“Good Boy”, la sensación del terror que no carece de mordacidad, sólo está disponible en los cines este fin de semana

Good Boy (2025), dirigida por Ben Leonberg en su debut como director. La película fue estrenada en el festival South by Southwest el 10 de marzo de 2025. 

Tras la muerte de un familiar, Todd (Shane Jensen) se traslada con su perro Indy a una antigua granja rural que perteneció a su abuelo (Larry Fassenden). Aunque se rumorea que la casa está embrujada por un ente malévolo, Todd ignora las advertencias. Sin embargo, Indy comienza a ver inquietantes presencias sobrenaturales por toda la casa, entidades invisibles para los humanos, pero muy reales para él. Incapaz de expresar verbalmente sus miedos a Todd, Indy debe enfrentarse y comprender a los demonios que amenazan a su dueño. A medida que la actividad sobrenatural se intensifica, la lealtad del perro se pone a prueba en un intento desesperado por proteger a su compañero humano.

Un éxito sorpresa en la taquilla estadounidense, donde subió al noveno puesto durante su primera semana de estreno a principios de octubre, Good Boy llega este fin de semana para algunas proyecciones en los cines franceses, antes de ser emitido en la plataforma Shadowz a partir del 31 de octubre, justo a tiempo para Halloween.

El entusiasmo que rodea a este largometraje de terror proviene de la intensa promoción realizada por la distribuidora estadounidense IFC, con numerosos vídeos publicados en las redes sociales, así como de la organización de un gran preestreno en Hollywood, donde todas las miradas estaban puestas en la estrella de la película, el perro Indy, un retriever de Nueva Escocia.

Muerte de Diane Keaton, la inolvidable actriz que protagonizó "El Padrino" y "Annie Hall" (I)

La actriz estadounidense falleció en Los Ángeles el 10 de octubre de 2025, a los 79 años, tras una larga carrera marcada por sus colaboraciones con Francis Ford Coppola y Woody Allen.

Annie Hall fue, en dos sentidos, el papel de su vida. Primero, porque Woody Allen, su expareja, que siguió siendo su amigo, se inspiró en ella para escribir esta brillante comedia sobre los tormentos de una pareja. Pero también porque Diane Keaton, nacida Diane Hall en 1946, quizá nunca haya encontrado ni hecho nada mejor que esta maravilla de chica encaramada, loca por la rueda y domadora de langostas, que la consagró como digna heredera de su ídolo, la gran Katharine Hepburn, y le valió el Oscar a la mejor actriz en 1978. La muerte de la estrella estadounidense dará lugar a multitud de homenajes. Ella afirmó en una entrevista: "Quiero formar parte de esta familia de actrices, un poco andrógina, con un humor antipatético".

Diane Keaton y Al Pacino en El padrino (1972)

Diane Keaton ha fallecido, y la idea misma de fantasía y encanto parece estar en decadencia. Su extensa filmografía, que comenzó en 1970 tras una breve temporada en Broadway, incluye, sin embargo, algunos títulos olvidables. En cualquier caso, recordamos las joyas, y los diamantes son para siempre. La trilogía del Padrino, por supuesto, comenzó en 1972 después de que Francis Ford Coppola la viera en Amantes y otros extraños (Lovers and Other Strangers, 1970), de Cy Howard, su primer largometraje. El joven cineasta buscaba entonces una prometida para Michael Corleone/Al Pacino y le ofreció la sabia, aunque insignificante, banda sonora de Kay Adams. Una mujer con traje en un mundo de hombres con traje, tan ajeno a las costumbres de la mafia como al levantamiento de pesas. Aunque el papel consistía esencialmente en "esperar en los pasillos", regresó para la segunda parte en 1974 (la escena en la que deja a su marido gánster, diciéndole que había tenido un aborto ("¡Era un hijo!"), vale la pena el esfuerzo) y una tercera parte, tan operística como puede ser, en 1990.

(cont.)

Recordando a Orson Welles: El cuarto mandamiento

El cuarto mandamiento (The Magnificent Ambersons, 1942). Fue la segunda película de Welles, tras Ciudadano Kane (Citizen Kane, 1941), y en esta película volvía a dirigir y a escribir el guion, aunque esta vez no interpretaba ningún papel. Es una estupenda película, en la que Orson Welles no fue el responsable del montaje final, manipulado por la productora RKO tenía miedo de que Welles rodara una película demasiado personal, lo que pudiera perjudicar a sus resultados en taquilla. Así que la productora arrebató el control creativo al cineasta, y ordenó un nuevo montaje, que mutiló seriamente el original. Las imágenes de Welles son tan fascinantes que, aún así, quedó intacta la magia de esta reflexión acerca de la decadencia de la aristocracia, la aparición del progreso en una sociedad anquilosada y la ascensión de una nueva estructura social".

Joseph Cotten y Agnes Moorehead en El cuarto mandamiento (1942)

Con esta película comenzaría la leyenda negra que le acompañaría el resto de su vida.

Dolores Costello  y Tim Holt en El cuarto mandamiento (1942)

La trama: A finales del siglo XIX, la mansión Amberson es la más fastuosa de Indianápolis. Cuando su dueña, la bellísima Isabel, es humillada públicamente, aunque de forma involuntaria por su pretendiente Eugene Morgan, lo abandona y se casa con el torpe Wilbur Minafer. Su único hijo, el consentido George, crece lleno de arrogancia y prepotencia. Años más tarde, Eugene regresa a la ciudad con su hija Lucy, y George se enamora de ella. Basada en la novela homónima de Booth Tarkington, escrita en 1918, y que había ganado el premio Pulitzer en 1919.

Joseph Cotten, Agnes Moorehead, Richard Bennett, Ray Collins y Dolores Costello en El cuarto mandamiento (1942)

“One to One: John & Yoko”: un retrato doble, vivo y conmovedor, menos esperado de lo habitual

Entre los muchos documentales dedicados a este doble mito de la cultura pop, éste de Kevin Macdonald y Sam Rice-Edwards destaca por su riqueza de material de archivo, empezando por el espectáculo One to One, magníficamente restaurado.

Principios de la década de 1970. La juventud estadounidense se alza contra la guerra de Vietnam, Richard Nixon busca un segundo mandato presidencial y Nueva York da la bienvenida a una ilustre pareja de inmigrantes: John Lennon y Yoko Ono, que se establecen en Greenwich Village para "vivir como estudiantes"... Entre los innumerables documentales dedicados a este (doble) mito de la cultura pop, este destaca casi de inmediato por la densidad de su contenido, un vertiginoso carrusel de imágenes de archivo, en torno a un evento central: el concierto benéfico One to One, en el Madison Square Garden en agosto de 1972. Extractos bellamente restaurados del primer concierto completo de John Lennon después de la ruptura los Beatles. 

