Cien años de cine y acrobacias con Buster Keaton, “el aristócrata de la caída” (V)

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“Todos los gags se derivan de las leyes del espacio y el tiempo”, afirmó Buster Keaton. “Una buena escena de comedia contiene más cálculos matemáticos que un libro de mecánica”. Pero los cálculos se despliegan ante nuestros ojos con tal rapidez que olvidamos la secuencia de eventos posteriores, viendo solo el deslumbrante y surrealista conjunto de consecuencias. Somos como los estudiantes desconcertados, y algo abrumados, de un profesor de geometría espacial impresionante.

Buster Keaton y Ernest Torrence en El héroe del río (1928)

Esta precisión matemática no excluye la poesía. Al contrario, la enriquece. Al releer las películas de Buster Keaton, una vez superada la sorpresa cómica inicial, podemos apreciar profundamente el refinamiento de un arte que, como dice Judith Erèbe, “alcanza lo absoluto mediante la simplificación”.

Buster Keaton y Anita Page en Free and Easy (1930)

Sus películas, cuya única ambición era hacernos reír, nos brindan una sensación de asombro aún más pura por ser espontáneas. La belleza está ahí, en el corazón de la eficiencia y la precisión. La poesía, como en el caso de los grandes maestros de la pantalla —Murnau, Mizoguchi—, se asienta en la neutralidad y la indiferencia. La pequeña figura de Buster Keaton se sitúa con frecuencia frente a grandiosos escenarios naturales. La relación del hombre con las montañas, las llanuras, el bosque, parece trivial, pero al mismo tiempo, es su movimiento el que nos revela estas bellezas y nos permite apreciarlas en toda su extensión.

Buster Keaton en Nothing But Pleasure (1940)

Desde 1930, con la llegada del cine sonoro, Buster Keaton nunca volvió a encontrar los medios para ejercer plenamente su arte, aunque apareció en diversas obras de esa década y en las dos siguientes. Ciertamente, podría haberse adaptado al cine sonoro, como Charlie Chaplin. Pero carecía de la independencia financiera que le permitió a Chaplin continuar su carrera. A pesar de que afirmó que el período creativo de un comediante no supera los cuatro o cinco años.

Buster Keaton en El crepúsculo de los dioses (1950)

Volvimos a ver su figura desvanecida en El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950) y en Candilejas (Limelight, 1952), Charles de Chaplin.

Buster Keaton y Charles Chaplin en Candilejas (1952)

Sin duda alguna, podemos considerarle no solo el mejor cómico del cine mudo sino el mejor cómico de la historia del cine, además de ser uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. Valga este breve homenaje para recordarle y reconocer su gran valía.

Cien años de cine y acrobacias con Buster Keaton, “el aristócrata de la caída” (IV)

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Uno bien podría preguntarse: "¿Qué impulsa a Buster Keaton?". Y entonces, descubre que su maravillosa concentración física y mental solo se justifica en sí misma. Todo el absurdo y la dignidad de la condición humana aparecen simultáneamente en sus esfuerzos, a la vez ridículos y necesarios, inútiles y eficaces, cómicos y nobles. Buster Keaton es el primer hombre en la aurora de los tiempos. No tiene ideas preconcebidas. Su mirada está libre de toda premeditación. Actúa, fracasa, lo vuelve a intentar. Solo unos pocos parpadeos, que sin duda valen más que muchos gritos de asombro, delatan la intensidad de su pensamiento.

El maquinista de La General (1926)

Buster Keaton, el director, se centró en su trabajo con la misma tenacidad que Buster Keaton, el actor. Ambos compartían también su pasión por la mecánica. “La antesala de su bungalow en la Metro-Goldwyn Mayer estaba llena, según André Martin, de extraños y vergonzosos artilugios construidos con materiales de Mecano: cascanueces, máquinas expendedoras de cigarrillos, que él intentaba mejorar constantemente”.

