Fallecimiento de la actriz Diane Ladd, un rostro familiar de la televisión estadounidense y madre de Laura Dern

Desde series populares hasta grandes películas, Diane Ladd, versátil y aclamada actriz, ha sido una figura constante en la televisión estadounidense desde la década de 1950. Será recordada sobre todo por el intenso vínculo filial que mantuvo con su hija, Laura Dern, que fue retratado en la pantalla, especialmente por Lynch.

¿Diane Ladd? Quizás el rostro asociado a ese nombre esté algo borroso en la memoria de los cinéfiloa. Completamente oculto por una máscara de carmín (ya volveremos a eso). O tal vez pixelado por los rasgos más familiares de Diane Lane, Cheryl Ladd de Los Ángeles de Charlie, o incluso Diane Keaton, quien falleció entre una ola de homenajes tres semanas antes que ella. Actriz con numerosos papeles, en su mayoría secundarios, Diane Ladd murió tranquilamente, en Ojai, California, el 3 de noviembre de 2025, a los 89 años, setenta de los cuales los pasó trabajando en platós de cine.

Laura Dern y Diane Ladd

Diane Ladd, registrada al nacer como  Rose Diane Lanier, (Meridian, Misisipi, 29 de noviembre de 1935-Ojai, California, 3 de noviembre de 2025)​ fue una actriz de cine y televisión estadounidense. Estaba emparentada lejanamente con el dramaturgo Tennessee Williams.

Comenzó su carrera en la década de 1950 en televisión, en series como Perry Mason y Mr. Novak, mientras que su debut fílmico fue en la película de Roger Corman Los ángeles del infierno (The Wild Angels, 1956), junto a Nancy Sinatra, Bruce Dern y Peter Fonda.

Diane Ladd, que era una actriz respetada más que una estrella de cine mundialmente famosa, nunca ganó un premio de la Academia, aunque recibió tres nominaciones al Premio Óscar por sus papeles en Alicia ya no vive aquí (Alice Doesn't Live Here Anymore, 1974), de Martin Scorsese, donde interpretaba Flo, la camarera sureña descarada y malhablada pero profundamente compasiva; Corazón salvaje (Wild at Heart, 1990), junto a su hija Laura  Dern, en la que asume el papel de Marietta Fortune, una ex reina de belleza seductora y malévola que contrata a un sicario para matar al novio de su hija (Nicolas Cage), y El precio de la ambición (Rambling Rose (1991), la primera de las cuales le valió un Premio BAFTA. También fue nominada a tres premios Primetime Emmy y cuatro Globos de Oro.

Los peligros de la conspiración ¡Lo nuevo de Yorgos Lanthimos!

Bugonia (2025), dirigida por Yorgos Lanthimos con Emma Stone, Jesse Plemons, Alicia Silverstone y Stavros Halkias. Coproducción Irlanda-Reino Unido-Estados Unidos; Element Pictures, Fruit Tree, Square Peg, CJ Entertainment, Fremantle Media North America. Distribuidora: Focus Features, Universal Pictures.  

Bugonia es la nueva versión de Yorgos Lanthimos de la película de culto del cineasta surcoreano Jang Jun-Hwan, Salvar al planeta Tierra (Jigureul jikyeora!, 2003), una comedia negra con temática de secuestros que incluye un giro inesperado y una crítica social subyacente. La trama se mantiene fiel a la original, pero Lanthimos añade complejidad a los personajes y potencia el final en torno a la idea de la muerte masiva y la purga de la raza humana.

La trama: Un joven, convencido de que un empresario es un alienígena infiltrado con intenciones ocultas, lo secuestra e interroga en busca de pruebas. Su novia se involucra en el tenso enfrentamiento, mientras un detective privado comienza a seguir el caso, intentando descubrir la verdad detrás del extraño suceso. A medida que las tensiones aumentan, los límites entre la paranoia, la realidad y las verdaderas intenciones de cada personaje se desdibujan, desencadenando una compleja batalla psicológica llena de secretos y dilemas.

Hace 100 años: El gran desfile

El 5 de noviembre de 1925 se estrenó la película estadounidense El gran desfile (The Big Parade), de King Vidor e interpretada por John Gilbert, Renée Adorée, Claire Adams, Karl Dane, Robert Ober, Tom O'Brien, Rosita Marstini, Harry Crocker, Julanne Johnston, Kathleen Key, Carl Voss, George Beranger, Frank Currier. Productora: Metro-Goldwin-Mayer (MGM). Duración: 151 minutos. 

Sinopsis argumental: Jim es un niño rico que nunca ha trabajado. Cuando estalla la Primera Guerra Mundial, Jim, presionado por su novia, se alista junto a otros dos jóvenes, Bull y Slim. Cuando llegan a Francia se dan cuenta de que la guerra no es lo que esperaban. 