One to One: John & Yoko (2024) nos presenta el mundo musical, personal, artístico, social y político de John y Yoko en el contexto de una era turbulenta en la historia estadounidense y en Nueva York en 1972. En el centro se encuentra el concierto benéfico One to One para niños con necesidades especiales, el único concierto de larga duración de John Lennon entre el último concierto de los Beatles en 1966 y su muerte. Se incluye una gran cantidad de archivos de Lennon nunca antes vistos, incluidas llamadas telefónicas personales, películas caseras filmadas por John y Yoko, así como material restaurado y remasterizado del concierto One to One con audio remezclado supervisado por Sean Ono Lennon.

Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (VII)

Un lugar en la cumbre (Room at the Top, 1959), de Jack Clayton

Joe Lampton (Laurence Harvey) acepta un trabajo de contable en un pequeña ciudad del norte de Inglaterra. Movido por la ambición, intenta conquistar a Susan (Heather Sears), la hija del hombre más rico y poderoso del lugar, pero paralelamente entabla una relación con Alice (Simone Signoret), una mujer madura cuya experiencia y sofisticación lo fascinan. 

Simone Signoret y Laurence Harvey en Un lugar en la cumbre (1959)

Duro drama social, crítica a las diferencias de clase, y de los mejores filmes de Jack Clayton, que demuestra ser un narrador increíble, con pulso de hierro en las escenas más difíciles. Adapta la primera novela de John Braine, que se había publicado el año anterior y había tenido una buena acogida. El guión de Neil Paterson se hizo acreedor de la estatuilla dorada del Oscar. La estupenda Simone Signoret está conmovedora como la mujer acostumbrada al sufrimiento y el desengaño, lo que le valió el Oscar. 

Hace 100 años: El camino de la fuerza y de la belleza

El 12 de octubre de 1925 se estrenó la película alemana El camino de la fuerza y de la belleza (Wege zu Kraft und Schönheit - Ein Film über moderne Körperkultur), dirigida por Nicholas Kaufmann y Wilhelm Prager. Reparto: Documental. Intervenciones: Josephine Baker, Anita Berber, Kitty Cauer, Jack Dempsey, Jenny Hasselqvist, Gerhart Hauptmann, Josef Holub, Niddy Impekoven, Baku Ishii, Tamara Karsavina, La Jana, Eva Liebenberg, Etelka Maquita, Leni Riefenstahl, Hertha von Walther, Johnny Weissmuller, Mary Wigman, Peter Wladimiroff. Productora: Kulturabteilung, Universum Film (UFA). Duración: 112 minutos. 

Sinopsis argumental: Más de 10 años antes de que Leni Riefenstahl -que aparece aquí como bailarina- filmara la apología a la raza aria en las Olimpiadas de 1936, Prager y Kauffmann ya se habían inspirado en los ideales de la antigua Grecia en este elogio a la armonía y la belleza del cuerpo humano. Un canto al ejercicio y al aire libre en donde la cualidad escultural del cuerpo brilla en los encuadres monumentales, en los estudios del movimiento –de la gimnasia, el baile y los deportes– en todas las etapas de la vida, entre un ramillete de sorprendentes hallazgos estéticos para la época.

Comentario: El cuerpo perfecto como objeto de culto. Basada en el movimiento de deportes de masas y culto al cuerpo de la década de 1920, la película promueve el entrenamiento físico y muestra, en estilizadas escenas documentales, aspectos de la higiene física, la gimnasia, el deporte y la danza, así como escenas en las que supuestos deportistas de la antigüedad posan desnudos.

Tres película para ver esta semana en las plataformas

Conozca tres nuevas películas que podrá ver en streaming la semana del 5 de octubre de 2025.

1. Ozzy Osbourne: No Escape from Now (2025), de Tania Alexander

Ozzy Osbourne enfrenta su identidad y mortalidad después de que su mundo se detenga. Al lidiar con problemas de salud y Parkinson, se pregunta si puede volver a actuar mientras la música sigue siendo la piedra angular de su vida.

Un retrato inquebrantable, cálido y profundamente personal de una de las estrellas de rock más grandes y queridas del mundo, mientras lucha contra una serie de problemas de salud para ofrecer un último concierto en su ciudad natal, Birmingham. Disponible en Paramount+, a partir del 7 de octubre 2025. 

2. La mujer del camarote 10 (The Woman in Cabin 10, 2025), de Simon Stone

Durante un viaje de trabajo a bordo de un lujoso yate, una periodista presencia un hecho inquietante: alguien cae al mar en circunstancias sospechosas. Sin embargo, al compartir lo ocurrido, nadie parece creerle, lo que la lleva a cuestionarse la lealtad y las intenciones de quienes la rodean. Decidida a no ignorar lo que vio, se embarca en una peligrosa investigación por su cuenta. A medida que se adentra en un laberinto de secretos y engaños, arriesga su propia vida para descubrir la verdad oculta tras el misterio. 

La mujer del camarote 10 de Netflix llegará a nuestras pantallas el próximo 10 de octubre de 2025.

3. Vicious (2025), de Bryan Bertino

Cuando Polly recibe una misteriosa caja de una inesperada visitante nocturna, viene con la simple instrucción de colocar tres cosas dentro: algo que necesites, algo que odies y algo que ames. Lo que comienza como un extraño ritual se convierte rápidamente en una pesadilla. Atrapada en un mundo aterrador donde la realidad se tuerce y la memoria la traiciona, Polly debe tomar una serie de decisiones imposibles. A medida que el tiempo se escapa, se ve obligada a enfrentarse a la oscuridad no sólo a su alrededor, sino también en su interior, antes de que consuma todo y a todos los que ha conocido.

Disponible en Paramount+, a partir del 10 de octubre de 2025. 

Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (VI)

Les sorcières de Salem (1957), de Raymond Rouleau

Salem, 1692. El agricultor John Proctor ha hecho el amor dos veces con Abigail, una joven de 17 años que él y su esposa han acogido. Su esposa Elisabeth lo ha estado rechazando durante siete meses, por su puritanismo y frialdad. Cuando Elisabeth encuentra a John abrazando a Abigail, echa a la muchacha de su casa y John, sintiéndose condenado, está de acuerdo. Abigail jura venganza. Su oportunidad llega cuando acusa a Elisabeth de brujería y manipula a las niñas más jóvenes para apoyar sus afirmaciones de ver espíritus. El ministro de la ciudad y los políticos quieren una causa: liberar al pueblo de la brujería. John también es acusado; Abigail le ofrece una manera de evitar la horca. Elisabeth tiene su propia confesión.