Marion Mack y Buster Keaton en El maquinista de La General (1926)

Un impresionante profesor de geometría en el espacio

Del mismo modo, perfeccionaba constantemente sus gags. En El maquinista de La General (The General, 1926), se encuentra solo al frente de su locomotora. El enemigo ha colocado un pesado tablón sobre las vías para descarrilar su tren. La situación parece desesperadamente comprometida. El tren se dirige inevitablemente hacia el obstáculo. Buster, sin embargo, encuentra la manera de despejar la vía sin detener el tren. Lanza otro tablón al final del que bloqueaba los raíles. El impacto levanta el trozo de madera y se aparta. El tren pasa. Toda la operación se desarrolla en mucho menos tiempo del que se necesita para describirla.

Buster Keaton en El maquinista de La General (1926)

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Cien años de cine y acrobacias con Buster Keaton, “el aristócrata de la caída” (III)

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Cualesquiera que sean los obstáculos que encuentre en su camino, cualquier resistencia que las cosas le presenten, cualquier burla que los hombres le lancen, Keaton siempre decide afrontarlos con corazón ecuánime, sin dejarse desanimar, pero tampoco dejarse exaltar por triunfos irrisorios.

Buster Keaton en El navegante (1924)

Él mismo comparó sus personajes con los de Chaplin: “Por ejemplo, Charlie: siempre fue un vagabundo, un holgazán. Cuando encontraba trabajo, ya fuera de albañil o de dependiente, seguía siendo un holgazán, trabajando solo lo suficiente para ganar dos o tres comidas y terminaba de vuelta en la calle... Yo, en cambio, no era ni un holgazán ni un inadaptado: cuando encontré trabajo, mi norma de conducta era esforzarme al máximo por dar satisfacción, como si pretendiera hacer ese trabajo el resto de mi vida. Si tuviera que conducir una locomotora, me esforzaría por hacerlo bien; Charlie, en cambio, la habría llevado a una vía muerta y se habría dado por vencido”.

Buster Keaton en El maquinista de La General (1926)

El secreto de su legendaria impasibilidad reside precisamente ahí. A quienes le preguntan por qué nunca se le ha visto reír en pantalla, simplemente responde: “Estaba concentrado en lo que hacía”. La belleza del personaje reside precisamente en esta concentración inquebrantable; Keaton corre, salta, idea planes ingeniosos, los ve fracasar, se asombra, se recupera, vuelve a empezar, sin mostrar la más mínima emoción.

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Cien años de cine y acrobacias con Buster Keaton, “el aristócrata de la caída (II)

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El primer consejo de Fatty Arbuckle fue simple: “Tendrás que acostumbrarte a la idea”, le dijo a Keaton, “de que la edad mental del público no pasa de los doce años”. Unos meses después, Keaton fue a ver a Arbuckle: “Roscoe, tendrás que quitarte esa idea de la cabeza, porque quienes siguen haciendo películas para una mentalidad de doce años no conservarán su trabajo mucho tiempo”. “El público siempre es más listo que tú”, pensó Keaton. “Tiene que serlo, si quieren disfrutar de lo que hacemos para ellos”.

Buster Keaton en El moderno Sherlock Holmes 1924)

Desafía las leyes del equilibrio

En el desaliñado y desaliñado mundo de la comedia física, Keaton aparece, en palabras de un crítico, como un "aristócrata de la caída". En 1921, se lanzó desde un puente colgante de 25 metros a una red. Ese mismo año, debía saltar desde un trampolín de 15 metros, pero no aterrizó en la piscina y aterrizó sobre una placa de mármol. En lugar de mármol, habían usado papel. Pero esto no evitó que se lesionara gravemente la cabeza y el hombro. En 1924, saltó de un tren en movimiento para la película El moderno Sherlock Holmes (Sherlock Jr.). El resultado: una fractura. En la misma película, condujo una motocicleta a toda velocidad, sentado en el manillar... Las volteretas de Buster Keaton son impecables. Su cuerpo desafía constantemente las leyes del equilibrio.