Comentario: La película rompe con cualquier intento de glorificación de la guerra sino que se centra en el coste humano, sus víctimas. El gran desfile fue un éxito en la década de 1920 e influyó en posteriores realizaciones, como por ejemplo en Sin novedad en el frente (1930) y cuya estética la convirtió enseguida en todo un clásico del séptimo arte. En 1992, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.​

“La matanza de Texas”: Heridas sangrientas, olores pestilentes… Un repaso al rodaje de una película de terror

Actores lesionados, decorados podridos, vestuario sucio, tomas interminables: en el set de la película de culto de terror, ya era un infierno.

Texas, verano de 1973. Imagínese: usted es el tercer ayudante de dirección en el rodaje de una película de terror de bajo presupuesto. El director, Tobe Hooper, tiene exactamente 30 años y, para su segundo largometraje, tiene un sueño. O mejor dicho, una pesadilla que le encanta contar: una vez, una cola que avanzaba a paso de tortuga le provocó un impulso irrefrenable de masacrar a todo el mundo. Inventa un asesino con una motosierra. Este verano rodarán "La matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacreen, 1974)..." , la futura obra maestra del cine de terror. Usted, al igual que el resto del equipo, está lejos de estar a salvo.

En el condado de Williamson, al norte de Austin, hay un edificio discreto que necesita transformarse en un museo del horror. ¿Y los cadáveres que llenarán cada plano? Se consiguen del veterinario local, un conocido del encargado de utilería. Principalmente perros y gatos. ¿Esqueletos? Se recorren las granjas: cráneos de vaca abundan en los campos aledaños. Hooper incluso presume de haber encontrado un esqueleto humano auténtico: afirma haberlo comprado en la India; era más barato que hacer una falsificación. Robert Burns, el director de arte, se divierte ensamblando todo esto en auténticas esculturas inspiradas en el canibalismo y el vudú. O en una espeluznante y legendaria decoración de mesa: patas y una cabeza de pollo clavadas a una tabla. Bob lo llama su "arte muerto"; en pantalla, es aterrador. Porque todo es verdad, o casi. En la película final, habrá muy poca sangre. El horror proviene de otra parte, de esa atmósfera opresiva: en el set, se observa cómo la realidad y la ficción se fusionan.

El decorado, muy orgánico como hemos visto, apesta. Las luces necesarias para rodar en 16 mm (aún más baratas que las de 35 mm, pero que requieren aún más luz) hacen que la carroña se pudra. No se puede ventilar porque las ventanas permanecen oscurecidas para crear ambiente. El vestuario de los actores no huele mejor: solo existe una copia de cada uno, lo que hace imposible lavarlo. La escena de la cena requiere veintiséis horas seguidas de rodaje en medio de este hedor. Hooper, a quien nadie acusaría después de maltrato, admite haber perdido algunos amigos durante el rodaje. El equipo sufre. La protagonista, interpretada por Marilyn Burns, tiene que ponerse un trapo que encuentra por ahí en la boca:  "Nadie pensó en ofrecerme un accesorio limpio", recuerda más tarde (en el documental The Shocking Truth,  en 2000). Lo soporta.

"A la octava vez, tuve que pegarle de verdad con la escoba", presume extrañamente el actor Jim Siedow en The Texas Chainsaw Massacre: A Family Portrait (un documental de 1988). En cuanto a Gunnar Hansen, quien interpretó al aterrador Leatherface, se cortó un dedo porque la bolsa de sangre del cuchillo de juguete no funcionaba. También estuvo a punto de cortarse con su propia motosierra. Porque era una de verdad: solo había que quitarle el embrague para que vibrara sin girar. Más tarde, el personaje de Marilyn Burns atraviesa una ventana. La escena de la caída se dividió en dos tomas por seguridad. Pero al filmar la segunda, la actriz se lesionó al aterrizar. Todavía cojea en la escena final de la persecución… Todo es cierto. Empezando por la rabia en su rostro: la rabia de una actriz que creía haber terminado con esta odisea, pero a la que llaman para otra toma. Cincuenta años después, al redescubrir La matanza de Texas en su versión restaurada, uno se da cuenta de que películas como esa ya no se pueden hacer. Y sobre todo, no así.

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66. Nevada Smith (1966), de Henry Hathaway

Un entretenido western en el que un joven busca justicia en una época en la que imperaba la ley de las pistolas. Basada en el mítico personaje creado por Harold Robbins en la novela Los insaciables. Muy atractiva desde el punto de vista estético. Steve McQueen construye a un personaje interesante, amargado por su pasado e implacable, que seducirá al espectador. Disponible en Amazon Prime Video y Apple TV. 

67. Django (1966), de Sergio Corbucci

Uno de los primeros éxitos de Sergio Corbucci, considerado experto en spaghetti-western. Se trata una entretenida y violenta producción italoespañola, rodada en Roma y Madrid, y supuso el debut como protagonista de Franco Nero, que demuestra su habilidad para hacer de tipo duro. Tuvo varias secuelas con el mismo personaje. Disponible en Movistar Plus+. 