Yves Montand y Simone Signoret en Les sorcières de Salem (1957)

Con gran eficacia, el también dramaturgo, filósofo y guionista, Jean-Paul Sartre, se ocupó de esta primera adaptación cinematográfica de la obra de Miller; y el actor y luego director, Raymond Rouleau, se encargó de bordar el conjunto con absoluta precisión, consiguiendo sacar a la luz una impactante obra cinematográfica que ya hace parte del arte por excelencia. Simone Signoret (Elisabeth, la esposa que, quizás, deba despertar) y Mylène Demongeot (la tentación llamada Abigail Williams), confluyen en un logro cinematográfico que nos envuelve de principio a fin y nos deja bien plantada la manera como el hombre sigue repitiendo, generación tras de-generación, la misma suerte de aberraciones.

Efemérides de cine: Dos tramposos con suerte

El 11 de octubre de 1975 se estrenó la película estadounidense Dos tramposos con suerte (Let's Do It Again), dirigida por Sidney Poitier e interpretada por Sidney Poitier, Bill Cosby, Calvin Lockhart, John Amos, Jimmie Walker, Ossie Davis, Denise Nicholas, Lee Chamberlin, Mel Stewart, Julius Harris. Productora: Warner Bros., First Artists. Duración: 110 minutos.

Sinopsis argumental: Clyde Williams y Billy Foster deciden reunir dinero para financiar la comunidad fraternal "Hijos e hijas de Shaka Lodge". Para ello, van a Nueva Orleáns a organizar un gran combate de boxeo, si bien, el objetivo final son las apuestas. Mientras tanto, se sirven de las dotes de hipnotizador de Clyde, para convertir en boxeador al escuálido y desamparado Bootney Farnsworth. Con sus tretas consiguen atraer la atención del capo de la mafia Biggie Smalls que, al ver a Bootney, apuesta una gran suma de dinero en su contra, mientras que los dos timadores apuestan todo su dinero por él. Bajo los efectos de la hipnosis, Bootney se transforma hasta tal punto que gana el combate. Clyde y Billy regresan a Atlanta con el dinero de las apuestas, pero la banda de Biggie descubre el engaño y va tras ellos para recuperarlo.

Nominaciones y premios: Premios Image: 3 premios.

Comentario: Esta película, la cuarta dirigida por Poitier a lo largo de su carrera, es deudora de El golpe, estrenada tan solo dos años antes, y pone humor a un típico esquema de intriga, con la historia de dos truhanes que se sirven de los poderes hipnóticos de uno de ellos para triunfar en el mundo del boxeo. Ante la cámara y como coprotagonista, Poitier coloca a su lado a otro cómico de color, Bill Cosby, mucho antes de que se hiciera famoso con su show de televisión. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: Amor de padre

El 11 de octubre de 1925 se estrenó la película estadounidense Amor de padre (The Tower of Lies), dirigida por Victor Sjöström e interpretada por Norma Shearer, Lon Chaney, Ian Keith, Claire McDowell, William Haines, David Torrence. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Duración: 70 minutos. 

Sinopsis argumental: Jan es un granjero que pasa por algunas dificultades, pero que es feliz gracias al nacimiento de su hija Glory. Al pasar los años, una serie de acontecimientos hace que la familia pueda perder todo lo que tiene sino consigue urgentemente 300 dólares. Así que la joven Glory no tiene más remedio que ir a la ciudad en busca del dinero. 

Comentario:  Adaptación de la novela The Emperor of Portugallia, de Selma Lagerlof.  La película, un drama en toda regla, que entusiasmó al público al volver a ver en pantalla a las estrellas Norma Shearer y Lon Chaney, que ya habían actuado juntos en otro éxito, El que recibe el bofetón (1924). Dirige el sueco Sjöström con su habitual fuerza expresiva en las imágenes.

Amazon prohíbe a James Bond portar un arma para una misión promocional... los fans se enfadan

En una campaña para promocionar el "Día de James Bond" el 5 de octubre, Prime Video revisó los carteles de las películas de la saga eliminando el arma emblemática del Agente 007. Sean Connery, Pierce Brosnan, Daniel Craig y otros aparecen ahora con manos vacías, poses extrañas o directamente recortados para ocultar el icónico Walther PPK2. Esto no pasó desapercibido para los fans de la franquicia, ahora bajo el liderazgo de Amazon.

En 1962, el mundo vio el rostro de James Bond en la pantalla, interpretado por Sean Connery. Seis décadas, cinco actores más, veinticinco películas y miles de millones de euros después, el famoso agente secreto se encuentra en una situación difícil. El séptimo agente con licencia para matar, Amazon, propietaria de los derechos de la franquicia , ¡le retira su arma!

Para conmemorar el Día de James Bond el 5 de octubre, aniversario del estreno de la primera entrega, Agente 007 contra el Dr. No (Dr. No, 1962), de Terence Young, Prime Video UK promocionó la serie en su página principal revisando los carteles de la película. Pero un detalle llamó la atención rápidamente: en las nuevas imágenes, la icónica arma de James Bond parecía haber sido borrada digitalmente. Algunos retoques particularmente torpes, como los brazos anormalmente alargados de Roger Moore en la ilustración de Panorama para matar (A View to a Kill, 1985), de John Glen, no pasaron desapercibidos para los internautas.

Póster publicado por Prime Video. Los fans temen que el personaje de James Bond se distorsione y se convierta en algo banal 

Mientras algunos ridiculizaron el asunto —por ejemplo, al sustituir la pistola de Sean Connery por un sándwich—, otros se posicionaron. En X, la campaña de Amazon incluso fue acusada de "vandalismo cultural". Ante esta indignación, la multinacional estadounidense retiró discretamente los carteles y optó por fragmentos de las películas que tampoco muestran armas. Y hasta la fecha, no se ha pronunciado al respecto.

Más allá de hacer sonreír a algunos aficiones, este episodio preocupa a los fans sobre el futuro de la franquicia, ahora en manos de la empresa de Jeff Bezos desde la adquisición de MGM Studios en 2022. Sobre todo porque ya se dio un paso, en febrero de 2025, cuando Barbara Broccoli y Michael G. Wilson, productores históricos de la saga y "guardianes del templo Bond", cedieron sus derechos creativos a Amazon.