Buster Keaton en Siete ocasiones (1925)

“Estaba concentrado en lo que estaba haciendo”

Su paso, sobre todo, es admirable, tan ligero, ágil y tenso como el de Michel Jazy. Lo hemos visto correr en Siete ocasiones (Seven Chances, 1925) (para escapar de cien arpías decididas a casarse con él a cualquier precio), en El colegial (College, 1927) (para ayudar a una joven); en El cameraman (The Cameraman, 1928) (para alcanzar a una bella mujer al otro lado de la ciudad). Pero el pretexto cómico se desvanece en la memoria, dando paso a la belleza del impulso, a la regularidad del esfuerzo. La persecución burlesca adquiere de repente la dignidad que se le concede al corredor de maratón. Un himno a la fuerza de voluntad. El cuerpo sujeto a las decisiones de la mente.

Buster Keaton en El colegial (1927)

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Cien años de cine y acrobacias con Buster Keaton, “el aristócrata de la caída” (I)

Al igual que Charlie Chaplin, el actor y director dejó su huella en el cine mudo de Hollywood de la década de 1920. A los sesenta años de su fallecimiento, ocurrida el 1 de febrero de 1966, repasamos su carrera.

A los veinte años, Charles Chaplin ya había alcanzado las profundidades de la miseria humana. «A los veinte, ya era un veterano», dijo Buster Keaton. Quizás el secreto de los grandes comediantes resida en su temprana experiencia con el arte y la vida.

El cameraman (1928), de Edward Segwyck y Buster Keaton

Nacido el 4 de octubre de 1896 [fallecido el 1 de febrero de 1966], de padres irlandeses y escoceses, Joseph Francis Keaton debutó en el escenario a los tres años y medio. Con su padre y su madre, realizó uno de los números más rudos del music hall de la época. Con peluca y patillas enormes, se cayó y saltó con su padre, quien lo arrastró por el escenario y lo pisó. «Un niño criado entre bastidores », diría más tarde , «imita todo lo que ve de niño; si hay un equilibrista una semana, intenta caminar sobre la cuerda floja sin que nadie lo vea; si hay un malabarista, intenta hacer malabarismos; intenta hacer acrobacias, cualquier cosa... Incluso imité a Harry Houdini».

Fue Houdini, la gran estrella del music hall, quien le dio su nombre. Al ver al joven Keaton realizar un busto particularmente exitoso en el escenario, exclamó: What a buster!, expresión difícil de traducir en español, aunque esta expresión coloquial en inglés utilizada comúnmente para describir a alguien como un "tipo duro", robusto o, a veces, de manera irónica, a un perdedor o alguien sin valor. Podríamos interpretarla como "¡Vaya tipo duro!". Pero el nombre se le quedó.

“La mecánica de la cámara me fascinó”

Buster Keaton estuvo de gira con sus padres hasta 1917. Su talento como acróbata y actor cómico se hizo notar. A los 21 años, consiguió el papel principal en la "Schubert Revue" del Winter Garden de Nueva York, por 750 dólares semanales. Sin embargo, prefirió aceptar los 40 dólares semanales que le ofrecían en el cine. Así pues, salía del cine por la puerta principal y entraba al estudio por la trasera. Su primera aparición fue en los cortos cómicos dirigidos por Fatty Roscoe Arbuckle, una de las principales estrellas cómicas de la época. Inmediatamente se fascinó por las técnicas cinematográficas: "Quería saber cómo se montaba la película en la sala de montaje; pero lo que más me fascinó fue la mecánica de la cámara".

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Noticias de libro: Hollywood años dorados

Hollywood años dorados

1938

Jaime Abella, Carles M. Agenjo, Juan Luis Álvarez, David Felipe Arranz, César

Bardés, Miguel M. Benito, Quim Casas, Iván Cerdán Bermúdez, Marco Da Costa, Vicente Díaz, Carlos Díaz Maroto, Mario Hernández, Ignasi Juliachs, Juan Laborda Barceló, Juan Carlos Laviana, Juan Ramón López, Luis López Varona, José Madrid, Ael Mallor Plou, Alejandro Melero Salvador, Mary Carmen Rodríguez, Oti Rodríguez Marchante, Gerardo Sánchez, José Luis Sánchez Noriega, Lucía Tello Díaz, Joaquín Vallet, Juan Carlos Vizcaíno

Notorios

Madrid

2023

208 págs.