68. Un hombre (Hombre, 1967), de Martin Ritt

 Martin Ritt firma un vibrante  y extraordinario western, nada convencional, con un desarrollo impecable, un paisaje árido-montañoso muy convincente y un plantel de actores para descubrirse ante ellos. Paul Newman interpreta magistralmente un hombre que es despreciado por su condición de medio indio, recto, solitario, huraño y que prefiere la compañía de los indios sobre cualquier otra. Los actores que le acompañan en el reparto tampoco se quedan atrás y recrean unos personajes totalmente creíbles. Disponible en Movistar Plus+. 

69. El más valiente entre mil (Will Penny, 1967), de Tom Gries

Tom Gries, que no había dirigido cine hasta entonces, ofreció el guión de esta película con la condición de dirigirlo también. La lectura de cuarenta páginas bastó a Charlton Heston para aceptar la insólita proposición, tanto le encadiló la historia, de la que llegó a decir que le había supuesto "uno de los grandes papeles de mi vida". La película es de gran realismo, y en la relación con una mujer casada y el chico que le admira –Jon Gries, el hijo del director–, puede hacer pensar en Raíces profundas. Pero llama la atención el dibujo de Will como hombre analfabeto y sin familia, que no ha conocido nunca el amor, la delicadeza, la sensibilidad, ¡la Navidad!, hasta ese momento. Disponible en Apple TV. 

70. De hombre a hombre (Da uomo a uomo, 1967), de Giulio Petroni

Rodada en año 1967 cuando el espectador todavía no se había recuperado del impacto de la genial trilogía de Leone, el realizador Giulio Petroni demostró haber aprendido bien la lección del maestro con una historia cuyo trazos principales bien hubieran podido salir de la mente del propio Leone. La película nos cuenta fundamentalmente una historia de venganza. Disponible en Movistar Plus+: Está disponible en el servicio de Movistar Plus+. 

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3. Belladonna of Sadness (Kanashimi no Beradona, 1973), de Eiichi Yamamoto

Cuenta la historia de Jeanne y Jean, una pareja feliz que se casa en un pueblo rural. Ella es violada durante la noche de bodas por un barón local y sus esbirros. Tras ello regresa a los brazos de su amado llena de rabia y de dolor, pero él le dice que debe olvidar lo sucedido para no sufrir más. Ella comenzará a tener visiones con espíritus y sueños en los que se venga del barón. Durante su estancia en la villa seguirán sufriendo la ira del villano, hasta que ella decide hacer un pacto con el diablo. A partir de entonces nacerá un gran poder en su interior, con el que empezará la persecución de todos los que le han hecho daño a ella y a su marido. 

Libre reinvención de la historia de Juana de Arco, con elementos del libro La Sorcière, de Jules Michelet. Forma parte de la trilogía Animerama, formada por Las mil y una noches (1969), Cleopatra (1970) y Belladonna of Sadness (1973). Ideada por Osamu Tezuka, padre del manga/anime, la trilogía se caracterizó por dos elementos: fueron pensadas para proyectarse en pantallas de cine -algo poco común para la época- y se trataba de animación para adultos, adelantándose a obras como Fritz the Cat de Ralph Bakshi.

4. El planeta salvaje (La planéte sauvage, 1973), de René Laloux

En el futuro, el mundo se divide entre dos sociedades, la de los humanos, los Oms, y los gigantes extraterrestres azules, los Draags. Ambos conviven en desigualdad y a menudo los hombres son usados como mascotas. Precisamente uno de ellos, Terr, será el que sirva de nexo entre ambas civilizaciones, buscando la paz. Una aventura llena de dificultades en un paisaje surrealista de espléndida belleza. 

Gran clásico de la animación europea que recibió el Premio especial del jurado en Cannes y que hoy sigue siendo una referencia por su mensaje comprometido y su original estética.

5. Orejas largas (Watership Down, 1978), de Martin Rosen

En los pacíficos prados de Inglaterra vive una comunidad de conejos. Cuando su madriguera se ve amenazada, un pequeño grupo de esos intrépidos conejos escapa en busca de un nuevo hogar. Conducidos por Fiver "el visionario", Bigwig "el valeroso", y "el honorable" Hazel, hacen frente a multitud de desafíos y peligros que superan gracias a su astucia para sobrevivir. 

Basada en la novela homónima de Richard Adams, que fue publicada por Rex Collings Ltd. en 1972. La película fue clasificada como PG (Parental Guidance) por su fuerte contenido de violencia, abundancia de sangre y gore inquietante e intenso, ya que en el año en que estrenó no existía la clasificación PG-13 (no apta para menores de 13 años). Ni tampoco la clasificación R ("Restringida" y se usa para películas que pueden ser inapropiadas para menores de 17 años). Hoy en día, la película aún conserva su clasificación original, aunque mucha gente la considera una película para mayores.

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“El extranjero” revisitada por François Ozon con Benjamin Voisin: Camus encarnado en la pantalla como nunca antes

François Ozon ofrece una brillante reinterpretación contemporánea del clásico de Albert Camus al dotar a Meursault, el monstruo de la indiferencia que se encuentra en el centro de la historia, de una coherencia terrenal, colonial y nihilista.

