresores. Un thriller apasionante, un formidable retrato coral, una proeza de dirección bajo presión, este "simple accidente" presentado en competición oficial en Cannes demuestra, una vez más, hasta qué punto Jafar Pahani es un cineasta político esencial. Perseguido durante muchos años, nunca había podido recibir en persona el homenaje del cine mundial (entre otros, el Premio al mejor guion por Tres Caras (Se rokh) en Cannes en 2018 y el Premio Especial del Jurado en Venecia en 2022 por Los osos no existen (Khers Nist) Este año, por primera vez en quince años, está finalmente presente en la Croisette para defender, una y otra vez, a ese otro Irán que no se rinde.

“La trama fenicia” en Cannes: el Wes Anderson que amamos ha vuelto, divertido e ingenioso (I)

El cineasta regresa con una epopeya digna de Tintín, la de Benicio Del Toro como un dandy rico que se reencuentra con su hija mientras intenta salvar el pellejo. Una producción encantadora, tribulaciones variadas y un mensaje profundo: un buen ejemplo de Wes Anderson.

Benicio del Toro, Mia Threapleton y Michael Cera en La trama fenicia (2025)

Las películas de Wes Anderson despiertan una singular impaciencia en quienes las aman: cuando las descubres, ya piensas en el placer de volver a verlas pronto. Presentada en competición en el Festival de Cannes el domingo 18 de mayo, diez días antes de su estreno en salas, La trama fenicia (The Phoenician Scheme, 2025), vuelve a hacernos arrepentir de haber tenido sólo dos ojos para devorar semejante mezcla de belleza e invención.

Benicio del Toro en La trama fenicia (2025)

Menos enrevesada y lineal que las dos últimas películas del cineasta estadounidense en Cannes, La crónica francesa (del Liberty, Kansas Evening Sun) (The French Dispatch (of the Liberty Kansas Evening Sun), 2021) y Asteroid City (2023), esta comedia de aventuras, con sus líneas muy claras, tiene el aire de "Tintín en el país de los capitalistas". Ambientada en 1950 en el reino independiente de Gran Fenicia, tan imaginario como Zubrowka en El gran Hotel Budapest (The Grand Budapest Hotel, 2014), la película ve a un rico hombre de negocios europeo, Anatole “Zsa Zsa” Korda (Benicio Del Toro, como un tiburón en el agua), buscando dinero para salvar un proyecto faraónico y, de paso, su pellejo.

 Mia Threapleton en La trama fenicia (2025)

En su viaje, el elegante hombre de negocios, vestido de traje, fumando un puro y a bordo de un avión privado, embarca a una chica que apenas conoce: la suya. Liesl (Mia Threapleton, que interpreta a su madre Kate Winslet) fue internada en un convento cuando era niña y estaba a punto de tomar sus votos. Acepta un trabajo como heredera en período de prueba en un esfuerzo por identificar al asesino de su madre. Naturalmente, sus sospechas recaen sobre su padre... Su reencuentro, de una humorística intensidad, una conversación "sencilla" alrededor de una mesa, da testimonio de la genialidad de la dirección: el plano-contraplano sorprende y deleita en cada toma, elevado a la categoría de arte lúdico; punto y aparte, elevado, además, como lo demuestra el repentino contrapicado que revela, posados ​​en el balcón del palacio renacentista, a una multitud de hijos a los que Zsa Zsa apenas tiene tiempo ni ganas de amar.

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"Sirat. Trance en el desierto", una experiencia espectacular en las montañas del sur de Marruecos

Un padre y un hijo buscan a su hija y hermana en fiestas rave de mala muerte al pie de las montañas, mientras la guerra amenaza. Una película impredecible, de la que emana una intensa energía física y mística. Y una necesidad de volarlo todo por los aires.