Perteneciente a la colección Hollywood, años dorados, el libro se centra en la producción hollywoodiense del año 1938, analizando cada película, y con un gran despliegue gráfico.

El púbico quería reír en 1938. A un año de la II Guerra Mundial, y con el horizonte nublado por el agobiante auge de los totalitarismos en Europa, Hollywood cumplió a la perfección con su valioso cometido escapista. Todo el mundo parecía feliz y despreocupado en las películas, que seguían proyectando lujo y glamour sin recato.

1938 fue un año de excelentes y abundantes comedias locas. Vive como quieras, La fiera de mi niña, La octava mujer de Barba Azul, El hotel de los líos, Vivir para gozar…

Errol Flynn protagonizó Robín de los bosques, Bette Davis Jezabel y Spencer Tracy Forja de hombres. La Metro-Goldwin-Mayer (MGM) tiró la casa por la ventana con María Antonieta, King Vidor dirigió La ciudadela y Michael Curtiz Ángeles con caras sucias.

Casi una treintena de autores analizan en Hollywood años dorados 1938 las películas más destacadas de aquel año. Chicago, Suez, Piloto de pruebas, Lobos del norte, Las aventuras de Tom Sawyer…

"Riña de niños", "Épinal: les bords de la Moselle"... conmueven. Las películas de los hermanos Lumière

Auguste Marie Louis Nicolas Lumière
y Louis Jean Lumière 

El 28 de diciembre de 1895, en París, solo treinta y tres espectadores pagaron un franco para asistir a una nueva atracción: el cinematógrafo, que tuvo lugar en el Gran Café del Bulevar de los Capuchinos número 14. Se proyectaron la Salida de la fábrica Lumière (La sortie des ouvriers des usines Lumière), Llegada de un tren a la estación de la Ciotat  (L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat) y El regador regado (L'Arroseur arrosé), en la que aparece el jardinero Jean-François Clerc. Así, el cine comenzó a modo de documental de la vida cotidiana.

Los espectadores no sabían qué esperar, y no se decepcionaron... Y el milagro ha seguido obrando su magia durante ciento treinta años. "En las salas a oscuras, a los humanos todavía les encanta venir a molestarse, apiñados como pingüinos, con sus ronquidos, toses y cremalleras de anorak, sus perfumes, sus colores, sus molestias, su desprecio y su amor...". Esta declaración de amor por el cine proviene del actor y director Alex Lutz. 

Las primeras películas de los hermanos Lumière incluían escenas de Auguste y su familia tomando el té, la llegada de un tren a la estación, de una forja, de una partida de de cartas a la puerta de un café, de una escena callejera parisinay de otra de gente bañándose en el Mediterráneo, les valieron una gran reputación c omo los primeros documentalista de la historia, sobre cuya obra no parecen haber pasado los años. Su máxiam era la de "captar la naturaleza en el acto". 

Las mejores películas del western y dónde ver todos estos clásicos del Oeste (XXV) 21/11

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121. La balada de Buster Scruggs (The Ballad of Buster Scruggs, 2018), de Joel Coen y Ethan Coen

Una antología de seis partes con relatos sobre la frontera de EE. UU. contados por la visión única de los hermanos Coen. Cada capítulo narra una historia distinta sobre el Lejano Oeste.

122. First Cow (2019), de Kelly Reichardt

Una cinta con algunos elementos que la hacen difícil de encasillar. Es un western, es una cinta de aventuras, tiene elementos de picaresca, a veces es casi documental... Pero sobre todo la directora y coguionista Kelly Reichardt, con la colaboración del autor de la novela en que se basa, Jonathan Raymond, entrega una historia tremendamente humana, creíble, y sin concesiones al sentimentalismo. 