Indolente y firme a la vez, animal y sensual, la interpretación de Benjamin Voisin es extraordinaria en El extranjero (2025)

El extranjero sigue atrayendo a estudiantes de secundaria, a la vez que forma parte del patrimonio de la literatura francesa. El desdén que en su día suscitó Albert Camus, descrito como un "filósofo para estudiantes de último curso", ya no tiene cabida. Resulta, sin embargo, sorprendente que el autor de esta adaptación sea François Ozon, quien generalmente escribe guiones originales o adapta obras menos clásicas. En realidad, fue mientras trabajaba en otro proyecto contemporáneo, que trataba sobre un joven desilusionado, cuando releyó este libro. Lo había adorado en su juventud y se alegró de comprobar que conservaba intacta su fuerza. 

Rebecca Marder y Benjamin Voisin en El extranjero (2025)

La trama de El extranjero (L'Étranger, 2025): Argel, 1938. Meursault, un hombre tranquilo y reservado, asiste al funeral de su madre sin mostrar emociones y vuelve a su rutina al día siguiente, comenzando una relación casual con Marie, su compañera de trabajo. Su vida monótona cambia cuando su vecino, Raymond Sintès, lo arrastra a sus oscuros conflictos. Entre el calor abrasador y las tensiones que van en aumento, un evento trágico en una playa transformará su vida, enfrentándolo a decisiones que no esperaba y al impacto irreversible de la violencia y el destino.

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61. El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966), de Sergio Leone

Con El bueno, el feo y el malo, la película de mayor presupuesto, Sergio Leone concluyó la legendaria Trilogía del dólar rodada en Almería con Clint Eastwood como protagonista. Fue precedida por Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964) y La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965). La imagen del protagonista, basada en la del personaje principal de la película Raíces profundas (Shane, 1953), surgió y se formó en la primera película de la trilogía. Disponible en Amazon Prime Video y Movistar Plus+. 

62. Los profesionales (The Professionals, 1966), de Richard Brooks

El choque del idealismo con la vida real y la lealtad son los temas que trata este modélico western crepuscular adaptación de la novela A Mule For the Marquesa, de Frank O'Rourke. Está escrita, producida y dirigida por el todoterreno Richard Brooks.  Nominado a 3 Oscar (director, fotografía, guión adaptado) y 2 Globos de Oro (película de drama, nueva promesa femenina). Está considera por algunos como una de las diez mejores películas del viejo oeste. Disponible en Apple TV, Gooogle Play Películas y Movistar Plus+

63. El destino también juega (A Big Hand For the Little Lady AKA Big Deal at Dodge City, 1966), de Fielder Cook 

Un western decididamente diferente, aunque tiene muchos de sus elementos arquetípicos, no se dispara ni un solo tiro. El escenario es casi único, el saloon con su reservado para la partida, y logra sorprender en más de un momento.  Se conjuga bien el drama de una familia que se está jugando todo su futuro en una partida de póker, con el agravante de que debe seguir el juego alguien que no tiene ni idea de póker, con apuntes humorísticos atravesados de ironía, por las burlas de los contrincantes, y por unos cuantos giros narrativos, sobre todo en el último tramo, que no verá venir el espectador no avisado. Disponible en Apple TV. 

64. El Dorado (1966), de Howard Hawks

Un western de los clásicos, que cuenta con dos estupendos protagonistas y un grupo de secundarios de lujo, entre los que destacan James Caan, Charlene Holt o Edward Asner. Se trata de una película que conecta con Río Bravo (1959), también dirigida por Howard Hawks, cuya historia tiene múltiples puntos en común. Está basado en la novela The Stars in Their Courses, de Harry Brown, y además de una acción trepidante, tiene unos diálogos divertidos. Una excepcional combinación entre los mejores ingredientes del buen western y el humor audaz de Hawks. Disponible en Amazon Prime Video, Google Play Películas y Apple TV. 

65. El halcón y la presa (La resa dei conti, 1966), de Sergio Sollima 

La mejor de las películas de su directr. Supuso la primera película de las dos protagonizadas por Tomás Milián en el papel de Cuchillo. La siguiente es Corre, Cuchillo, corre (Corri, uomo, corri, 1969), también dirigida por Sergio Sollima. La película El halcón y la presa, como otros spaghetti western, se filmó en diverso lugares de España, entre ellos: Almería y la Sierra del Guadarrama.

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Efemérides de cine: De profesión: polígamo

El 3 de noviembre de 1975 se estrenó la película española De profesión: polígamo, dirigida por Angelino Fons e interpretada por Manuel Summers, Chumy Chúmez, Luis Ciges, Carmen de la Maza, Emilio Fornet, Beatriz Galbó, Lola Gaos, Daniel Martín, Maribel Martín, Jorge Nieto, José Orjas, Maria Perschy, Carmen Platero, África Pratt, Antonio del Real, Juan Sala, Victoria Vera. Productora: Munder Films. Duración: 84 minutos. 