Un tipo que evoca la "escandalosa belleza del fuego" no puede ser malo. Estas son las palabras que Oliver Laxe utilizó para describir Lo que arde en 2019. El fuego, especialmente el fuego musical, sigue siendo un tema de discusión en Sirat. Trance en el desierto (Sirât, 2025), que nos dejó aturdidos, aturdidos e ingrávidos. Un padre (Sergi López) llega con su coche a una fiesta rave prohibida al pie de las montañas del sur de Marruecos. Está buscando a su hija joven adulta, Mar, quien está desaparecida desde hace varios meses y que solía frecuentar este tipo de fiestas salvajes. Él está con su hijo. Distribuyen una hoja de papel con la foto de Mar impresa a todas las personas que conocen. Nadie la ha visto.

Al enterarse de que se planea otra fiesta aún más al sur, hacia el desierto, el padre decide quedarse un tiempo. Los asistentes a la fiesta levantaron un muro de seguridad. No estamos en Ibiza. Es techno brutal, experimental y trashy (firmado por Kangding Ray). ¿Ravers? Vagabundos celestiales, destrozados, marginados con aspecto punk, víctimas de quemaduras, lisiados por la vida... uno lleva una prótesis improvisada, una muleta en lugar de pierna, lo que no le impide bailar como un loco...

Estamos aquí al borde de un punto de inflexión. ¿El fin del mundo? En la radio escuchamos varias veces noticias alarmantes sobre la guerra en el país, quién sabe si no se difundirán. De ahí la absoluta necesidad de volarlo todo por los aires, de celebrar lo colectivo una última vez, de comulgar bailando hasta caer rendidos. El director franco-español da cuerpo y sustancia a la música, a sus ondas, a sus vibraciones. Lo conecta con la montaña, el desierto, buscando crear paisajes sonoros – en varias ocasiones vemos pies descalzos en contacto con la tierra arenosa extrayendo la energía que de ella emana. Fuerzas telúricas, danza, trance, misticismo: Sirat. Trance en el desierto busca unir lo físico y lo metafísico. Es una idea atrevida, a veces inestable, porque también es trivial. Su carácter ultrasensorial es tosco: no estamos ante un heredero de Antonioni o Sokourov, sino más bien del lado de Herzog . Porque entonces llega el momento en que padre e hijo huyen a toda prisa con un grupo de fiesteros, tras la intervención del ejército. Se adentrarán en el desierto y se enfrentarán a una gran violencia. Aventura extrema, viaje de sacrificio, caminar por un campo minado, en el sentido literal de la palabra. En términos de acción pura, la película es espectacular. Y sorprendentemente impredecible.

Según el Islam, "sirât" se refiere a un puente que conecta el infierno y el paraíso y que debe ser cruzado en el Día del Juicio. Laxe lo ve como "un camino interior que te empuja a morir antes de morir". Esto significa que su película nos lleva muy lejos, a las áridas profundidades de una experiencia extraordinaria. Dejando emerger hacia el final un magnífico ambiente cristalino, que provoca un movimiento inverso, haciéndonos literalmente despegar. No hacia la felicidad, aquí no existe. Digamos hacia una vida nueva, desconocida, sabiendo que acabamos de vivir una travesía que nos ha hecho diferentes.

“Fuori”, de Mario Martone, un sutil paseo por la vida y obra de Goliarda Sapienza

El cineasta italiano elige una bienvenida sobriedad para contar la historia de la supuestamente indomable autora de El arte de la alegría. Una película hermosa y melancólica que captura el alma de una escritora que es perpetuamente libre, incluso en prisión.