123. Old Henry (2021), de Potsy Ponciroli

Áspero y potente western escrito y dirigido por el desconocido Potsy Ponciroli, quien presenta a un padre y un hijo que deben enfrentarse a unos violentos forajidos. Tiene algunas reminiscencias de Sin perdón. Habla de una época legendaria y también de la fuerza inexorable del pasado, que vuelve inesperadamente de modo que nos traslada a un territorio primitivo, en donde la maldad y la ley del revólver dominaba las extensas tierras norteamericanas. 

124. Los asesinos de la luna (Killers of the Flower Moon, 2023), de Martin Scorsese

Adaptación del libro de no ficción de David Grann, sobre la misteriosa “epidemia” de muertes entre los nativos a lo largo de dos décadas, poniendo el acento en cómo afecta la situación a cuatro hermanas y su madre, en la relación laboral y de parentesco entre Ernest y William, y el matrimonio del primero, del que nacen varios niños. 

125. Horizon: An American Saga - Capítulo 1 (Horizon: An American Saga - Chapter 1, 2024), de Kevin Costner

Crónica de un lapso de 15 años de expansión y asentamiento del oeste estadounidense antes y después de la Guerra de secesión norteamericana de 1861-1865. Descrita como una obra en cuatro partes, el primer capítulo se estrenó el 28 de junio de 2024 y el segundo en el festival de Venecia de 2024.

Las mejores películas del western y dónde ver todos estos clásicos del Oeste (XXIV)

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116. Comanchería (Hell or High Water, 2016), de David Mackenzie

El título Comanchería hace referencia al pretérito territorio de los comanches antes de 1860, que comprendía el oeste de Texas y parte de los estados de Nuevo México, Kansas y Oklahoma. Un siglo y medio después el mundo ha cambiado tanto que las cosas se han vuelto del revés en esas tierras. Los indios son ahora policías y el hombre blanco es el que está fuera de la ley. La película de David Mackenzie habla de todo esto, del mundo moderno, de la injusticia y del crimen que provoca, a través de una historia clásica de policías y ladrones.

117. The Rider (2017), de Chloé Zhao

Una maravillosa película, auténtica y agradabilísima sorpresa, que rebosa lirismo y autenticidad. Su directora y guionista Chloé Zhao la desarrolló basándose en el hombre que le enseñaba a montar a caballo, Brady Jandreau, especialista a competir en rodeos y entrenador equino en Dakota del Sur, quien tras sufrir lesiones en la cabeza, tuvo que bajar el ritmo de su dedicación profesional.

118. Hostiles (2017), de Scott Cooper

Extraordinario western crepuscular escrito y dirigido por Scott Cooper, un cineasta que confirma definitivamente que se ha ganado un lugar entre los más prestigiosos de la actualidad, gracias esta película y a otras como Corazón rebelde (2009) o Black Mass: Estrictamente criminal (2015). Presenta uno de esos westerns duros y realistas que adopta ese tipo de atmósfera y de hondos conflictos que en los últimos años están revitalizando un género que se niega a desaparecer.

119. Sweet Country (2017), de Warwick Thornton

Áspera y potente película australiana firmada por el director Warwick Thornton, quien ofrece una historia dura ambientada en el siglo XIX en un innombrado territorio semidesértico del interior australiano. Todo, atmósfera, personajes y conflictos podrían tener igualmente lugar en el oeste americano, igual de auténtico, igual de implacable.

120. Los hermanos Sisters (The Sisters Brothers, 2018), de Jacques Audiard

Poderoso western dirigido por el francés Jacques Audiard, que escribe el guión con su colaborador habitual desde Un profeta, Thomas Bidegain, a partir de una novela de Patrick Dewitt. Sorprende su visión descarnada del salvaje oeste, donde impera con frecuencia la violencia, con muertes brutales, caciques que se creen investidos del poder para decidir sobre las vidas ajenas, y subalternos que acatan sus órdenes como mercenarios sin escrúpulos.