Sinopsis argumental: Un hombre casado y con un hijo siente pasión y entusiasmo por todo lo que es puro y bello. Ello le provoca una obsesión enfermiza por las jóvenes menores de veinte años, de quienes piensa que todas son vírgenes. Su táctica es enamorarlas, casarse con ellas y abandonarlas después de la noche de bodas. Tras varios actos similares es apresado por la policía e internado en un psiquiátrico.

Comentario: Comedia tonta española con algo de destape. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Hace 100 años: El jardín de la alegría

El 3 de noviembre de 1925 se estrenó la película británica El jardín de la alegría (The Pleasure Garden), dirigida por Alfred Hitchcock e interpretada por Virginia Valli, Carmelita Geraghty, Miles Mander, John Stuart, Ferdinand Martini, Florence Helminger, Georg H. Schnell, Karl Falkenberg, Louis Brody, Elizabeth Pappritz. Productora: Coproducción Reino Unido-Alemania; Gainsborough Pictures, Bavaria Film. Duración: 75 minutos. 

Sinopsis argumental: Patsy es una corista que trabaja para la compañía de teatro "The Pleasure Garden" (El jardín de la alegría). Un día conoce a una joven recién llegada a la ciudad, Jill, que desea hacerse un hueco en la compañía. Patsy se hace amiga de ella y le consigue una audición, convirtiéndose inmediatamente en la estrella del show. Jill está prometida a Hugh, un joven militar que deberá separarse pronto de ella para emprender viaje hacia el Trópico, donde debe unirse a la colonia inglesa. Mientras Hugh está en su destino y Patsy entabla relaciones con Levett, un compañero de Hugh, Jill subirá como la espuma y comenzará a buscar la compañía de otros hombres.

Comentario: Es la primera película dirigida por Alfred Hitchcock en su carrera como realizador cinematográfico, y la primera que estrenó completa. Está basada en una novela de Oliver Sandys.

Las mejores películas del western y dónde ver todos estos clásicos del Oeste (XII)

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56. Una trompeta lejana (A Distant Trumpet, 1964), de Raoul Walsh

Última película de Raoul Walsh y un western de leyenda donde destaca el buen ritmo y el maravilloso trabajo de fotografía y música de William H. Clothier y Max Steiner, respectivamente. El director sabe intercalar con maestría las secuencias de batallas con otras de mayor emotividad, y sus protagonistas Troy Donahue y Suzanne Pleshette, marido y mujer por entonces, no desmerecen. Disponible en Movistar Plus +. 

57. Río Conchos (Rio Conchos, 1964), de Gordon Douglas

Western que sigue el esquema de "cumplir una misión". Una entretenida película del artesano Gordon Douglas, en cuya trama introduce la cuestión del racismo. Llama la atención la violencia que impregna la cinta, con escenas tan vistosas como la de tres hombres del grupo arrastrados por el suelo tirados por caballos mientras padecen la tortura de los apaches. No obstante, hay una india con corazón, a la que conmueve por ejemplo el hallazgo de un bebé en una granja arrasada por los suyos. Disponible en Prime Video y Movistar Plus +.

58. La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in più, 1965), de Sergio Leone

Leone reinventó el western al hacer de él un tebeo de viñetas barrocas y efectistas. La música inconfudible de Morricone, y el laconismo hicieron el resto. Su título original ("Per qualche dollaro in più") ya sugiere que es la continuación natural de Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari), dirigida por Leone un año antes.  Se trata de la segunda película de la llamada Trilogía del dólar. Disponible en Movistar Plus+.

59. Mayor Dundee (Major Dundee, 1965), de Sam Peckinpah

Charlton Heston interpreta al rudo oficial de un destacamento de soldados del Cuerpo de Caballería de Estados Unidos. Un atractivo western con elementos crepusculares, que contiene algunos de los mejores ingredientes de este género clásico. Sam Peckinpah está considerado el último director norteamericano especializado en westerns. La acción constante se mezcla con una tensión que se masca y con un atractivo conflicto interior de los personajes, lo que le aleja de ser una película convencional. Ahí están para demostrarlo el duelo interpretativo entre Charlton Heston y Richard Harris, o los apuntes románticos, bien introducidos, con algunos pasajes mexicanos que humanizan a los personajes. De las escenas de acción destaca sin duda el clímax en el río Grande, que enfrenta a los hombres de Dundee con el ejército francés del emperador Maximiliano.

60. El valle de la violencia (Shenandoah, 1965), de Andrew V. McLaglen

Solvente película dirigida por Andrew V. McLaglen y todo un grito antibelicista y moral. Destaca por encima de todo la interpretación de un espléndido James Stewart, dentro de un personaje que quiere mantenerse al margen del conflicto pero al que inevitablemente le superan las circunstancias. Buen trabajo de guión, con especial hincapié en la secuencia del monólogo en el cementerio. La película fue adaptada a un musical de Broadway en 1975, que le valió a John Cullum su primer premio Tony al mejor actor protagonista.

