Festival de Cine de Cannes: clasificamos a las ganadoras de la Palma de Oro (X)

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63. Bailando en la oscuridad (Dancer in the Dark, 2000), de Lars von Trier

Género: Drama y música

Una película musical dolorosa y lacrimógena. Una comedia musical un poco como Dogma, con Björk como santa y mártir. Hay quince minutos de bravura coreográfica, pero la película, a menudo aburrida, dura dos horas y veinte minutos. La prensa danesa de la época lo consideró  "pornografía sentimental". 

64. El pagador de promesas (O Pagador de Promessas, 1962), de Anselmo Duarte 

Género: Brasil en el punto de mira

Esta crónica de la intolerancia religiosa en Bahía merece la pena ser leída como testimonio de la sociedad brasileña en la década de 1960. Si dejamos de lado cierto academicismo en la puesta en escena, Anselmo Duarte no es ningún Glauber Rocha.

65. La eternidad y un día (Mia aioniotita kai mia mera, 1998), de Theo Angelopoulos 

Género: Sueño

"La Palma duerme", tituló sutilmente Libération al día siguiente de la ceremonia de entrega de premios en el Festival de Cine de Cannes de 1998. No mejor... O tal vez, sí, esta ingeniosa observación de Woody Allen: "La eternidad es larga, especialmente hacia el final". 

66. Dheepan (2015), de Jacques Audiard

Género: Los clichés de una ciudad

Jacques Audiard había querido reinventarse con esta crónica del exilio de tres esrilanqueses en una ciudad de Francia. Pero incluso hoy, el cambio hacia la ultraviolencia propia de las películas de acción resulta desconcertante. Y el final de la película aún más...

67. Crónica de los años de fuego (Ahdat sanawovach el-djamr, 1975), de Mohammed Lakhdar-Amina

Género: Lección de historia

El viaje de un joven argelino, desde la Segunda Guerra Mundial hasta la lucha por la independencia. Esta película épica convirtió a su autor en una figura casi intocable del cine argelino gracias a su Palma de Oro, muy generosa dado el fuerte didáctico del guión.

68. El mundo del silencio (Le monde du silence, 1956), de Jacques-Yves Cousteau y Louis Malle

Género: Como pez en el agua

En 1956, las imágenes del fondo marino recogidas por el comandante de la gorra roja y el joven Louis Malle fueron inéditas y, por tanto, impresionantes. Desde entonces, hemos visto documentales submarinos mucho más espectaculares.

69. Marty (1955), de Delbert Mann

Género: Una historia (demasiado) simple

Marty, un viejo soltero de apariencia poco atractiva (Ernest Borgnine), se enamora de una joven tímida y cohibida. Esta sencilla historia sobre gente común fue un gran éxito. También es lícito encontrarla sencilla.

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“Mountainhead”, en Max: ¿Cuál es el valor de la primera película de Jesse Armstrong, creador de la serie “Succession”?

En lo alto de la montaña, se encuentran cuatro magnates tecnológicos en su burbuja, en un contexto de caos global causado por su IA... Con esta agradable comedia satírica, aunque ligeramente conversacional, Jesse Armstrong vuelve a apuntar a los poderosos.

Mountainhead (2025) es esa semblanza de búnker olímpico, una amalgama de lujo discreto y sobrio con gigantismo pretencioso, enclavado en las alturas de prístinas montañas. Un humilde piso de soltero, en el que un multimillonario (Jason Schwartzman, impecable) recibe a tres de sus compañeros multimillonarios (Steve Carell, Cory Michael Smith y Ramy Youssef, también soberbios). Una cumbre que saldrá mal.

Tras el éxito de Succession (2018-2023), una serie que exploró las aventuras shakespearianas de una familia al frente de un conglomerado de medios, su creador Jesse Armstrong aborda el mundo de la tecnología, nuevamente para HBO (Max) y todavía con el mismo tono mordaz.

Muere Mariano Ozores a los 98 años: El director de comedias por el que 'Star Wars' retrasó su estrenó en España

El cineasta detrás de títulos como Los bingueros y Yo hice a Roque III ha fallecido en su casa de Madrid.