¿Intenta la compañía suavizar la imagen del héroe británico? En 2002, Steven Spielberg enfrentó las mismas críticas tras sustituir las armas de los policías en E.T. el extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982), por walkie-talkies durante la restauración de la película, una decisión que lamentó públicamente en 2023. Queda por ver si Denis Villeneuve (Dune, Blade Runner 2049), director de la próxima película de James Bond, se atreverá a armar de nuevo al agente secreto... o a hacerle luchar con pistolas de agua.

Películas de la semana: 10 de octubre

TRON: Ares

Dirección: Joachim Rønning. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 119 minutos. Género: Ciencia-ficción. Acción. Inteligencia artificial. Mundo virtual. Secuela. Interpretación:  Jared Leto, Jodie Turner-Smith, Evan Peters, Cameron Monaghan, Gillian Anderson, Greta Lee, Jeff Bridges, Hasan Minhaj, Sarah Desjardins, Arturo Castro. Guion: Jesse Wigutow, Jack Thorne. Personaje: Steven Lisberger, Bonnie Macbird. Música: Nine Inch Nails, Trent Reznor, Atticus Ross. Fotografía: Jeff Cronenweth. Productora: Walt Disney Pictures, Paradox. Distribuidora: Walt Disney Pictures. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: Este 2025, Disney reabre las puertas del universo digital más estilizado del cine con TRON: Ares, la esperada tercera entrega de la saga TRON, dirigida por el aclamado cineasta noruego Joachim Rønning. La historia sigue a Ares, un programa informático extremadamente avanzado, que es enviado desde el mundo digital al mundo real en una misión arriesgada. Su llegada marcará el primer contacto de la humanidad con seres creados por inteligencia artificial, desafiando límites tecnológicos conocidos hasta la fecha, y también éticos. Mientras Ares navega por un entorno desconocido, va poniendo a prueba su capacidad de adaptación y el impacto que su existencia puede llegar a tener en la sociedad humana.

Bala perdida

Título original: Caught Stealing. Dirección: Darren Aronofsky. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 109 minutos. Género: Thriller. Crimen. Interpretación: Austin Butler, Zoë Kravitz, Vincent D'Onofrio, Liev Schreiber, Matt Smith, Griffin Dunne, Regina King, Bad Bunny, George Abud, Dominique Silver, Nikita Kukushkin, Yuri Kolokolnikov, Carol Kane, Laura Dern, Tenoch Huerta, Will Fitz. Guion: Charlie Huston. Novela: Charlie Huston. Producción: Darren Aronofsky, Ari Handel. Música: Rob Simonsen. Fotografía: Matthew Libatique. Productora: Protozoa Pictures. Distribuidora: Sony Pictures. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: Nueva York, años 90. Hank Thompson (Austin Butler) era un fenómeno del béisbol en el instituto que ya no puede seguir jugando, pero todo lo demás le va bien. Tiene una novia estupenda (Zoë Kravitz), es camarero en un antro en Nueva York y su equipo favorito está sorprendentemente luchando por el campeonato. Cuando su vecino punki Russ (Matt Smith) le pide que cuide de su gato durante unos días, Hank se encuentra atrapado en medio de un variopinto grupo de gángsters amenazantes. Todos quieren algo de él; el problema es que él no sabe por qué.

Downton Abbey: El gran final

Título original: Downton Abbey: The Grand Finale. Dirección: Simon Curtis. País: Reino Unido. Año: 2025. Duración: 123 minutos. Género: Drama. Drama de época. Años 1930. Secuela. Interpretación: Michelle Dockery, Hugh Bonneville, Elizabeth McGovern, Penelope Wilton, Joanne Froggatt, Paul Giamatti, Dominic West, Joely Richardson, Alessandro Nivola, Phyllis Logan, Allen Leech, Raquel Cassidy, Jim Carter, Brendan Coyle, Laura Carmichael, Robert James-Collier, Sophie McShera, Harry Hadden-Paton, Kevin Doyle, Lesley Nicol, Arty Froushan, Michael Fox (II), Douglas Reith, Simon Russell Beale, Sarah Crowden, Paul Copley, Fifi Hart, Marilyn Cutts. Guion: Julian Fellowes. Música: John Lunn. Fotografía: Ben Smithard. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Carnival Film & Television, Focus Features. Distribuidora: Focus Features, Universal Pictures International. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: Secuela de 'Downton Abbey: Una nueva era'. Sigue a la familia Crawley y a su personal a medida que se adentran en la década de 1930. Mientras deciden cómo conducir Downton Abbey hacia el futuro, todos deben aceptar el cambio y dar la bienvenida a un nuevo capítulo.

Título original

Vieja loca

Dirección: Martín Mauregui. País: España. Año: 2025. Duración: 94 minutos. Género: Terror. Thriller. Thriller psicológico. Vejez. Madurez. Interpretación:  Carmen Maura, Daniel Hendler, Olivia Nuss, Tamara Rocca. Guion: Martín Mauregui. Producción: Juan Antonio Bayona, Belén Atienza. Música: Pedro Osuna. Fotografía: Julián Apezteguia, Marc Gómez del Moral. Productora: Coproducción España-Argentina; Películas La Trini, Primo Content, Bambú Producciones, Mr. Fields and Friends, La Unión de los Ríos. Distribuidora: DeAPlaneta. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: Laura viaja por carretera para llevar a su pequeña a conocer a su padre. Cuando habla por teléfono con Alicia, su anciana madre, la pobre mujer muestra signos de confusión y ansiedad. Preocupada y sin lograr comunicarse con la cuidadora, contacta con Pedro, su exnovio, para que cuide de Alicia esa noche. En un principio, éste se niega, pero al final accede. Lo que parecía una tarea sencilla se convierte en una pesadilla cuando Alicia, afectada por la demencia senil, le golpea por sorpresa dejándolo inconsciente. Al despertar le ha encadenado a una silla, mostrando un comportamiento perturbador.

Una casa llena de dinamita

Título original: A House of Dynamite. Dirección: Kathryn Bigelow. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 112 minutos. Género: Thriller. Drama. Intriga. Terrorismo. Interpretación:  Idris Elba, Rebecca Ferguson, Gabriel Basso, Jared Harris, Tracy Letts, Anthony Ramos, Moses Ingram, Jonah Hauer-King, Greta Lee, Jason Clarke, Willa Fitzgerald, Aminah Nieves, Malachi Beasley, Brian Tee, Brittany O'Grady, Gbenga Akinnagbe, Renée Elise Goldsberry, Kyle Allen, Kaitlyn Dever. Guion: Noah Oppenheim. Producción: Kathryn Bigelow, Noah Oppenheim. Música: Volker Bertelmann. Fotografía: Barry Ackroyd. Productora: First Light Productions, Prologue Entertainment, Kingsgate Films, Netflix. Distribuidora: Netflix, Tri Pictures. Premios y nominaciones: Festival de Venecia: Nominada a León de Oro - Mejor película. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: Cuando un misil de origen desconocido es lanzado contra Estados Unidos, la Casa Blanca entra en estado de emergencia. Se activa una carrera contrarreloj en las altas esferas del gobierno para identificar al autor del ataque, evitar una escalada global y decidir la respuesta adecuada. En medio de tensiones políticas, presiones militares y el temor a una guerra inminente, cada decisión puede tener consecuencias irreversibles. La amenaza invisible pone a prueba el liderazgo, la diplomacia y la estabilidad mundial.