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Las mejores películas del western y dónde ver todos estos clásicos del Oeste (XI)

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51. Tres sargentos (Sergeants 3, 1962), de John Sturges

Comedia del oeste realizada a la mayor gloria del llamado "Rat Pack", el pícaro grupo compuesto por los actores, cantantes y comediantes Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr. Tras las cámaras se sitúa un peso pesado, John Sturges, quien dos años antes había rodado Los siete magníficos y un año después realizaría La gran evasión. La historia de Tres sargentos es casi lo de menos, pues se trata de un divertimento de acción, bien rodado e interpretado

52. El tesoro del lago de la plata (Der Schatz im Silbersee, 1962), de Harald Reinl

Harald Reinl dirigió esta película en 1962, pero no fue la única de las correrías de estos dos valientes personajes. Más adelante vendrían Furia Apache, La carabina de plata o Winnetou en el valle de la muerte, entre otras muchas. Todas ellas cuentan con prácticamente el mismo reparto y el mismo equipo de producción. Se trata de un eurowestern basado en la novela homónima de Karl May cuyo éxito dio lugar a una serie de películas basadas en las novelas del Oeste de este autor.

53. Seis caballos negros (Six Black Horses, 1962), de Harry Keller

Western a priori rutinario, pero que cuenta con un guión más o menos entretenido aunque no tiene demasiadas pretensiones. Audie Murphy comentó sobre su carrera cinematográfica que él mismo se mantuvo inalterado a lo largo de toda su carrera, y que los guiones no variaron mucho; solo cambiaron los caballos. Este western, bastante común, encaja a la perfección en el catálogo de Murphy.

54.  Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964), de Sergio Leone

El primero de los tres filmes rodados por Sergio Leone con Clint Eastwood en Almería (los otros son La muerte tenía un precio y El bueno, el feo y el malo) es un remake de Yojimbo, el memorable título de Akira Kurosawa (no fue el único trasladado al lejano Oeste, ocurrió lo mismo antes con Los siete samuráis, que John Sturges convirtió en Los siete magníficos). Eastwood da el tipo perfecto de mercenario lacónico, mal afeitado y fumador de puros, con su característico poncho, y que donde pone el ojo pone la bala. Por un puñado de dólares y otros westerns de Leone pasaron a denominarse, de modo algo despectivo "spaguetti-western", y sólo el paso del tiempo puso las cosas en su sitio, con el reconocimiento del trabajo del cineasta, quien aportó nuevas cosas al género. Disponible Amazon Prime Video y Movistar Plus+.

55. El gran combate (Cheyenne Autumn, 1964), de John Ford

Richard Widmark repitió con Ford tras Dos cabalgan juntos, en un título que muestra a los indios en toda su humanidad, algo por otra parte habitual en la filmografía del director de Maine. Con su expresivo título original, "Otoño cheyene", pinta de un modo muy lírico ese declinar de un gran pueblo al que el hombre blanco, sobre todo los leguleyos de Washington, habría condenado al ostracismo. La película, de reparto estelar, incluye como personajes secundarios a Wyatt Earp y Doc Holliday. Disponible en Movistar Plus+ y Prime Video. 

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Volvimos a ver “La reina Margot” y encontramos las palabras que anunciaban la masacre

En la película de Patrice Chéreau, disponible de nuevo en cines y en HBO Max, abundan los insultos a los animales. Lejos de ser un recurso argumental, son un préstamo histórico y sirvieron de inspiración para la noche de San Bartolomé. 

Vincent Perez y Isabelle Adjani en La reina Margot (1994)

Después de la boda, la fiesta. Y en casa de Chéreau, es un espectáculo suntuoso. Agosto de 1572. El Louvre celebra la unión de Margarita de Valois (Isabelle Adjani) con Enrique, rey de Navarra, el futuro Enrique IV (Daniel Auteuil). Pero ya ambos bandos —católicos y protestantes— se están evaluando mutuamente. Se lanzan insultos. Las espadas están envainadas, pero los dientes están afilados y las bocas babean. "¡Mírenlos, van todos de negro, parecen cucarachas!", grita el lado católico. Antes, mientras la joven pareja caminaba por la nave de Notre Dame, Catalina de Médici (Virna Lisi) se quejó del olor a cabra del joven novio... 

Virna Lisi y Daniel Auteuil en La reina Margot (1994)

La reina Margot (La reine Margot, 1994) se basa en la novela histórica homónima de 1845 escrita por Alejandro Dumas y adaptada por Daniele Thompson, que describe los acontecimientos posteriores a la matanza de San Bartolomé de 1572 en el siglo XVI en Francia. La película, a pesar de tomar como eje las consecuencias que tuvo esta fatídica noche, también explora las tensiones en la corona ante el débil reinado de Carlos IX y la influencia de su madre Catalina de Médici sobre él. Aunque se duda mucho de la versión histórica que toma Dumas en ciertos aspectos, como el enorme papel relevante de Joseph Boniface de La Môle o incluso el sobrenombre de Margot, lo cierto es que La reina Margot ha quedado para la posteridad como el archivo cinematográfico definitivo de aquella época.