El director y guionista Mariano Ozores ha fallecido a los 98 años. La Academia de Cine ha anunciado la noticia, informando de que el cineasta, tío de las actrices Adriana y Emma Ozores, ha muerto en su domicilio de Madrid. El director firmó 96 películas a lo largo de su carrera con las que buscó hacer reír a los españoles aunque la crítica (izquierdosa y muy sabia, en oposición a lo que opinaba el público), nunca estuvo de su lado.

Nacido en Madrid en 1926 e hijo de actores de teatro, comenzó en el mundo del cine en 1952 cuando Benito Perojo le contrata para escribir el guion de ¡Che, qué loco! (1953). Los amantes del desierto (1957), Susana y yo (1957) y La noche y el alba (1958) son otros de sus primeros proyectos en el cine.

El debut de Ozores como director llega con Las dos y media y... veneno (1959), que contó en su elenco principal con sus dos hermanos Antonio y José Luis Ozores y su cuñada Elisa Montés.

Elisa Montés y Antonio Ozores en Las dos y media... y veneno (1959)

El cineasta, el segundo español con más películas a su nombre, rodó en 1982 seis películas: Padre no hay más que dos, Cristóbal Colón de oficio... descubridor, El primer divorcio, Todos al suelo, El hijo del cura y ¡Qué vienen los socialistas!

Ozores siempre buscaba con sus proyectos conectar con el público y su política era "vamos a divertirnos un rato y, de paso, hacemos una película". El director trabajó con actores como José Luis López Vázquez, Alfredo Landa, Concha Velasco, Lina Morgan y José Sacristán.

El dúo más famoso de su carrera es el de Fernando Esteso y Andrés Pajares que, coincidiendo con el destape, llevó al cine éxitos como Los bingueros (1979) y Yo hice a Roque III (1980). Ozores fue uno de los directores más taquilleros de la historia de España y sus películas fueron vistas por unos 90 millones de personas. Tenía tanto éxito que incluso Star Wars: El Imperio Contraataca (1980) retrasó su estreno dos semanas en nuestro país para no competir con el trío Ozores-Esteso-Pajares.

En 2016 fue galardonado con el Goya de Honor. “Hay un ente extraño y misterioso al que debo todo lo que soy y todo lo que he conseguido, por eso este Goya también pertenece al público, al respetable público”, dijo en su discurso.

Festival de Cine de Cannes: clasificamos a las ganadoras de la Palma de Oro (IX)

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56. La clase obrera va al paraíso (La classe operaia va in paradiso, 1971), de Elio Petri

Género: Agitación y propaganda

Un obrero “modelo” descubre poco a poco su conciencia de clase. Las escenas de comedia italiana un tanto torpes y el erotismo propio de los años 1970 de la película han envejecido mal. Pero el mensaje político de Petri es más sutil, y por tanto más interesante, de lo que parece.

57. La balada de Narayama (Narayama Bushi-ko, 1983), de Shohei Imamura 

Género: Leyenda campesina

En el Japón de finales del siglo XIX , la tradición dicta que los ancianos del pueblo son abandonados en la cima de una montaña para morir. Imamura, como suele hacer, ha cantado un himno a la vida y al sexo, pero, por una vez, ha suavizado su tono (lo conocemos por ser más mordaz...). 

58. If...., (1968), de Lindsay Anderson 

Género: Conducta Cero

La sofocante vida cotidiana de un colegio londinense, donde los estudiantes están sometidos al sadismo de sus profesores y sus mayores. Medio siglo después, los efectos provocadores de esta revuelta "al estilo inglés" de 1968 han envejecido un poco.

59. Adiós a mi concubina (Ba wang bie ji, 1993), de Chen Kaige 

Género: Epopeya histórica

El ascenso y la caída de dos amigos de la infancia que se convirtieron en estrellas de la Ópera de Pekín en la década de 1930. La primera hora es extraordinaria en su belleza y violencia. Es una pena que la secuela sea más convencional.