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Las mejores películas del western y dónde ver todos estos clásicos del Oeste (XXIII)

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111. Meek's Cutoff (2010), de Kelly Reichardt

Western singular, de remarcada identidad “indie”, contemplativo, sin arranque ni desenlace, donde lo que impera es el día a día del viaje sin fin de los protagonistas, a través de un desierto desolador, inhóspito, polvoriento y con la única y obsesiva esperanza de encontrar agua. La película retrata a mujeres y hombres de una fortaleza y determinación enormes, capaces de sobrevivir con lo mínimo en terrenos hostiles, que hacen casi imposible la supervivencia.

112. Django desencadenado (Django Unchained, 2012), de Quentin Tarantino

Quentin Tarantino se siente como pez en el agua buceando en la serie B, tocando los palos de todos los subgéneros, ya sea el criminal, la acción de karatekas, el terror, la blaxploitation o el cine de nazis. Ahora con Django desencadenado le toca el turno al spaghetti-western, sus muy queridos Sergio Leone, el Clint Eastwood de antaño o Sergio Corbucci, de quien toma aquí hasta el título, el tema musical y hasta un cameo, Franco Nero.

113. Los odiosos ocho (The Hateful Eight, 2015), de Quentin Tarantino

Largo spaguetti-western, más de tres horas, a cargo de Quentin Tarantino, con su toque especial de largos y estudiados diálogos, y para el cual ha contado por fin con una banda sonora original de Ennio Morricone, que hizo la música para las películas del género dirigidas por Sergio Leone.

114. El renacido (The Revenant, 2015), de Alejandro González Iñárritu

El director mexicano aquí adapta la novela The Revenant: A Novel of Revenge, de Michael Punke, que reconstruye la historia real de Hugh Glass, miembro junto con su hijo de una expedición de tramperos que en 1823 se interna en territorio de los arikara, entre las dos Dakotas, en busca de pieles. Cuando Glass sufre el ataque de un oso pardo queda malherido, y sus compañeros, acosados por los indios, no pueden llevarle consigo. El capitán de la expedición le deja bajo el cuidado de su retoño, otro de los miembros más jóvenes del grupo y el veterano John Fitzgerald. Pero este último resulta no ser de fiar. Obtuvo tres Oscar: mejor director, actor (DiCaprio y fotografía).

115. Bone Tomahawk (2015), de S. Craig Zahler

El desconocido S. Craig Zahler, también guionista, debuta en el largo con cierto estilo en este western, que presenta algunos elementos clásicos, lo de una mujer secuestrada por los indios nos puede hacer pensar en títulos tan legendarios como Centauros del desierto. Pero lo que da cierta identidad propia a este film es su cruda y gratuita violencia casi gore, la escena de un descuartizamiento resulta sencillamente insoportable. 

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Las mejores películas del western y dónde ver todos estos clásicos del Oeste (XXII)

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106. Dead Man (1995), de Jim Jarmusch

Dentro de la filmografía independiente del norteamericano Jim Jarmusch, este western se encuentra entre lo más raro. Rodado en blanco y negro, y plagado de personajes estrafalarios, contiene pasajes tan magnéticos como incomprensibles. Destaca el pequeño papel del veterano Robert Mitchum y los punteos minimalistas de Neil Young.

107. Open Range (2003), de Kevin Costner 

Kevin Costner vuelve al western. Como director y como actor. Quizá no con la originalidad que exhibió en Bailando con lobos, pero sí con idéntico sentido de la épica y del clasicismo. Grandes espacios, la frontera entre el salvaje oeste y la pujante civilización, música vibrante, hermosos parajes… La película aprovecha las posibilidades técnicas actuales para presentar las escenas de tiroteos con realismo inusitado, que evitan al tiempo el regodeo en la violencia. Por otra parte, Costner sabe crear personajes de entidad: por ejemplo, Robert Duvall es perfecto para el hombre cuya sabiduría se acrecienta con los años. Incluso los pequeños personajes tienen su atractivo, como el tipo que les guarda los caballos, que se diría un homenaje a los que encarnó el inolvidable Walter Brennan.