La cruz de hierro, de Sam Peckinpah, una gran película bélica

Sam Peckinpah causó un gran impacto con La cruz de hierro (Cross of Iron) en 1977, la única película de guerra del director y una de las mejores películas bélicas realizadas. Una película de violencia extremadamente realista que buscaba y conseguía disgustar a los espectadores, pese a algunos comentarios de la época que acusaron a Peckinpah de glorificar la violencia a lo largo de su carrera.

Segunda Guerra Mundial (1939-1945). En el frente oriental, un escuadrón de soldados alemanes, capitaneados por un duro oficial, se enfrenta a las temibles hordas del ejército ruso. El pelotón germano está liderado por el respetado sargento Steiner (James Coburn), pero también tendrá que hacer frente a las decisiones ambiciosas y suicidas del capitán Stransky (Maximilian Schell), un aristócrata prusiano recién llegado al frente que busca la gloria a cualquier precio.

Adaptación de la obra homónima del escritor Willi Heinreich, Peckinpah encontró muchas dificultades para sacar adelante la película. El guion tuvo que ser revisado varias veces, la financiación inicial resultó ser insuficiente y el rodaje en Yugoslavia tampoco estuvo exento de ciertas problemáticas. Sin embargo, el cineasta conseguiría una película de fuerza implacable, violentamente antimilitarista despojada de grandeza y heroísmo y con una diferencia clave respecto a otras películas sobre el conflicto armado en aquella época. Y es que La Cruz de Hierro fue rodada desde el punto vista de los soldados alemanes. 

Disponible en Movistar Plus+, Filmin y Google Play.

Muere Björn Andrésen, el inolvidable Tadzio de 'Muerte en Venecia'

Visto por última vez en cines en 2019 en Midsommar de Ari Aster, el actor sueco alcanzó una fama repentina por su papel de adolescente en la obra maestra de Luchino Visconti. Falleció el 25 de octubre de 2025, a los 70 años.

A los 15 años, cuando el adolescente aspiraba a una carrera como pianista, fue contactado por el cineasta italiano Luchino Visconti, quien viajaba por Europa en busca del joven perfecto para interpretar a Tadzio. Un adolescente con gracia prerrafaelita, por quien el compositor Gustav von Aschenbach, interpretado por Dirk Bogarde, alberga una obsesión que le impide escribir y salir de Venecia, amenazada por una epidemia de cólera. El papel, que le valió el apodo de "el chico más guapo del mundo", catapultó a Björn Andrésen a la fama. Pero lo afectó tanto que lo sumió en la depresión y la adicción.

“No tuve ningún problema durante el rodaje. Pero una vez terminado, me sentí como si me estuvieran echando a los lobos. Físicamente, no me pasó nada, pero aun así fue muy desagradable”, declaró Björn Andrésen al periódico Expressen en 2021. En la misma entrevista, explicó cómo, tras ser llevado por Visconti a un club gay con un grupo de hombres tras el estreno de Muerte en Venecia (Morte a Venezia, 1971), -basada en la novela corta La muerte en Venecia (1912)-, de Thomas Mann. se dio un atracón de alcohol para adormecer su soledad. Habiéndose convertido, a pesar suyo, en un icono gay (véase el cortometraje Buscando a Tadzio, dirigido en 1988 por Étienne Faure), Björn Andrésen también fue adorado en Japón, donde inspiró a creadores de manga, incluido el que dio origen a Lady Oscar. Pero tras un comienzo espectacular, su carrera como actor se limitó en gran medida a las producciones de la televisión sueca.

Björn Andrésen y Dirk Bogarde en Muerte en Venecia (1971)

También trabajó en películas como Smugglarkungen (1985), Kojan (1992) y  Pelikaanimies (2004). Fue, además, músico profesional y tecladista del grupo de dansband Sven Erics. En 2021, se estrenó el documental The Most Beautiful Boy in the World, de las directoras Kristina Lindström y Kristian Petri, basado en su vida y los efectos que la fama a partir de la película de Visconti tuvieron en ella.​ Se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2021. En él, Andrésen discute la vida familiar con su hermana. También habló sobre su vida en el internado. El documental también lo muestra revisando los registros policiales de la muerte de su madre. Ella desapareció en octubre de 1965 cuando Andrésen tenía diez años, y su cuerpo fue descubierto en un bosque en mayo de 1966.

Björn Andrésen en Muerte en Venecia (1971)

En su última aparición en la gran pantalla, interpretó al viejo Dan en Midsommar, la película de terror de Ari Aster, en 2019. Dos años más tarde, sus compatriotas Kristina Lindström y Kristian Petri le dedicaron un conmovedor documental, Björn Andrésen, en una situación muy precaria y con el rostro marcado, recuerda una vida de pruebas (el suicidio de su madre cuando tenía 10 años; el autoritarismo de una abuela que quería que su nieto fuera famoso a toda costa; la muerte de un niño a los 7 meses...), durante la cual Muerte en Venecia le había hecho más daño que bien.