60. El knack… y cómo lograrlo (The Knack ... and How to Get It, 1965), de Richard Lester

Género: Comedia absurda

El "knack" es lo que hay que tener para conseguir chicas en la línea de producción... Un compendio pop ideal tejido por el cineasta oficial de los Beatles, en total armonía con su época (los "swinging sixties"), pero un tanto anticuado.

61. Pelle el Conquistador (Pelle erobreren, 1968), de Bille August

Género: Saga desenfadada

A finales del siglo XIX , un anciano sueco y su hijo pequeño huyeron a Dinamarca. Una saga romántica adaptada de un monumento de la literatura danesa, vagamente académica pero no desagradable. De ahí a concederle la Palma de Oro...

62. Fahrenheit 9/11 (2004), de Michael Moore

Género: Documental crítico

Las políticas "criminales" de la administración de George W. Bush son criticadas en un docu-espectáculo ligeramente demagógico con muchas risas, un poco de patetismo y mucha acción. El cine de Michael Moore no tolera los tiempos de inactividad, ni siquiera si estos se asemejan a un zapping salvaje.

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Películas de la semana: 3 de junio

Una noche sin saber nada

Título original: A Night of Knowing Nothing. Dirección: Payal Kapadia. País: India. Año: 2021. Duración: 95 minutos. Género: Documental. Reparto: Documental, Voz: Bhumisuta DasVoz. Guion: Payal Kapadia, Himanshu Prajapati. Fotografía: Ranabir Das. Productora: Coproducción India-Francia; Petit Chaos. Premios y nominaciones: Oeil d’Or al Mejor Documental en la Quincena de Realizadores de Cannes 2021. Estreno en España: 3 de junio de 2025. Sinopsis: L, una estudiante universitaria en la India, escribe cartas a su amante de quien se separó, mientras él está fuera. A través de estas cartas, vislumbramos los drásticos cambios que se están produciendo a su alrededor. Fusionando la realidad con la ficción, los sueños, los recuerdos, las fantasías y las ansiedades, se despliega una narrativa amorfa. Estas cartas acaban convirtiéndose en un espejo de las transformaciones personales y sociales, capturando la fragilidad y el poder del amor en un entorno en constante evolución

Estrenos de cine para ver en casa (IV)

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16. Novocaine (2025), de Dan Berk y Robert Olsen

Un hombre introvertido y apacible nace con un extraño trastorno genético que le hace inmune al dolor físico. Cuando su nueva pareja es tomada como rehén en el atraco a un banco, su aflicción se convierte en su superpoder. Disponible para alquilar o comprar. 

17. Opus (2025), de Mark Anthony Green

Un escritor viaja al complejo de un ícono del pop que desapareció hace años. Rodeada de su secta de aduladores y de un grupo de colegas periodistas, pronto descubre sus retorcidos planes para la reunión. Disponible para alquilar o comprar. 

18. Paddington: Aventura en la selva (Paddington in Peru: Lost in The Jungle, 2024), de Dougal Wilson

Paddington y la familia Brown visitan a la tía Lucy en Perú, pero un misterio los envía a la selva amazónica y a las montañas peruanas. Disponible para alquilar o comprar. 

19. A Complete Unknown (2024), de James Mangold

En 1961, un desconocido de 19 años llamado Bob Dylan llegó a Nueva York sólo con su guitarra. Conoció a iconos de la música folk y pronto se hizo notar por su talento. Streaming en Apple+, Amazon Prime Video...

20. Y2K (2024), de Kyle Mooney

Dos "don nadie" del colegio toman la decisión de colarse en la última celebración antes del nuevo milenio en la Nochevieja de 1999. La noche se vuelve aún más loca de lo que jamás podrían haber soñado cuando el reloj marca la medianoche. Streaming en Max.