Karmele

Dirección: Asier Altuna. País: España. Año: 2025. Duración: 114 minutos. Género: Drama. Romance. Basado en hechos reales. Años 1930. Años 1940. Guerra Civil Española. Música. Interpretación:  Jone Laspiur, Eneko Sagardoy, Nagore Aranburu, Javier Barandiaran, Paul Berrondo, Iñaki Beraetxe, Asier Oruesagasti. Guion: Asier Altuna. Novela: La hora de despertarnos juntos de Kirmen Uribe. Música: Aitor Etxebarria. Fotografía: Javier Agirre Erauso. Productora: Txintxua Films, Esnatzeko Ordua Films, Gastibeltza Filmak, ETB, RTVE. Distribuidora: Caramel Films. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: País Vasco, 1937. En plena guerra civil española, Karmele Urrusti y sus padres deben emprender el camino hacia el exilio desde su pueblo en el País Vasco, es una represalia del bando nacional por no haberse presentado el hermano e hijo a filas. Ella es enfermera, pero le proponen cantar y danzar folclore vasco en París, y acepta porque le persuaden de que es una forma de luchar contra Franco. Conoce al trompetista y activista Txomin, con el que viajará aún más lejos, a Venezuela, tras acabar la guerra fratricida y arrancar la Segunda Guerra Mundial. Es tiempo para formar una familia, y continuar con la lucha por la democracia y el País Vasco, al parecer los estadounidenses apoyan su independencia.

La tregua

Dirección: Miguel Ángel Vivas. País: España. Año: 2025. Duración: 150 minutos. Género: Bélico. Drama. Basado en hechos reales. Drama carcelario. II Guerra Mundial. Años 1940. Amistad. Interpretación: Miguel Herrán, Arón Piper, Javier Pereira, Fernando Valdivielso, Alejandro Jato, Federico Pérez Rey, José Pastor, Manel Llunell, Sergey Ufimtzev, Dina Tasbulatova, Daniel Horvath, Christian Stamm, Farabi Akkozov, Aizhan Lighgiz. Guion: Fran Carballal, Ignasi Rubio, Miguel Ángel Vivas. Música: Víctor Reyes. Fotografía: Rafa García. Productora: Coproducción España-Kazajstán; Plano a Plano, Amanat Capital, Netflix, RTVE, Spassks99, Umaifilm. Distribuidora: Tri Pictures. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: Durante la 2ª Guerra Mundial, la gélida estepa de Kazajistán albergó Spassk99, un gulag soviético donde la URSS hacinaba a los enemigos del pueblo. Entre ellos los dos bandos de españoles: soldados republicanos formados por la URSS, que fueron condenados al querer salir de Rusia cuando acabó la guerra en España, y voluntarios de la División Azul, capturados tras luchar junto a los nazis en Leningrado. Enemigos que deberán dejar a un lado sus ideologías y unirse.

Jugar con fuego

Título original: Jouer avec le feu. Título alternativo: The Quiet Son. Dirección: Delphine Coulin, Muriel Coulin. País: Francia. Año: 2024. Duración: 119 minutos. Género: Drama. Paternidad. Adolescencia. Interpretación: Vincent Lindon, Benjamin Voisin, Stefan Crepon, Arnaud Rebotini, Édouard Sulpice, Sophie Guillemin, Maëlle Poesy-Guichard, Béatrice Pérez, Céline Bazelaire, Lucas Mortier. Guion: Delphine Coulin, Muriel Coulin. Novela: Laurent Petitmangin. Música: Pawel Mykietyn. Fotografía: Frédéric Noirhomme. Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Felicita Films, Curiosa Films, Canal+, France 3 Cinéma, UMédia, France TV. Distribuidora: La Aventura Audiovisual, Flamingo Films. Premios y nominaciones: Festival de Venecia: Copa Volpi - Mejor actor. 2 nominaciones. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: Pierre (Vincent Lindon), ferroviario, ex sindicalista, cría solo a sus dos hijos tras la muerte de su esposa. Louis (Stefan Crepon), el menor, avanza con éxito en sus estudios y en la vida. Fus (Benjamin Voisin), el mayor, se desvía del camino. Fascinado por la violencia y las relaciones de poder, se acerca a grupos de extrema derecha, en total contradicción con los valores de su padre. Pierre, impotente, observa cómo esas amistades van tomando control sobre su hijo. Poco a poco, el amor da paso a la incomprensión.

Mario

Dirección: Guillem Miró. País: España. Año: 2025. Duración: 90 minutos. Género: Comedia. Comedia negra. Interpretación: Gloria March, José Pérez Ocaña, Raquel Ferri, Miquel Gelabert, Daniel Bayona, Alba Pujol, Aimar Vega, Jaume Madaula. Guion: Guillem Miró, Ana Inés Fernández. Música: Raquel Sànchez. Fotografía: Juan González Guerrero, Marc Gómez del Moral. Productora: Nakamura Films, Corte y Confección de Películas, Somera Films. Distribuidora: Filmax. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: Antònia, de 38 años, organiza una fiesta sorpresa de cumpleaños a Mario, su pareja. Aunque hace unos cuantos años que están juntos, aún no conoce a sus amigos y, por alguna razón que desconoce, Mario no celebra sus cumpleaños. La familia de Antònia le adora. Mario es la pareja que todo el mundo querría tener. Es uno entre un millón. Sus amigos le idolatran. Pero tras muchos elogios, ellos empiezan a descubrir que algunas historias que Mario ha contado se contradicen y no encajan con el Mario al que todos conocen. ¿Quién es en realidad Mario? Comedia de enredo de escenario prácticamente único y rodada en valenciano.