¿Debemos seguir presentando Goliarda Sapienza? Desde hace veinte años, esta autora italiana (1924-1996) se ha convertido en un monumento literario gracias a su obra maestra, El arte de la alegría, una novela sobre el autoconocimiento que tardó diez años en escribir pero que nunca logró publicar en vida. Maldita, ella fue. Desde entonces ha nacido un culto en torno a ella, un modelo si alguna vez hubo uno de mujer libre, libertaria e indomable. Al contrario de un biopic pomposo o hagiográfico, Fuori (2025) calma inmediatamente la situación en torno al "fenómeno" y se mantiene en esta posición humilde, sobria pero sin embargo sutil hasta el final. Se mantiene a cierta distancia de las cosas, exactamente igual que su heroína, una espectadora superior, receptiva, en permanente estado de escritura posible.

Mario Martone, director de Nostalgia (2022), quien ya había realizado una película sobre un poeta -Il giovane favoloso (Leopardi) (2014)-, eligió filmar a la escritora (interpretada por Valeria Golino) a finales de los años 1970 y principios de los años 1980. A menudo la vemos sola en su apartamento de Roma. Un período difícil de degradación, donde necesitaba dinero y buscaba en vano trabajo como limpiadora. Una temporada en prisión le costó su estatus social. Los flashbacks la muestran encarcelada en Rebibbia, donde está cumpliendo su condena por robo de joyas. Allí entabla relaciones sólidas con varias mujeres, entre ellas Roberta (Matilda De Angelis), veinte años más joven, a quien vuelve a ver después de salir de prisión. Entre ellas se desarrolla una amorosa amistad, hecha de encuentros improvisados ​​en cafés y paseos por Roma.

Un verano que parece eterno

Un espíritu de huida se cierne sobre toda la película. Con este tema de la libertad como hilo conductor, que recorre los libros de Goliarda Sapienza sobre su experiencia en prisión, publicados durante su vida. Donde describe un mundo aparte y defiende esta paradoja según la cual el cautiverio la ha vuelto a centrar en sí misma y la ha liberado de muchas cosas, permitiéndole mantener la solidaridad, escapar de la violencia del exterior. El exterior (el "Fuori") y el interior (el de la introspección) son los que emergen en la mayoría de las escenas. Los personajes pasan por lugares de paso (estación, vestíbulo, escalera), espacios vacíos, en el corazón de un verano que parece eterno. "El presente ya es un mito", reza un grafiti grabado en el frontón de un edificio, que Roberta señala a Goliarda.

La película es una deriva suave, casi pacífica, pero en la que flota una melancolía difusa. La soledad, la sensación de abandono y los pensamientos suicidas nunca están lejos. Qué placer este viaje interior (con Robert Wyatt a su servicio, en la banda sonora), que a veces recuerda al de Nanni Moretti en Vespa en Caro diario (Querido diario) (1993), Mario Martone ha recorrido toda la Roma moderna en busca de vestigios donde aún perdura el alma de la escritora. En esto se une a Angelo Pellegrino, el marido de Sapienza, el único hombre en la película, que aparece brevemente. El que luchó en las sombras para salvar su obra del olvido.

Festival de Cine de Cannes: clasificamos a las ganadoras de la Palma de Oro (II)

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8. El sabor de las cerezas (Ta'm e guilass, 1997), de Abbas Kiarostami

Género: A tumba abierta

En Teherán, un hombre deambula por las calles buscando ayuda para morir. Una delicada búsqueda que nos interroga sobre las pequeñas cosas que dan sabor a la vida. Una magnífica fábula filosófica, llena de moderación e insinuaciones.

Homayoun Ershadi en El sabor de las cerezas (1997)

9. El piano (The Piano, 1993), de Jane Campion

Género: El silencio de la madre

Jane Campion siempre ha sido una observadora apasionada de los inadaptados hambrientos de amor. Esta vez describió el despertar sensual, radical y brutal de una pianista muda en los fascinantes paisajes de Nueva Zelanda. Sigue siendo fascinante treinta años después.

Holly Hunter y Anna Paquin en El piano (1993)

10. Paris, Texas (1984), de Wim Wenders

Género: Inolvidable road-movie

Un acorde de guitarra de Ry Cooder... Un tipo con una gorra roja perdido en el desierto americano... Nastassja Kinski perdida en un sórdido peep show... Wenders exalta nuestros sentidos en este fascinante viaje, donde un hombre busca a su familia y termina encontrándose a sí mismo.