Festival de Cine de Cannes: clasificamos a las ganadoras de la Palma de Oro (VIII)

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49. El hombre de hierro (Czlowiek z zelaza, 1981), de Andrzej Wajda

Género: Historia viva

Era la época de las Palmas "políticas", y el premio supremo otorgado a esta oda a Solidaridad unos meses antes del establecimiento del estado de sitio en Polonia fue un verdadero mensaje de apoyo a la resistencia anticomunista. La película se rodó con prisas, lo que dio lugar a escenas a veces desordenadas.

50. Amor (Amour (Love), 2012), de Michael Haneke

Género: Un hombre y una mujer

Los últimos meses de una pareja octogenaria (Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva) devastada por la enfermedad. Por una vez, Haneke es casi "amable". Pero lo preferimos cuando es malo.

51. La conversación (The Conversation, 1974), de Francis Ford Coppola

Género: Una sociedad bajo vigilancia

Una reflexión sobre la apariencia (como Blow-Up, de Antonioni) y sus trampas. Y también, en medio de Watergate, una inquietante inmersión en la paranoia de un individuo y una nación. Quizás sea mucho para una sola película, ciertamente brillante, pero demasiado teórica y fría.

52. Anora (2024), de Sean Baker

Género: Cenicienta moderna

Una escort de Brooklyn seduce al hijo de un oligarca ruso, quien inmediatamente envía a sus secuaces tras ella. La sorpresiva ganadora de la Palma de Oro de 2024 es una comedia social desigual, pero llevada adelante por una joven actriz deslumbrante, Mikey Madison, quien merecidamente ganó su Oscar nueve meses después.

53. El árbol de la vida (The Tree of Life, 2011), de Terrence Malick

Género: Cine universal

La primera parte, íntima, es deslumbrante. La secuela, por desgracia, en forma de espectáculo de luz y sonido con voz en off de profesor, anuncia la segunda parte de la carrera de Malick, con su misticismo ligeramente grandilocuente.

54. Secretos y mentiras (Secrets and Lies, 1996), de Mike Leigh

Género: Melodrama social

El reencuentro de una joven burguesa negra, abandonada al nacer, y su madre, blanca, pobre y perdida. Puro Mike Leigh, lleno de sinceridad, entre risas y lágrimas, pero menor: Indefenso (Naked), ganadora del premio a mejor director tres años antes en Cannes, fue mucho más fuerte.

55. Un hombre y una mujer (Un homme et une femme, 1966), de Claude Lelouch

Género: Chabadabada

Una historia de amor pura entre dos personas heridas por la vida y reacias a afrontarla de nuevo. El mayor éxito de Lelouch es virtuoso hasta el punto de marear, pero también romántico hasta el punto de irritar.

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Colours of Time, de Cédric Klapisch: “¡Esta película es un poco como un festival de bebés nepo!”

El jueves 22 de mayo de 2025, un tal Cédric Klapisch, de 63 años, "debutó" en la Croisette al presentar, por primera vez en su carrera, una película fuera de competición y que se estrenó simultáneamente en las salas. En Colours of Time (La venue de l’avenir, 2025), cuatro primos lejanos se encuentran en la notaría porque acaban de heredar una casa en ruinas en la campiña normanda. Luego descubrirán tesoros ocultos, la historia de su antepasada, Adèle ( Suzanne Lindon , en el papel principal) y una misteriosa pintura impresionista. Esta búsqueda del tiempo perdido nos lleva a un viaje entre finales del siglo XIX y la actualidad, y cuestiona los vínculos entre dos generaciones separadas por ciento treinta años.

Siguiendo esta lógica, el director recurre a dos generaciones de actores en su casting. La famosa gran familia del cine con la "vieja guardia", su círculo de fieles seguidores (Cécile de France , Zinedine Soualem, Vincent Macaigne) y los jóvenes talentos (es decir, los actores del momento: Suzanne Lindon, Paul Kircher , Vassili Schneider, Julia Piaton, etc.). "Esta película es un poco como un festival de 'bebés nepo'", observa Samuel Douhaire. Lo cual no pone en duda en absoluto su talento, son todos realmente buenos. 