Mi ilustrísimo amigo

Dirección: Paula Cons. País: España. Año: 2024. Duración: 80 minutos. Género: Drama. Romance. Drama romántico. Basado en hechos reales. Biográfico. Literatura. Siglo XIX. Interpretación: Lucía Veiga, Paco Déniz, Ernesto Arias, José Ramón Iglesias, Carlos Martín (III), Rafa Núñez, Jorge Llamas, Carlos Noriega. Guion: Javier Pascual. Música: Gonzalo Díaz Yerro. Fotografía: Teresa Ruano Santana. Productora: Agallas Films, Jugoplástika. Distribuidora: 39 Escalones.  Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis:En el siglo XIX, Emilia Pardo Bazán y Benito Pérez Galdós protagonizan una historia marcada por la pasión y la literatura. Emilia, pionera y valiente, desafía las normas sociales al escribir sobre temas controvertidos, mientras Benito, maestro del realismo, halla en ella inspiración y complicidad intelectual. A través de un intercambio epistolar cargado de emoción y deseo, sus cartas revelan la intensidad de un vínculo que trasciende lo literario, enfrentándose a los prejuicios de su tiempo y convirtiéndose en testimonio de un amor que desafió las convenciones establecidas.

Jesús, luz del mundo

Título original: Light of the World. Dirección: Tom Bancroft, John J. Schafer. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 84 minutos. Género: Animación. Religión. Biblia. Reparto: Animación. Guion: David M. Armstrong, Drew Barton Armstrong. Música: Alex McKenzie. Fotografía: Animación. Productora: The Salvation Poem Project. Distribuidora: European Dreams Factory.  Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: La vida de Jesús desde el punto de vista del apóstol adolescente Juan. Todo arranca en casa de los Zebedeo, donde Juan niño y su hermano Santiago escuchan historias de la Biblia, quedando bien impresa en el primero la idea de que al principio había oscuridad, y luego vino la luz, que más tarde estará presente en su evangelio. Juan es testigo de algunos abusos de los ocupantes romanos en Israel, y del escepticismo del padre pescador sobre la llegada del Mesías prometido. Pero pasado el tiempo y siendo ya adolescente, las ideas sobre ese Mesías alimentan su imaginación, igual que las de Andrés, un joven pescador. Lo que le llevará a conocer a otro Juan, el Bautista, y al hombre que señala como Mesías, Jesús, del que se hará discípulo suyo tras una pesca milagrosa.

Pezqueñín, el pequeño aventurero

Título original: Tiddler. Dirección: Alex Bain, Andy Martin. País: Reino Unido. Año: 2024. Duración: 23 minutos. Género: Animación. Cortometraje (animación). Cine familiar. Reparto: Animación. Guion: Michael Bohnenstingl. Argumento: Libro: Julia Donaldson, Axel Scheffler. Música: Terry Davies. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción  Alemania-Reino Unido-Sudáfrica; Magic Light Pictures, BBC, Red Star Animation, Triggerfish Animation, Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF). Distribuidora: Rita & Luca Films. Estreno en España: 10 de octubre de 2025. Sinopsis: Pezqueñín es un pez muy pequeñito con una gran imaginación. Cuenta historias tan increíbles que ni siquiera sus amigos del cole le creen. Pero un día, Pezqueñín logra demostrar que su imaginación puede ser un don maravilloso que puede llegar a salvar vidas. Con un estilo lleno de color, esta aventura submarina transmite valores como la confianza o la empatía. Una nueva y mágica aventura del creador de El Grúfalo. Después del éxito de clásicos como El Grúfalo o El hijo del Grúfalo, llega a los cines 

Efemérides de cine: Lisztomania

El 10 de octubre de 1975 se estrenó la película británica Lisztomania, dirigida por Ken Russell e interpretada por Roger Daltrey, Sara Kestelman, Paul Nicholas, Ringo Starr, Rick Wakeman, Fiona Lewis, Andrew Reilly. Productora: Goodtimes Enterprises, Visual Programme Systems. Duración: 103 minutos. 

Sinopsis argumental: La película muestra a franz Liszt (Daltrey), gran compositor y virtuoso pianista, como si fuera la primera estrella de rock (tiene fanáticos, escándalos y groupies). Cuando, tras un recital de piano, recibe una invitación de la princesa Caroline de San Petersburgo (Kestelman), abandona a su amante Marie d'Agout y a sus hijos e inicia una relación amorosa con la aristócrata rusa. Después de que el el Papa (Starr) desautorice su nuevo matrimonio, Liszt se convierte en Abad, y recibe una misión: exorcizar a Richard Wagner, amigo suyo y marido de su hija Cosima.

Comentario: Russell se propuso personificar el bien y el mal en la música. Liszt representa el bien: un compositor inspirado, solo interesado en su música. Por otro lado, Wagner encarna el mal ya que se lo muestra plagiando la música de Liszt y se lo vincula con el nazismo. En este sentido,la película está más relacionada con la vida de Wagner que con la vida de Liszt, pues en él se muestra el enfrentamiento entre la Iglesia Católica y Wagner (el compositor practicaba su propia religión, y en la película se lo ridiculiza adorando la figura de Superman). En Lisztomania se lo retrata como la génesis del nazismo (al morir rencarna en un zombi nazi), esto se debe a que Wagner era antisemita y a que, años después, Hitler expresaría su admiración por el compositor. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

"Nouvelle Vague” de Richard Linklater: ¿un vibrante homenaje a Godard o una reconstrucción poco imaginativa?

El director estadounidense recreó el rodaje de Al final de la escapada. Una película protagonizada por un grupo de jóvenes actores apasionantes que, sin embargo, dividió a la crítica internacional.

Michel, el matón, y Patricia, la estudiante. Aubry Dullin interpreta a Jean-Paul Belmondo, Zoey Deutch y Jean Seberg. 

Están exultantes, y nosotros también. En 1959, Jean-Luc Godard se embarcó en la aventura de su primera película, Al final de la escapada (À bout de souffle, 1960), que se estrenaría en marzo de 1960. Estaba rodeado de sus amigos de Cahiers du cinéma, que ya habían pasado de críticos a directores, como François Truffaut y Claude Chabrol. Estos chicos modernos estaban dando origen a un movimiento legendario en la historia del cine francés, la Nouvelle Vague, ¡y se lo estaban pasando genial! "¡Entremos al Panteón!", exclamó Godard. La gloria se acercaba, pero ya había alegría. Fue vibrante y contagiosa a lo largo de esta reconstrucción que, desde su inicio...

La película "The Rembrandt Syndrome en el punto de mira del lobby pronuclear: una «campaña de descrédito particularmente ofensiva"

Dos semanas después de su estreno, la película de Peter Schoeller, que retrata las dudas de un físico, se encuentra bajo presión de la asociación Les Voix du nucléaire. La Sociedad de Directores de Cine denuncia ataques cada vez más frecuentes.