Nastassja Kinski en Paris, Texas (1984)

11. Elephant (2003), de Gus Van Sant

Género: Elegía por la adolescencia

Gus Van Sant se inspiró en la masacre de la escuela secundaria de Columbine, al igual que Michael Moore antes que él. Pero el director de Mi Idaho privado (My Own Private Idaho, 1991), deja de lado el debate social para continuar su estudio de una mitología de la adolescencia. Una lección cautivadora de cine.

12. Pulp Fiction (1994), de Quentin Tarantino 

Género: Comedia negra

La segunda película de Tarantino, que consagró definitivamente a su autor como leyenda. Personajes burlescos, diálogos desfasados, ritmo desestructurado (y Uma Thurman): el “toque Tarantino” en todo su esplendor.

John Travolta, Rosanna Arquette y Eric Stoltz en Pulp Fiction (1984)

13. La vida de Adèle (La vie d’Adèle: chapitres 1 et 2, 2013), d’Abdellatif Kechiche 

Género: Entre mujeres

Una crónica extraordinaria de un amor apasionado: el que une a Adèle, estudiante de instituto, luego profesora (Adèle Exarchopoulos), con Emma, ​​​​una aprendiz de pintora (Léa Seydoux). La duración y la precisión son las armas de Kechiche para que esta novela de transición a la edad adulta resulte abrumadora.

14. Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese

Género: ¿Es a mí a quién hablas?

Un veterano de Vietnam amargado y fascista deambula por las calles de la ciudad de Nueva York en su taxi. Almacena armas y tiene una obsesión: luchar contra el "vicio"... Scorsese compone un thriller ácido y fascinante. Con un De Niro enorme.

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Efemérides de cine: El regreso de la pantera rosa

El 25 de mayo de 1975 se estrenó la película británica El regreso de la pantera rosa (The Return of the Pink Panther), dirigida por Blake Edwards e interpretada por Peter Sellers, Christopher Plummer, Catherine Schell, Herbert Lom, Peter Arne, Peter Jeffrey, Grégoire Aslan, David Lodge, Eric Pohlmann, Graham Stark, Victor Spinetti, Burt Kwouk, André Maranne. Productora: United Artists. Duración: 113 minutos. 

Sinopsis argumental: Un valioso diamante conocido como la "Pantera Rosa" ha sido robado, y sólo hay una pista: un guante blanco, la inconfundible firma del mundialmente famoso ladrón apodado "El Fantasma" (Christopher Plummer). Aunque se creía que se había retirado, para el inspector Clouseau (Peter Sellers) es el primer sospechoso. Decidido a limpiar su nombre, "El Fantasma" se lanza a la búsqueda del verdadero ladrón y engaña a Clouseau con una serie de pistas falsas.

Nominaciones y premios: Globos de Oro: 3 nominaciones, incluyendo mejor película comedia/musical; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original comedia. 

Comentario: Once años después de la fantástica El nuevo caso del Inspector Clouseau, Blake Edwards volvió a ponerse tras la cámara para realizar esta tercera entrega de la saga de La Pantera Rosa y la única protagonizada por Peter Sellers en la que la MGM no tenía los derechos. La película fue premiada y aplaudida en todo el mundo, sobre todo por el impresionante y desternillante trabajo actoral de su indiscutible estrella, Peter Sellers. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Festival de Cine de Cannes: clasificamos a las ganadoras de la Palma de Oro (I)

Con motivo de la 78ª edición del Festival de Cannes, hemos revisado y clasificamos  las 77 Palmas de Oro otorgadas desde la creación del premio en 1955.