Una treintena de personas de una misma familia se enteran de que van a heredar una casa que lleva años abandonada. Cuatro de ellos, Seb, Abdel, Céline y Guy, son los encargados de hacer el balance de la situación. Estos "primos" lejanos descubrirán entonces tesoros escondidos en esta vieja casa. Se encontrarán tras la pista de una misteriosa mujer llamada Adèle, que abandonó su Normandía natal a los 20 años.

Estrenos de cine para ver en casa (III)

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11. The Brutalist (2024), de Brady Corbet

Cuando el visionario arquitecto László Toth y su esposa Erzsébet huyen de la Europa de posguerra en 1947 para reconstruir su legado y ver el nacimiento de la América moderna, sus vidas cambian a causa de un misterioso y adinerado cliente. Streaming en Max. 

12. Capitán América: Brave New World (2025), de Julius Onah

Tras reunirse con el recién elegido presidente de Estados Unidos Thaddeus Ross (Harrison Ford), Sam se encuentra en medio de un incidente internacional. Debe descubrir la razón detrás de un nefasto complot global antes de que la verdadera mente maestra tenga al mundo entero viendo rojo. Cuarta película de la franquicia del Capitán América. Streaming en Disney+, a partir del 28 de mayo de 2025 y disponible tamabié para alquilar o comparar. 

13. La acompañante (Companion, 2025), de Drew Hancock

La muerte de un multimillonario desencadena una serie de acontecimientos para Iris y sus amigos durante un viaje de fin de semana a su finca junto al lago. Streaming en Max.

14. One of Them Days (2025), de Lawrence Lamont

Cuando Dreux y Alyssa, mejores amigos y compañeros de habitación, descubren que el novio de Alyssa se ha gastado el dinero del alquiler, se ven obligados a hacer todo lo posible para evitar el desalojo y mantener intacta su amistad. Streaming en Netflix.

15. On Becoming a Guinea Fowl (2024), de Rungano Nyon

En una carretera vacía en mitad de la noche, Shula tropieza con el cadáver de su tío. A medida que el funeral comienza a su alrededor, ella y sus primos sacan a la luz los secretos enterrados de su familia zambiana de clase media. Una comedia dramática que explora las relaciones humanas en Zambia y Guinea. Disponible para alquilar o comprar. 

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Festival de Cine de Cannes: clasificamos a las ganadoras de la Palma de Oro (VII)

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42. Padre patrón (Padre padrone) (Padre Padrone, 1977), de Paolo Taviani y Vittorio Taviani 

Género: Crónica rural

El presidente del jurado, Roberto Rossellini, prefirió esta película cruda, pero también idealista y militante a la más glamurosa Una jornada particular (Una giornata particolare), de Ettore Scola con Sofia Loren y Mastroianni. La austeridad de la familia Taviani magnifica este conmovedor manifiesto con un sabor a conocimiento.

43. La clase (Entre los mures, 2008), de Laurent Cantet 

Género: Una escuela para todos

François, un profesor de francés en un instituto difícil de París, vuelve al colegio. En la agenda: la vida a nivel de clase, democráticamente agitada. Un laboratorio de educación ciudadana y cine contemporáneo que sigue teniendo gran vigencia hoy en día. 

44. Underground (1995), de Emir Kusturica

Género: Historia paralela

En Belgrado, desde 1941, los combatientes de la resistencia antinazi han estado encerrados en un sótano, cautivos por uno de los suyos. Bajo la farsa y lo grotesco, una hermosa reflexión sobre las problemáticas relaciones entre el cine y la historia, el arte y la verdad. Desde entonces, el talento de Kusturica se ha desviado un poco.

45. El tambor de hojalata (Die Blechtrommel, 1979), de Volker Schlöndorff

Género: Fábula histórica

El ascenso del nazismo y la guerra vistos a través de los ojos de un niño que se niega a crecer. Basada en Günter Grass, una poderosa fábula metafórica, pero un poco demasiado demostrativa en su descripción alegórica de acontecimientos políticos.