Entre los defensores de la energía nuclear y la película Rembrandt (en cines desde el 24 de septiembre), que destaca sus peligros, naturalmente hay pocos puntos en común. Hasta ahora, es lógico. Salvo que, dos semanas después del estreno de este enredado thriller de espionaje, los activistas pronucleares y el director Pierre Schoeller -El ejercicio del poder (L'exercice de l'État, 2011) parecen haber superado la oposición por principios.

The Rembrandt Syndrome (Rembrandt, 2025), de Pierre Schoeller narra como Claire y Yves son una pareja de ingenieros en la industria nuclear francesa. Después de visitar la Galería Nacional, Claire desarrolla una extraña conexión emocional con las pinturas de Rembrandt y empieza a cuestionar la seguridad de los reactores EPR. Yves ya no entiende a la mujer con la que ha compartido su vida personal y profesional durante más de 20 años, pero, como ella, percibe el vago y profético presentimiento de un desastre inminente.

Jim Carrey nunca ha recibido un Oscar… pero tendrá su César honorífico en 2026

El actor norteamericano, inicialmente conocido por sus actuaciones cómicas, ha demostrado su capacidad para destacar en otros géneros, en particular en el drama. Recibirá un Premio César honorífico por su trayectoria en febrero de 2026.

David Fincher, George Clooney, Julia Roberts o el difunto Robert Redford… Los Premios César, la ceremonia que premia al cine francés, están ansiosos por celebrar a las estrellas norteamericanas. En 2026, será el turno del canadiense Jim Carrey de recibir un César honorario, durante la 51.ª edición, transmitida por televisión el 27 de febrero. Descrito como un "actor raro y visionario" por la Academia de Artes y Técnicas Cinematográficas, que organiza la ceremonia, Jim Carrey hizo su debut en el teatro, luego en la televisión, donde destacó en la serie La vida en color (In Living Color, 1990). Su carrera en Hollywood tuvo un comienzo espectacular: en 1994, a la edad de 32 años, se distinguió en tres películas que se han convertido en clásicos de culto: La máscara (The Mask), Ace Ventura, un detective diferente (Ace Ventura, Pet Detective) y, Dos tontos muy tontos (Dumb and Dumber). 

Pero el actor no ha dejado de sorprender a nadie. Si bien sus muecas y exuberancia son un éxito en papeles cómicos, también destaca en un registro más dramático, lo que le ha valido reconocimiento: con El show de Truman (The Truman Show, 1998) y Man on the Moon (1999), ganando dos Globos de Oro al mejor actor.

"Cuestionar , conmover e incluso iluminar"

Desde películas de autor como ¡Olvídate de mí! (Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004), de Michel Gondry hasta éxitos de taquilla para todos los públicos Sonic, la película (Sonic the Hedgehog, 2020), Jim Carrey ha multiplicado sus experiencias e invertido en variados campos artísticos: documentales, series, videos musicales e incluso novelas. 

¡Olvídate de mí! (2004)

Esta "versatilidad excepcional" es elogiada por la Academia, para quien el actor encarna una "audacia constante, que constantemente expande los límites del arte y la interpretación". Agregó que "su trabajo, dentro y fuera de la pantalla, nos recuerda que el cine puede ser más que entretenimiento: puede cuestionar, conmover e incluso iluminar". Ya honrado en Francia como Caballero de la Orden de las Artes y las Letras en 2010, Jim Carrey puede consolarse, con su nueva estatuilla, por no haber ganado nunca un Oscar... Y bien podría sacudir la 51.ª ceremonia de los César con su excentricidad.

¿Qué es este Comité por la Libertad de Expresión relanzado por Jane Fonda ante los ataques de Trump? (II)

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Reacción de los medios de comunicación

La historia no termina bien: de las once personas finalmente entrevistadas, diez invocaron la Primera Enmienda para negarse a responder a la pregunta "¿Sigue siendo o ha sido miembro del Partido Comunista?". Quienes serían conocidos como los "Diez de Hollywood" fueron acusados ​​de desacato y despedidos por sus empleadores. Unos meses después, fueron condenados a entre seis meses y un año de prisión.

Miembros del Comité de la Primera  Enmienda (1947) desembarcando del avión en Los Angeles, California. Los miembros eran Marsha Hunt, Shepperd Strudwick, Paul Henreid, Jane Wyatt, Sterling Hayden, Geraldine Brooks, Lauren Bacall, Danny Kaye, Humphrey Bogart, Richard Conte y Evelyn Keyes.

Mientras tanto, los miembros del Comité de la Primera Enmienda sufrían una reacción negativa de los medios , y varios de ellos cedieron a la presión de los estudios y la opinión pública y renunciaron a su compromiso. Humphrey Bogart, por ejemplo, envió un comunicado de prensa a principios de diciembre en el que afirmaba que el viaje a Washington había sido "desaconsejado, incluso insensato ". A principios de la década de 1950, el senador Joseph McCarthy retomaría la lucha contra la caza de brujas comunista, y la "Amenaza Roja" duraría varios años más.

Este decepcionante resultado no impidió que Jane Fonda, cuyo padre Henry había sido miembro, relanzara el Comité para la Primera Enmienda, en respuesta a los intentos de la administración Trump de "silenciar a los críticos en el gobierno, los medios de comunicación, el poder judicial, el mundo académico y la industria del entretenimiento". A ella se unieron otras 550 grandes figuras de la cultura estadounidense: Aaron Sorkin, Spike Lee, Barry Jenkins, JJ Abrams, Patty Jenkins, Judd Apatow, Barbra Streisand, John Legend, Janelle Monáe, Billie Eilish, Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Pedro Pascal, Natalie Portman, Ben Stiller y muchos más. En una carta abierta publicada en un sitio web específico , explicaron que "el macartismo terminó cuando los estadounidenses de todas las tendencias políticas finalmente se unieron y defendieron los principios de la Constitución contra las fuerzas represivas. Esas fuerzas han regresado. Y es nuestro turno de unirnos para defender nuestros derechos constitucionales". Y advirtieron: "Esta reforma del Comité no es una advertencia". " Es el comienzo de una lucha sostenida".

¿Qué es este Comité por la Libertad de Expresión relanzado por Jane Fonda ante los ataques de Trump? (I)

Casi cuatro décadas después, Jane Fonda y cientos de figuras de Hollywood están reformando el “Comité para la Primera Enmienda”, creado en 1947 para denunciar la censura orquestada por la administración Trump.