Aunque el Festival de Cine de Cannes existe desde 1946, la primera Palma de Oro, que premia a la mejor película en competición, se entregó en 1955; antes se llamaba «Gran Premio». Se han entregado otros setenta y seis grandes premios durante las 66 ediciones siguientes (el Festival se interrumpió en 1968 en solidaridad con las huelgas de mayo y no pudo celebrarse en 2020 debido a la pandemia de Covid). ¿Por qué tanta diferencia? Porque en nueve ocasiones el jurado otorgó dos ex aequo, en 1961, 1966, 1972, 1973, 1979, 1980, 1982, 1993 y 1997 (esto no volverá a ocurrir, el reglamento del Festival lo prohíbe desde hace varios años).

Descubra nuestra clasificación (necesariamente subjetiva) de las 77 películas ganadoras de la Palma de Oro, de la mejor a la peor.

1. El gatopardo (Il gattopardo, 1963), de Luchino Visconti

Género: Fresco mítico

1860, en Sicilia. Visconti pinta la decadencia de un mundo aristocrático con increíble refinamiento... y una lucidez política devastadora. Una obra maestra de esplendor duradero, con Alain Delon y Claudia Cardinale, de una belleza hipnótica, y Burt Lancaster, un cansada realeza felina.

Claudia Cardinale y Alan Delon en El gatopardo (1963)

2. Rosetta (1999), de Luc Dardene y Jean-Pierre Dardenne

Género: Doncella de hierro

Rosetta, una guerrera solitaria, se calza sus botas de siete leguas cada día para encontrar un trabajo y reparar su infancia arruinada. Una magnífica y conmovedora carrera de obstáculos, enriquecida por la puesta en escena cuerpo a cuerpo de los Dardenne.

Émilie Dequenne en Rosetta (1999)

3. Apocalypse Now (1979), de Francis Ford Coppola

Género: Película bélica

El viaje hacia el fin del infierno y de sí mismo de un oficial estadounidense encargado de asesinar a un coronel rebelde en la jungla vietnamita. Desde que obtuvo la Palma de Oro, la explosiva ópera de Coppola ha experimentado un "Redux" y un "Final Cut". Pero su poder de encantamiento permanece intacto.

4. Parásitos (Gisaengchung, 2019), de Bong Joon-ho

Género: Lucha de clases

Una película de autor audaz con un mensaje político y una dirección virtuosos. Y una gran película popular, que lleva al espectador a través de todas las emociones y géneros del cine (comedia, melodrama, suspenso, etc.). En resumen, la Palma de Oro ideal.

5. All That Jazz (Empieza el espectáculo) (All That Jazz, 179), de Bob Fosse

Género: Todos al escenario

Un brillante coreógrafo y director, Joe Gideon (Bob Fosse, claro está) se está muriendo y está revisando los acontecimientos de su vida... que no fue más que un espectáculo frenético, exaltado y sexual. Un retrato llamativo y morboso de un narcisista brillante y de unos Estados Unidos sobreexcitado. Impresionante de principio a fin.

6. Sueño de invierno (Winter Sleep) (Kis Uykusu (Sommeil d'hiver), 2014), de Nuri Bilge Ceylan

Género: Érase una vez en Anatolia

En Turquía, un ex actor convertido en propietario de un hotel se da cuenta de su egoísmo frente a su hermana y su esposa... Un fresco grandioso e íntimo, sublime en su ambigüedad, delicadeza y maestría visual.

7. Los paraguas de Cherburgo (Les parapluies de Cherbourg, 1964), de Jacques Demy

Género: Nunca podría vivir sin ti

Un tipo tiene que ir a la guerra en Argelia. Genevieve se muere de amor. Y se casa con otro. Una comedia musical encantadora, desgarradoramente hermosa. Con el tiempo todo desaparece, excepto los colores vivos y desgarradores de estos paraguas eternos.