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6. Zombieland: Mata y remata (Zombieland: Double Tap, 2019), de Ruben Fleischer

En esta secuela y empleando el característico sentido del humor del que hizo gala  Bienvenidos a Zombieland (Zombieland, 2009), el grupo de protagonistas tendrá que viajar desde la Casa Blanca hasta el corazón de los Estados Unidos, sobreviviendo a nuevas clases de muertos vivientes que han evolucionado desde lo sucedido hace algunos años, así como a algunos supervivientes humanos rezagados. Pero, por encima de todo, tendrán que tratar de soportar los inconvenientes de convivir entre ellos.

Tras acabar con una horda de zombis en la primera película, Tallahassee, Columbus, Wichita y Little Rock se instalan en la abandonada Casa Blanca. Pero los zombis aún no han terminado. ¡Genial!

7. Un lugar tranquilo 2 (A Quiet Place: Part II, 2020), de John Krasinski

Tras los fatales acontecimientos sucedidos en la primera parte, la familia Abbot (Emily Blunt, Millicent Simmonds y Noah Jupe) debe enfrentarse a los peligros del mundo exterior mientras luchan en silencio por sobrevivir. Forzados a aventurarse en lo desconocido, pronto se dan cuenta de que las criaturas que cazan orientadas por el sonido no son la única amenaza que acecha más allá del camino de arena.

¡Los monstruos que matan al menor ruido han vuelto! A partir de esta idea ya probada, el director construye una narrativa muy simple para concentrar su encomiable dirección en crear atmósferas tensas y llenas de sustos repentinos. Secuela de Un lugar tranquilo (A Quiet Place, 2018).

8. ¡Corten! (Coupez!, 2022), de Michel Hazanavicius

Un grupo de amigos se dispone a realizar una película de zombis en un edificio abandonado. Entre técnicos y actores desganados, parece que sólo el director está dispuesto a invertir la energía necesaria para terminar su película de terror de bajo presupuesto. Pero la inesperada irrupción de auténticos muertos vivientes perturbará el rodaje original.

Cuando se fusionan elementos de The Walking Dead y Day for Night, el resultado es una ingeniosa película de zombis y una vibrante declaración de amor al cine de bajo presupuesto. Michel Hazanavicius, en plena forma, disfruta del reto.

9. La matanza de Texas (Texas Chainsaw Massacre, 2022), de David Blue Garcia

Melody (Sarah Yarkin), su hermana adolescente Lila (Elsie Fisher) y sus amigos Dante (Jacob Latimore) y Ruth (Nell Hudson) viajan al remoto pueblo de Harlow (Texas) para montar un negocio muy idealista. Pero su sueño se convierte en una auténtica pesadilla cuando molestan sin querer a Leatherface, el desquiciado asesino en serie cuyo sangriento legado sigue acechando a los habitantes de la zona, entre ellos Sally Hardesty (Olwen Fouéré), la única superviviente de su masacre de 1973, decidida a vengarse a muerte.

Esta secuela del clásico de culto del terror es sin duda menos revolucionaria en su puesta en escena del horror, pero es más lúdica en su enfoque del terror puro. Y resulta aún más atractiva porque la carnicería se centra en una pandilla de hipsters insoportables, recién llegados al campo.

10. El elixir de la inmortalidad (Abadi Nan Jaya, 2025), de Kimo Stamboel

Una familia disfuncional regenta un reputado negocio de hierbas medicinales. El propietario de la empresa intenta innovar creando una nueva poción, que acaba desencadenando un brote zombi.

Esta producción indonesia comienza con un estilo similar al de Succession antes de adentrarse rápidamente en el género zombi. El patriarca bebe un elixir de la juventud adulterado y se transforma en zombi. Si bien no es precisamente innovadora, El elixir de la inmortalidad resulta entretenida gracias a su imaginería ultraviolenta y sangrienta bien lograda.

Hace 100 años: The Calgary Stampede

El 1 de noviembre de 1925 se estrenó la película estadounidense The Calgary Stampede, dirigida por Herbert Blaché e interpretada por Hoot Gibson,Virginia Browne Faire, Pierre Faunce, Clark Comstock, Ynez Seabury, Jim Corey, Philo McCullough, WT McCulley, Ena Gregory, Charles Sellon, Tex Young, Bob Gillis, Pat Patterson, Hank Bell, Walter Brennan. Productora: Universal Pictures. Duración: 91 minutos. 

Sinopsis argumental: El campeón de carreras Dan Malloy se enamora de la canadiense francesa Marie LeFarge, pero es acusado del asesinato de su padre. Logra evadir la ley hasta que gana el Calgary Stampede. Queda libre cuando se descubre al verdadero asesino.

Comentario: The Calgary Stampede es un clásico del cine mudo dirigido por Herbert Blaché en 1925. La película retrata la emocionante vida de los vaqueros y las competiciones en uno de los rodeos más grandes del mundo, el Calgary Stampede en Canadá. A través de sus imágenes, ofrece una mirada auténtica a las tradiciones del oeste y el espíritu aventurero de la época. The Calgary Stampede sobrevive en varios archivos cinematográficos.