108. El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 2007), de James Mangold 

Los aficionados al western están de enhorabuena con este magnífico remake del clásico de Delmer Daves de 1957, sobre el peculiar enfrentamiento entre un sanguinario forajido y un granjero en apuros, que en su día estuvieron interpretados por Glenn Ford y por Van Heflin. Mangold imprime a la historia –basada en un relato corto de Elmore Leonard– una notable energía, sin andarse apenas por las ramas, y logra momentos de gran tensión dramática.  Hay aquí poca belleza exterior, con lo que resulta así un western distinto, de tintes psicológicos, pleno de ritmo y con una dureza muy genuina.

109. El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, 2007), de Andrew Dominik

La película es una atípica crónica de lo que ocurrió en los últimos años de la vida de Jesse James, desde que comete su último robo hasta su asesinato el 3 de abril de 1882. Es atípico porque apenas suceden hechos reseñables a lo largo de casi tres horas de metraje, aunque los hay, sino que más bien se quiere explorar lo que acontecía en el interior de los diferentes personajes, especialmente de Jesse James y de Bob Ford. El guionista y director Andrew Dominik ha escrito esta historia a partir de la novela de Ron Hansen, del mismo título.

110. Valor de ley (True Grit, 2010), de Joel Coen, Ethan Coen

Adaptación de la novela de Charles Portis, ya llevada al cine con fortuna por Henry Hathaway con John Wayne en el papel protagonista que le valió su único Oscar. Los hermanos Joel Coen y Ethan Coen entregan un western de maravilloso clasicismo, género para el que apuntaban claramente maneras en No es país para viejos. Aunque la trama tiene tono crepuscular, no hay lugar para el cinismo, siguen vigentes los eternos valores del bien, la justicia y el temor de Dios, que empujan a hacer lo correcto, aunque no dejen de cometerse errores.

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Las mejores películas del western y dónde ver todos estos clásicos del Oeste (XXI)

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101. El jinete pálido (Pale Rider, 1985), de Clint Eastwood

Western muy del estilo de Clint Eastwood, sencillo, violento y más seco que una suela de esparto. Su personaje del predicador bebe claramente del clásico Raíces profundas, y es muy parecido a otros protagonistas de sus películas, como el de Infierno de cobardes. El actor de San Francisco se encarga de amoldarlo a su estilo interpretativo, duro, parco y sobrio.

102. Silverado (1985), de Lawrence Kasdan

Un entretenido western que resucita algunos de los mejores elementos del género, aunque no posee la fuerza del los clásicos. Hay mucha acción y buenas interpretaciones por parte de un plantel artístico prometedor. Escrita y dirigida por el prestigioso Lawrence Kasdan, que comenzó como guionista de algunas de las películas de George Lucas y de Steven Spielberg.

103. Bailando con lobos (Dancing With Wolves, 1990), de Kevin Costner

Uno de los más exitosos debuts como realizador fue este filme dirigido por el reputado actor Kevin Costner, que era en aquel momento la estrella más taquillera de Hollywood. No sólo fue una de las películas más vistas del año, sino que a pesar de sus defectos de primerizo consiguió 7 premios Oscar en la edición de 1991: Mejor película, director, fotografía, montaje, guion adaptado, banda sonora y sonido. La fotografía de grandes espacios de Dean Semler es excelente y muestra de forma espectacular las grandes llanuras del estado de Dakota –donde fueron rodados todos los exteriores– en Panavisión. Por otra parte el guion ensambla con soltura los ingredientes de una clásica historia épica, como son la historia de amor, las batallas y, sobre todo, en esta ocasión, la naturaleza, uno de los personajes más importantes.