Septiembre de 1947, dos años después del fin de la Segunda Guerra Mundial, el ambiente político en Estados Unidos es detestable, y la caza de "Rojos", liderada en particular por el FBI de J. Edgar Hoover, está en pleno apogeo. El Comité de la Cámara de Representantes sobre Actividades Antiamericanas (HCUA) decidió, desde principios de año, investigar la influencia del Partido Comunista Estadounidense en la industria cinematográfica. Por ello, ha elaborado una lista de diecinueve figuras de Hollywood, en su mayoría guionistas, que probablemente simpatizan con él.

Lauren Bacall y Humphrey Bogard encabezaron a 20 estrellas de Hollywood en las audiencias del Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara de Representantes en Washington, DC, el 27 de octubre de 1947.

Los directores de cine John Huston, Billy Wilder y Philip Dunne decidieron protestar contra estos ataques a la "libertad política" y formaron el Comité por la Primera Enmienda en una primera reunión en casa del letrista Ira Gershwin. La actriz Myrna Loy, quien también estuvo presente, acordó financiar el grupo con 1000 dólares.

El 26 de octubre, el comité adquirió media hora de emisión en la radio ABC para alzar su voz contra esta "inquisición". Participaron cuarenta y cuatro estrellas de Hollywood, entre ellas Groucho Marx, Gene Kelly y Judy Garland. Al mismo tiempo, veintiséis de ellos, encabezados por Humphrey Bogart y Lauren Bacall, abordaron un avión de TWA con destino a Washington para asistir a las audiencias. "No me incumbe decidir quién es comunista y quién no", declaró Bogart. "Vuelo a Washington porque soy un ciudadano indignado y furioso que siente que me están quitando mis libertades civiles y que se está violando la Carta de Derechos [las diez primeras enmiendas a la Constitución de Estados Unidos]".

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Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (V)

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Las diabólicas (Les Diaboliques, 1955), de H.G. Clouzot

Michel Delassalle es el cruel director de una escuela de secundaria, propiedad de su mujer, Christina. Michel hace alarde de su amante, Nicole, una maestra de la escuela que, sin embargo, tiene una buena amistad con Christina. Cansadas las dos de sufrir los desprecios del hombre al que aman, deciden juntas zanjar de una vez esa situación. Christina decide sedarle y ambas mujeres lo ahogan en una bañera, muriendo ahogado. Su cuerpo es arrojado a la piscina abandonada de la escuela. Esa acción parece aliviarles en un principio, pero tiempo después ambas empezarán a verse como rivales, como posibles delatadoras de la acción que han llevado a cabo.

En blanco y negro, esta película francesa intenta sumergirnos en el misterioso ambiente de suspense al que Alfred Hitchcock nos tiene acostumbrados, con la mano maestra de Henri-Georges Clouzot. El tema esta vez será el de el envenenamiento de un hombre malo a cargo de su mujer y su amante, que juntas deciden deshacerse de él. La tensión no acaba ahí... Clouzot logra una historia inquietante, que años más tarde sería llevada de nuevo a la pantalla como vehículo de lucimiento para Sharon Stone.

Diez grandes películas para ver gratis antes de que abandonen las plataformas (III)

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9. Desgarradora: Soleil battant (2017), de Clara y Laura Laperrousaz 

Por las vacaciones, Gabriel e Iris regresan a su casa familiar en Portugal con sus hijas Emma y Zoe, unas gemelas irresistibles de 6 años. Entre los baños en el río y las carcajadas de sus hijas, reaparecerá el pasado de la pareja.

Una película luminosa y sensual sobre el duelo.

10. Vintage: Le farceur (1960), de Philippe de Broca

Edouard Berlon (Jean-Pierre Cassel) es un joven despreocupado e irresponsable que un día se enamora de Helene Larouch (Anouk Aimée). Aunque está casada, él decide cortejarla y en un principio ella resiste, pero acaba cediendo antes los encantos de Edouard ya que tiene cosas que su marido nunca tendrá. 

La complicidad entre Philippe de Broca y su actor, Jean-Pierre Cassel, es maravillosa. Tono original y vivaz, diálogos extraordinarios.

Efemérides de cine: Vicio de familia

El 7 de octubre de 1975 se estrenó la película italiana Vicio de familia (Il vizio di famiglia), dirigida por Mariano Laurenti e interpretada por Renzo Montagnani, Edwige Fenech, Juliette Mayniel, Susan Scott, Gigi Ballista, Orchidea de Santis, Roberto Pace, Anna Melita. Productora: Flora Film. Duración: 90 minutos. 

Sinopsis argumental: Magda, viuda, decide darle trabajo a Giacomo como mayordomo cuando este sale de prisión pero además le hace el encargo de que debe seducir a su cuñada por temas de herencia. Las diferentes intentonas de Giacomo no surten efecto ya que la chica es la amante del hijo pequeño de Magda. Para colmo de males se presenta en casa Susi, la hija del conde que deshace los planes de todos...

Comentario: Atrevida y divertida incorporación al género de la comedia sexy all'italiana, con una buena dosis de humor picante y una trama divertida. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Simone Signoret en sus mejores películas y otros tantos papeles inolvidables (IV)

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Teresa Raquin (Thérèse Raquin (The Adultress), 1953), de Marcel Carné

Este drama,habla de lo difícil que es, a veces, asumir para una hija lo que su madre le impone. En la ciudad de Lyon vive Teresa Raquin (Simone Signoret) junto a su marido Camille (Jacques Duby), con quien pasa los días marchitándose por dentro. Ella ha nacido para llevar a cabo este cometido, casarse y seguir una vida rutinaria y austera como la que ha vivido su madre. Sin embargo, todo aparece de repente vivaz e interesante cuando Teresa conoce a Laurent (Raf Vallone), un atractivo camionero italiano que tan sólo está de paso por la ciudad. Ambos deciden perseguir, dar rienda suelta a aquello que sienten, siendo la madre de Teresa la responsable de evitar que este romance siga hacia adelante. A raíz de las exigencias de ésta surgen en Teresa diversas opciones en cuanto a la huida se refiere, creando una situación de mentira y conflicto que llevará a la joven hacia momentos de verdadera angustia y frustración.

Magnífica adaptación de la novela de Émile Zola a cargo de Marcel Carné, que sabe captar los matices de unos personajes atrapados por las circunstancias sociales y marcados por el fatalismo, que se dirían carentes de libertad para labrarse su propio destino. Impregna la narración un aire tristón, donde lo que se supone que es esperanza deviene en puro espejismo. Gran trabajo de los actores, especialmente de Simone Signoret, Raf Vallone y de Jacques Duby.

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