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Tom Cruise: el actor en sus papeles más icónicos, desde joven protagonista hasta héroe inmortal (VI)

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25. Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás (Jack Reacher 2: Never Go Back, 2016), de Edward Zwick

La Mayor Susan Turner, líder de la antigua unidad militar de Reacher, es falsamente acusada de traición. Jack Reacher tendrá que sacarla de prisión y descubrir la verdad detrás de una conspiración gubernamental para limpiar sus nombres y salvar sus vidas. Durante el escape, Reacher descubrirá un secreto de su pasado que podría cambiar su vida para siempre.

Tom Cruise regresa en esta secuela de Jack Reacher (2012).

26. La momia (The Mummy, 2017), de Alex Kurtzman

A pesar de estar enterrada en una tumba en lo más profundo del desierto, una antigua princesa (Sofia Boutella) cuyo destino le fue arrebatado injustamente, se despierta en la época actual, trayendo consigo una maldición que ha crecido hasta límites insospechados con el paso de miles de años.

Tom Cruise participa, sin mucho éxito, en este reinicio de la franquicia The Mummy​ y la primera entrega del reinicio del Universo Cinematográfico de Monstruos de la Universal.

27. Barry Seal: El traficante (American Made, 2017), de Doug Liman

Basada en la vida real de Barry Seal, un piloto de la TWA reclutado por la CIA que se convirtió en un importante narcotraficante que movía droga para el cartel de Medellín de Jorge Ochoa y Pablo Escobar entre los Estados Unidos y Centroamérica, viéndose involucrado en importantes sucesos de los años 80 como el escándalo Irán-Contra.

Tom Cruise encarna a Barry Seal, un expiloto de TWA que se convirtió en traficante de drogas en la década de 1980 y que fue reclutado posteriormente por la CIA para realizar labores de inteligencia.

28. Top Gun: Maverick (2022), de Joseph Kosinski

Después de más de treinta años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete "Mavericks" Mitchel (Tom Cruise) se encuentra donde siempre quiso estar: superando los límites como un valiente piloto de pruebas y esquivando el ascenso de rango, que no le dejaría volar emplazándolo en tierra. Cuando es destinado a la academia de Top Gun con el objetivo de entrenar a los pilotos de élite para realizar una peligrosa misión en territorio enemigo, Maverick se encuentra allí con el joven teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), el hijo de su difunto amigo "Goose. 

Tom Cruise repite otra vez papel en esta secuela considerada mejor que la original. La película más taquillera de la carrera del actor. 

Tres películas para ver esta semana

1. La calle del terror: la reina del baile (Fear Street: Prom Queen, 2025), de Matt Palmer

Una noche de primavera... la suave luz de la luna... cinco hermosas candidatas a reina del baile... parejas bailando en el baile de graduación del instituto Shadyside... estos deberían ser los ingredientes del romance. Pero si se añade un brutal asesinato, y luego otro, y otro, la receta se convierte rápidamente en horror. Lizzie McVay se da cuenta de que alguien está asesinando una a una a las cinco candidatas a Reina del Baile... ¡y que ella puede ser la siguiente en la lista! ¿Podrá detener al asesino antes de que el baile termine para siempre?

Una película de Fear Street basada en el libro de R.L. Stine, The Prom Queen. Próximo estreno en Netflix, el 23 de mayo de 2025

2. La fuente de la eterna juventud (Fountain of Youth, 2025), de Guy Ritchie

Dos hermanos distanciados se asocian en un gran golpe a escala global para encontrar la mitológica fuente de la eterna juventud. Tendrán que usar sus conocimientos de historia para seguir pistas en una aventura épica que cambiará sus vidas... y que puede que les otorgue la inmortalidad. 

Natalie Portman, John Krasinski, Domhnall Gleeson, Carmen Ejogo y Laz Alonso en La fuente de la eterna juventud (2025)

Estreno en Apple TV+  a partir del 23 de mayo de 2025.