46. La anguila (Unagi, 1997), de Shôhei Imamura (1997)

Género: Poética del vacío

Entre la impotencia y la soledad, la vida vacía y absurda de un hombre, liberado de prisión tras apuñalar a su esposa y al amante de ésta. Una película sorprendentemente sabia, incluso fluida, del director de Vengeance is Mine (2021), aunque su visión de la sociedad japonesa resulta cautivadora.

47. El camino (Yol, 1982), de Yilmaz Güney y Serif Gören 

Género: libertad condicional

Cinco presos comunes, en permiso especial, visitan a sus familias. Una película comprometida con la oposición a la dictadura militar, pero donde el mensaje político, un poco enfático, no impide que sea romántica.

48. Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas (Lung Boonmee raluek chat, 2010), de Apichatpong Weerasethakul 

Género: Paraíso tropical

En su finca en medio de la jungla tailandesa, un hombre enfermo ve cómo los fantasmas de sus familiares fallecidos vienen a él y viaja a través de sus vidas pasadas. Como suele suceder con el cine misterioso y sofisticado de Weerasethakul, o es un éxito o un fracaso: o quedas fascinado o el tiempo se te hace eterno.

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Hace 100 años: The Drug Store Cowboy

El 1 de junio de 1925 se estrenó la película estadounidense The Drug Store Cowboy, dirigida por Park Frame e interpretada por Franklyn Farnum, Robert Walker, Jean Arthur, Malcolm Denny, Ronald Goetz, Dick La Reno, Gary Cooper, Cammilla Johnson. Productora: Independent Pictures Corporation. Duración: 50 minutos. 

Sinopsis argumental: Mortimer Grandon, dependiente de una farmacia, ambiciona entrar en el mundo del cine. Viaja a las instalaciones de la compañía en un vagón de carga y se ve obligado a cambiarse de ropa con un forajido. Entra por casualidad en la compañía haciendo escenas y se involucra en una pelea a puñetazos. Finalmente, sale victorioso y consigue la mano de la protagonista.

Comentario: Película muda que mezcla el western, la comedia y el melodrama. Cuenta con la presencia de Garu Cooper en un papel sin acreditar. 

Hace 100 años: Are Parents People?

El 1 de junio de 1925 se estrenó la película estadounidense Are Parents People?, dirigida por Malcolm St. Clair e interpretada por Betty Bronson, Florence Vidor, Adolphe Menjou, George Béranger, Lawrence Gray, Mary Beth Milford, Emily Fitzroy, William Courtright. Productora: Famous Players-Lasky Corporation. Duración: 60 minutos. 

Sinopsis argumental: Los padres de Lita se divorcian por incompatibilidad y ambos quieren que los acompañe a Europa o Nevada. Sin embargo, Lita se entera por el joven doctor Dacer, quien parece interesado en Lisa, de que sus padres siguen enamorados. Ella asume la culpa de una amiga del internado, quien se cree que tuvo una aventura con el actor Maurice Mansfield, y es expulsada. Sus padres se interesan tanto por su bienestar que ahora tienen un interés mutuo y se reconcilian. Luego, se enteran de que Lita fue expulsada por las travesuras de otra joven.
Comentario: La película se basa en una historia de Alice Duer Miller que apareció por primera vez en The Saturday Evening Post (5 de mayo de 1923). Sobrevive en una copia de 16 mm. 

Cannes 2025: “Alpha” de Julia Ducournau, intoxicada por su exceso melodramático

La directora de Crudo (Grave, 2016) y Titane (2021) imagina un mundo donde la familia se convierte en una droga dura. Pero sus excesos sangrientos, que una vez nos sedujeron, lamentablemente nos ofrecen un escenario fácil, lleno de patetismo.