104. Sin perdón (Unforgiven, 1992), de Clint Eastwood

Es la película 36 como actor de Eastwood y la 16 como director. Sin duda su mejor trabajo en ambas funciones, en el que vuelve a sus orígenes. Un western revisionista, que se aparta de los mitos del género y se adapta con maestría a los nuevos tiempos. Lleno de ese humor ácido característico de Eastwood, pero a la vez duro, complejo, y sin concesiones retóricas. Es una delicia el ritmo de la película y la atmósfera creada por una excelente dirección y unos actores sobresalientes. Escenas llenas de lirismo, con un tono melancólico que fascina al espectador, y que contrastan con la violencia cruda y las emociones amargas que destila toda la película.

105. Gettysburg (1993), de Ronald F. Maxwell

Originalmente concebida para ser una miniserie, Gettysburg se estrenó finalmente como película y nos brinda más de 4 horas de historia sobre la Guerra Civil Americana. La monumental película de Ronald F. Maxwell relata, durante más de cuatro horas, ese sangriento episodio bélico, para lo cual adapta una novela de Michael Shaara, ganadora del Premio Pulitzer. El director empapa la historia de un brillante tono épico y de unos personajes muy heroicos, dentro de una ambientación muy cuidada y con una solemne banda sonora de Randy Edelman, presente en todo momento.

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Las mejores películas del western y dónde ver todos estos clásicos del Oeste (XX)

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96. Infierno de cobardes (High Plains Drifter, 1973), Clint Eastwood

Clint Eastwood vuelve a representar el papel de solitario, lacónico y errante vaquero sin nombre, en su segunda película como director, donde es claro deudor de sus maestros directores, Sergio Leone y Don Siegel. La película, un spaguetti-western en toda regla, es violento, oscuro, nada políticamente correcto –la agresión sexual a una mujer que va pidiendo guerra, y el modo en que conquista a la otra–, con un protagonista emblemático, de pocas palabras e intenciones no muy claras, el estilo de tipo que ha dado fama a Eastwood. Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV. 

97. Muerde la bala (Bite the Bullet, 1975), de Richard Brooks

Uno de los mejores westerns de los años 1970, cargado de violencia y con la carismática presencia de Gene Hackman. En plena decadencia del western, Richard Brooks decidió actualizar el género utilizando un tono desenfadado.  Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV.

 

98. El fuera de la ley (The Outlaw Josey Wales, 1976), de Clint Eastwood

Estamos ante una de las grandes películas del actor y director de San Francisco, que sin llegar al nivel de Sin perdón sí tiene esa solidez y aire épico que se le exige a este tipo de filmes. El guión es de Philip Kaufman a partir de una novela de Forrest Carter. El personaje de Josey Wales es claramente heredero del histórico bandido Jesse James, con quien guarda más de una similitud. Disponible en Amazon Prime Video, Apple TV y RTVE.

99. El último pistolero (The Shootist, 1976), de Don Siegel

Estamos, como se puede imaginar, ante un western crepuscular, enormemente nostálgico y con un buen componente dramático, en el que podemos ver a grandes estrellas. Aparte de Wayne, ahí están Lauren Bacall, en un precioso y sentimental rol de viuda de gran corazón, y el gran James Stewart; y también tiene peso el papel entrañable del chico Guillom, interpretado por un joven Ron Howard, que más tarde se convertiría en reputado director de cine. Disponible en Prime Video. 

100. La puerta del cielo (Heaven's Gate, 1980), de Michael Cimino

Desmesurada película que fue un impresionante fracaso de taquilla y a la que se acusó de ser la causante de que la compañía United Artists cayera en picado. Pero, lo cierto es que la historia, dirigida por Michael Cimino, es una epopeya con una preciosa fotografía y un mensaje claro y violento de lo que supuso el nacimiento de los modernos Estados Unidos y del sueño americano. Fue nominada a los Oscar por la dirección artística y destaca en el reparto Kris Kristofferson, Christopher Walken, Isabelle Huppert o Jeff Bridges, entre otros. Disponible en Amazon Prime Video.

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