3. Robot salvaje (The Wild Robot, 2024), de Chris Sanders

El épico viaje de un robot -la unidad 7134 de Roz,'Roz' para abreviar- que naufraga en una isla deshabitada y debe aprender a adaptarse al duro entorno, entablando gradualmente relaciones con los animales de la isla y convirtiéndose en madre adoptiva de un pequeño ganso huérfano.

Streaming en Netflix a partir del 24 de mayo de 2025.

Tom Cruise: el actor en sus papeles más icónicos, desde joven protagonista hasta héroe inmortal (VI)

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21. Valkiria (Valkyrie, 2008), de Bryan Singer

Gravemente herido en combate, el Coronel Claus von Stauffenberg (Cruise), un aristócrata alemán, regresa de África y, tras unirse a la resistencia alemana, se convierte en el cerebro de la Operación Valkiria, cuyo objetivo era derrocar el régimen nazi y acabar con la guerra eliminando previamente a Hitler. El atentado, que fracasó por diversas circunstancias, consistió en la colocación de una bomba en el búnker del Fhürer (1944). El plan preveía además la creación de un gobierno en la sombra que se haría cargo de Alemania tras la muerte del dictador.

En la película, Tom Cruise encarna al coronel alemán Claus von Stauffenberg, un aristócrata que participa junto a otros militares y políticos alemanes en el intento de acabar con la vida de Adolf Hitler en el atentado del 20 de julio de 1944 y tomar el control del país.

22. Jack Reacher AKA One Shot (2012), de Christopher McQuarrie

Jack Reacher (Tom Cruise), un antiguo policía militar que vive como un vagabundo y que trabaja por su cuenta, decide investigar el caso de un francotirador que ha sido acusado de matar a cinco personas en un tiroteo. Al ser interrogado, el francotirador exige la presencia de Jack Reacher.

Se trata de una adaptación de la novela Un disparo, escrita por Lee Child y está protagonizada por Tom Cruise como el personaje principal.

23. Oblivion (2013), de Joseph Kosinski

Año 2073. Hace más de 60 años la Tierra fue atacada; se ganó la guerra, pero la mitad del planeta quedó destruido, y todos los seres humanos fueron evacuados. Jack Harper (Tom Cruise), un antiguo marine, es uno de los últimos hombres que la habitan. Es un ingeniero de Drones que participa en una operación para extraer los recursos vitales del planeta. Su misión consiste en patrullar diariamente los cielos. Un día, rescata a una desconocida de una nave espacial y, entonces, se ve obligado a replantearse sus convicciones más profundas.

Tom Cruise es el Comandante Jack Harper, uno de los pocos habitantes de la Tierra.

24. Al filo del mañana (Edge of Tomorrow, 2014), de Doug Liman

En un futuro no muy lejano, invade la Tierra una raza de extraterrestres invencibles. Al Comandante William Cage (Tom Cruise), un oficial que nunca ha entrado en combate, le encargan una misión casi suicida y resulta muerto. Entra entonces en un bucle temporal, en el que se ve obligado a luchar y morir una y otra vez. Pero las múltiples batallas que libra lo hacen cada vez más hábil y eficaz en su lucha contra los alienígenas. Su compañera de combate es Rita Vrataski (Emily Blunt), una guerrera de las Fuerzas Especiales.

Protagonizada por Tom Cruise y Emily Blunt y es la adaptación del manga de Hiroshi Sakurazaka, All You Need Is Kill.

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Nuevas películas para toda la familia (II)

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5. Cómo entrenar a tu dragón (How to Train Your Dragon, 2025), de Dean DeBlois

Un joven vikingo aspira a cazar dragones, pero se convierte inesperadamente en amigo de un joven dragón.