Julia Ducournau siempre decía que hacía películas de amor y que nadie le creía. Con Alpha, su tercer largometraje, el mensaje quedará captado por toda la fuerza con la que se transmite. El amor desbordante es el de una madre soltera (Golshifteh Farahani) por su hija de 13 años, la astuta Alpha (Mélissa Boros), y por su hermano, Amin (Tahar Rahim), un drogadicto viviente con un agujero en el brazo por las inyecciones. Esta madre, médico del hospital, descubre un día un tatuaje en el brazo izquierdo de Alpha, que se hizo una noche de fiesta salvaje. Mamá inmediatamente entra en pánico: ¿estaba limpia la aguja? Porque ahora, una terrible epidemia de un virus mortal está causando estragos, transformando a los humanos en zombis jaspeados (la única idea visual agradable), que exhalan pequeñas nubes de vapor en su último aliento. El hospital donde trabaja la madre está desbordado y tiene poco personal. En la escuela secundaria Alpha, todos se asustan al ver incluso la más mínima gota de sangre. A la espera de los resultados de una prueba de detección, se considera que la joven está afectada por la peste.

Alpha se inspira en el SIDA y el Covid, pero se mantiene fiel a la parábola atemporal, ambientada en una época sin teléfonos inteligentes. Lo que es seguro, sin embargo, es la adicción de Amin, que, según él, cuando vuelve a casa intenta dejar. Su tez pálida, no es más que piel y huesos, y asusta a Alpha, quien se ve obligada a compartir su habitación con él. Idea divertida de la madre. Comienzo de la monstruosidad.

Mucha comodidad, poca inventiva

Amor tóxico, malsano y perverso. Rápidamente entendemos la metáfora: la familia como una droga, un subidón intenso, un factor terrible en la adicción. El capullo doméstico se convierte en una camisa de fuerza, el hermano y la hermana se asfixian bajo las creencias de su entorno bereber original: la abuela cree en un mal, el "viento rojo", que se apodera de los cuerpos. Todo esto, por desgracia, sirve para crear una historia llena de patetismo y complaciente con el sufrimiento. El gore excesivo, el delirio orgánico y sensorial que el autor de estas líneas apreciaba en Crudo y Titane (una película que había dividido fuertemente a la crítica) se han convertido aquí en un melodrama mucho menos inspirado. El fondo es negro y serio; el guion innecesariamente complicado; la forma, llamativa según se opine. 

Hablando de familia, Ducournau también menciona la juventud, la de la “generación Alfa” (nacidos entre 2010 y 2020). A la que ella ve como sacrificada, abandonada, en una época que cura y mata al mismo tiempo: la jeringa, tanto del drogadicto como del médico, está plantada aquí como un cuchillo. Pero en todos estos temas que pasa por alto, dice demasiado o no lo suficiente. Luego está el caso de Tahar Rahim, muy delgado, menos "irreconocible que "reconocible" como claro candidato al premio al mejor actor. 

Los misterios del "Dossier 137 (2025)" de Dominik Moll

Después de La noche del 12 (La Nuit du 12, 2022), Dominik Moll presenta una nueva película en competición en el mundo policial. Entre las palabras de los chalecos amarillos y las tensiones en el IGPN (Inspección General de la Policía Nacional, responsable de los asuntos internos), un ejercicio de tira y afloja. 

Cuando nos alejamos de los éxitos del Festival de Cannes y luego de la ceremonia de los César (seis premios, incluidos mejor película y mejor director), ¿adónde podemos ir? ¿Qué camino debes tomar para mantener el ritmo? Dominik Moll , que ha vivido altibajos, destellos de brillantez y desvíos desde el triunfo de Harry, un amigo que quiere lo mejor para él en el año 2000, no se ha apresurado a reflexionar sobre ello. No tenía nada en sus cajones, ningún guion sin terminar, no era el tipo de casa. Tras el éxito de La noche del 12 en 2022, simplemente retoma el hilo de una conversación que no se detiene con su alter ego guionista, Gilles Marchand, un cómplice de larga data con el que viaja desde sus clases en el IDHEC (Institut des Hautes Études Cinématographiques) donde formaron un grupo ingenioso y compartido con Laurent Cantet, Vincent Dietschy, Robin Campillo ... Los primeros intercambios son nebulosos, los deseos dispersos, los pensamientos flotan en las grandes alturas.