Mason Thames en Cómo entrenar a tu dragón (2025)

No nos sorprende que la primera incursión de DreamWorks en los remakes de acción real haya entusiasmado a los cinéfilos. La historia de un joven vikingo que elude la tradición para hacerse amigo de un dragón se ha mantenido como una de las favoritas de la familia en los 15 años transcurridos desde el estreno de la película animada. Pero hay mucho más que esperar aquí que un simple viaje a la Isla Mema. El original guionista y director, Dean DeBlois, y el compositor John Powell han regresado para darle a la película una apariencia similar a la de la trilogía original, mientras que Gerard Butler repetirá su papel como Estoico el Inmenso, esta vez frente a la cámara. Estamos emocionados de ver a Mason Thames y Nico Parker liderar el reparto junto a otros jóvenes actores talentosos como Ruth Codd y Julian Dennison. Ah, ¿y Desdentao? ¡Se ve tan lindo y tierno como siempre, gracias a Odín!

6. Elio (2025), de Madeline Sharafian, Domee Shi y Adrián Molina

Elio es transportado por los extraterrestres y se convierte en el elegido para ser embajador galáctico de la Tierra mientras su madre Olga trabaja en el proyecto de alto secreto para descifrar mensajes alienígenas.

Pixar nos trae una sorpresa a todos los niños solitarios que miramos al cielo por la noche, en lo que será el único estreno cinematográfico del estudio de animación en 2025. El proyecto reúne al cineasta de Coco (2017), Alfred Molina, con los codirectores Domee Shi y Madeline Sharafian, quienes trabajaron juntos en Red (Turning Red, 2022). La película tendrá una fuerte competencia con el remake de acción real de Cómo entrenar a tu dragón, que se estrena una semana antes. Y nos encantaría saber cuánto ganó la banda The Postal Service al permitir que su canción Such Great Heights, de más de 20 años de antigüedad, se usara en el tráiler.

7. The Twits (2025), de Phil Johnston, Katie Shanahan, Todd Demong

Un par de malvados bromistas planean un elaborado atraco junto con su tripulación de animales altamente adiestrados.

Solo Roald Dahl habría escrito una historia infantil inspirada en su odio a las barbas. Y cuando los cineastas logran una adaptación de Dahl —Matilda, James y el melocotón gigante, Willy Wonka y la fábrica de chocolate—, los resultados son tan subversivos y perdurables como el material original. Por eso, tenemos grandes esperanzas en The Twits, un clásico de nuestra infancia que, por alguna razón, nunca antes había sido adaptado. Un equipo de veteranos de la animación con gran experiencia, que incluye al director Phil Johnston, está al frente de la película en Netflix, que se toma algunas libertades con la historia original y contará con las voces de Natalie Portman, Emilia Clarke, Margo Martindale y el querido actor y comediante británico Johnny Vegas.

8. Pitufos (2025), de Chris Miller, Matt Landon

Película musical de animación centrada en las icónicas creaciones de Peyo. Cuando Papá Pitufo es secuestrado de forma misteriosa por los malvados brujos Razamel y Gargamel, Pitufina lleva a los Pitufos a una misión al mundo real para salvarle. Con la ayuda de nuevos amigos, los Pitufos deberán descubrir qué define su destino para salvar el universo.

Con la participación de Rihanna como protagonista y productora, además de la creación de nueva música para la banda sonora, el reinicio de Los Pitufos parece abrazar firmemente las raíces del género musical. La historia sigue a Pitufina (Rihanna) mientras lidera a sus compañeros Pitufos en una aventura al mundo humano (¡y a París!) para rescatar a Papá Pitufo de los magos malvados. Nick Offerman, Kurt Russell, Sandra Oh y Natasha Lyonne se unen al elenco estelar. La película también presenta varios personajes nuevos al universo de Los Pitufos, incluyendo al hermano de Papá Pitufo, Ben, y a su sobrina Moxie; al hermano de Gargamel, Razamel; y a dos nuevos Pitufos: Influencer y el Pitufo Sin Nombre. ¡Esto promete ser divertidísimo!

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