Dominik Moll cree que quizá haya llegado el momento de dar rienda suelta a su pasión por la "naturaleza y los grandes espacios abiertos". Gilles Marchand le habla de Les Grands cerfs, un cómic adaptado de la novela de Claudie Hunzinger, descrito en su lanzamiento como un "thriller de bosque". La acción se desarrolla lejos de todo, en lo profundo de los Vosgos, a menudo de noche, alrededor de una granja remota. La atmósfera espeluznante y la abundancia de detalles sobre los ciervos seguramente complacerán al cineasta amante de la ciencia. También piensa en el libro de un biólogo estadounidense que siguió la migración de los halcones peregrinos con transmisores caseros, desde Texas hasta Alaska, a bordo de un viejo biplano pilotado por un veterano de la Segunda Guerra Mundial. Ligeras ráfagas de viento bajo las calaveras, los decorados bailan un vals, una idea persigue a otra. Y así nos encontramos bajo tierra, dieciocho meses después de los César, a principios del invierno pasado, en la línea 13 del metro de París, en dirección a Saint-Ouen, en la periferia norte, donde se desarrolló durante dos semanas el rodaje de la nueva película, Dossier 137, escrita de un tirón. Detrás de una fachada de vidrio esmerilado, en el último piso de un edificio de oficinas.

En una maraña de pasillos dejados libres por una antigua start-up, Dominik Moll ha hecho recrear las dependencias de la policía nacional. Después de haber recorrido el campo, regresó con naturalidad, con Gilles Marchand, a un terreno que linda con La noche del 12. Las habitaciones son estrechas, los ordenadores rodeados de expedientes entreabiertos, papeles y objetos dispares, tazas azules, blancas y rojas, chalecos antibalas y... pistolas de agua. El día comienza a las 8 de la mañana, con una reunión falsamente relajada entre investigadores de un servicio muy específico, el IGPN, la "policía de la policía". "La noche del 12  me dio el gusto de explorar cómo funciona la institución", dice el cineasta . La inmersión me hizo querer seguir rascándome. Los investigadores del IGPN lo habían intrigado durante mucho tiempo y le parecía que habían recibido poca atención en libros y películas. O, rápidamente, en forma de clichés y pintorescas evocaciones de los "policías corruptos". " En una sociedad en tensión donde se habla mucho de la violencia policial", continúa, "su papel regulador es crucial y su posición singularmente incómoda". Investigan a compañeros que los consideran traidores, y son criticados por medios de comunicación y abogados que los acusan de ser complacientes con los policías incriminados.  "Todo es complejo, los fallos están en todas partes, las opiniones cambian, el drama surge constantemente, el material para una película bajo tensión".

En la oficina de la investigadora principal, interpretada por Léa Drucker, las imágenes de las protestas de los chalecos amarillos se desplazan, o se congelan, en las pantallas de las computadoras. La atención se centra, las opiniones están divididas y todos los planes son diseccionados. La IGPN que filma Dominik Moll no investiga la corrupción sino la aplicación de la ley. Estos casos son los más complejos, los más controvertidos y los más vinculados al funcionamiento de nuestra democracia. Profundizan en los misterios de la profesión, su misión y sus dificultades, su relación con la autoridad pública, sus excesos de fuerza y ​​su reservorio de debilidades profundamente humanas. Dominik Moll probablemente no habría hecho nada si no hubiera podido, como en La noche del 12, pasar una semana inmerso en los servicios del IGPN cuando éste estaba dirigido por un magistrado que quería hacerlo menos opaco. Pudo asistir a las audiencias policiales en el momento de las manifestaciones eléctricas contra la reforma de las pensiones y escuchar a los investigadores explicar su trabajo o compartir sus sentimientos. “Cuando leí el guión, me invadió una emoción que no esperaba”, dice Léa Drucker. Me conmovió profundamente el sufrimiento de esta mujer que se encontró transferida al IGPN como una oportunidad profesional (las vocaciones son raras) y que se sintió rechazada por sus antiguos colegas y poco valorada por el exterior. Ella proviene del mismo contexto que los manifestantes que son víctimas de la violencia que ella enfrenta, atrapada entre sus orígenes y el ejercicio de su profesión."