Al Pacino a través de los años y sus películas (V)

(cont.)

Al Pacino y Jerry Barone en Two Bits (1995)

Al Pacino en Heat (1995)

Al Pacino y Danny Aiello en City Hall: la sombra de la corrupción (1996)

Johnny Depp y Al Pacino en Donnie Brasco (1997)

Al Pacino y Keanu Reeves en Pactar con el diablo (1997)

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Max von Sydow, faro del cine nórdico, ha perdido su última partida de ajedrez (I)

De Ingmar Bergman a John Huston, de Woody Allen a la saga Star Wars, impuso su orgullosa estatura de vikingo en el cine internacional. Una mirada retrospectiva a la carrera de Max von Sydow, un imponente y sensible actor franco-sueco, que desapareció el 8 de marzo de 2020, a la edad de 90 años.

Al igual que Alfred Hitchcock, que se veía a sí mismo en James Stewart y soñaba a sí mismo como Cary Grant, Ingmar Bergman tenía dos dobles: Erland Josephson, muy neutro, muy "ordinario", a quien usaba para sus escenas de la vida matrimonial. Y Max von Sydow, que nos acaba de dejar. Lo reservó, dado su físico de vikingo, para peleas más espectaculares: jugar al ajedrez con la Muerte, por ejemplo, en El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957). O vengarse por un triple asesinato, incluido el de un niño, la violación de su hija -El manantial de la doncella (Jungfrukällan, 1960)-. Max e Ingmar habrán realizado algo más de una docena de películas, en total, incluidas algunas obras maestras: 
1.- Llega el señor Sleeman (Herr Sleeman kommer, 1957). Primera pieza de Bergman para el formato televisivo data de cuando todavía el medio era muy incipiente. El personaje principal es una joven huérfana que está a punto de ser casada con un anciano poco atractivo pero rico, el Sr. Sleeman, bajo el impulso de sus tías que se han hecho cargo de ella. Bergman infunde la situación con tintes de un pesimismo triste sobre la vida en general.

2.- El séptimo sello (Det sjunde inseglet, 1957). Ambientada en la Europa medieval durante la peste negra, relata el viaje de un caballero cruzado (Max von Sydow) y de una partida de ajedrez que él juega con la Muerte (Bengt Ekerot), la cual ha venido a tomar su alma. Bergman desarrolló la trama de la película basándose en una pieza teatral suya titulada Pintura sobre tabla. El título hace referencia a un pasaje tomado del libro del Apocalipsis, que se utiliza tanto al principio como al final de la película. La película empieza con las siguientes palabras: "Y cuando el Cordero rompió el séptimo sello del rollo, hubo silencio en el cielo durante una media hora". (Ap 8:1) Aquí, la frase "silencio en el cielo" hace alusión al "silencio de Dios", el cual es el tema principal de la película. Esta obra es considerada un gran clásico del cine universal. Ayudó a Bergman a establecerse como un director de renombre; además, contiene escenas que se han convertido en ícono debido a que han sido parodiadas u homenajeadas a lo largo del tiempo. La revista jesuítica America atribuye a esta película el mérito de haber iniciado "una serie de siete filmes que exploraron la posibilidad de la fe en la era post-Holocausto, la era nuclear".​ Igualmente, los historiadores del cine Thomas W. Bohn y Richard L. Stromgren atribuyen a este filme haber iniciado "su círculo de películas que tratan con dilema el tema de la fe religiosa".

Max von Sydow y Bengt Ekerot en El séptimo sello (1957)

3.- Fresas salvajes (Smultronstället, 1957). La historia relata el viaje del anciano profesor Isak Borg desde Estocolmo a Lund en compañía de su nuera y tres jóvenes, y durante el cual reflexiona sobre la vida, la muerte y la existencia humana. Está considerada como una de las cintas más emocionales y optimistas del director sueco, tanto que el Vaticano la seleccionó como una de las cuarenta y cinco mejores películas de la historia del cine. El cineasta escribió el guion poco después del estreno de El séptimo sello mientras se encontraba hospitalizado en Estocolmo. En España fue traducida como Fresas salvajes; sin embargo, Smultronstället no hace referencia únicamente a la fresa salvaje o silvestre —que sería la traducción literal del título— sino también al lugar y la fecha, la primavera, en los que crece. El reparto incluye a Victor Sjöström, en la que sería su última aparición en el cine.

Victor Sjöström y Ingrid Thulin en Fresas salvajes (1957)

4.- En el umbral de la vida (Nära livet, 1958). También conocida como Tres almas desnudas. Rodada tras rodaría tras concluir la admirable y ya citada Fresas salvajes. Una película “de cámara”, rodada en apenas un par de escenarios, y ubicada en el lívido e impersonal paritorio de un hospital. Allí se reúnen tres mujeres de diferente personalidad, prestas ambas a dar a luz sus respectivos hijos. Como es previsible, las tres futuras madres responden a rasgos de personalidad, características y situaciones completamente dispares. Una de ellas, Cecilia (Ingrid Thulin), es una joven de personalidad abierta y dotes intelectuales, y a quien la pérdida de su hijo por desangramiento le llevará a planteárselo como un indicio para separarse de su marido, con quien en apariencia vive una existencia cómoda. Por su parte, Hjördis (Bibi Andersson) es una muchacha con una problemática familiar, que le lleva a mantener una visión negativa de la existencia, llegando a forzar actividades físicas para intentar deshacerse de su feto, puesto que además viviría como madre soltera. Contraponiendo ambos caracteres, se encuentra la optimista y animosa Stina (Eva Dahlbeck), deseosa de dar a luz y dispuesta a vivir dicha experiencia como un designio divino. Sin embargo, llegado el momento, una serie de contracciones violentas culminarán con la muerte del niño que esta portaba en su vientre, sumiendo a la mujer en una honda tristeza.

Max von Sydow y Eva Dahlbeck en El umbral de la vida(1958)

5.- Rabies (1958). Película para la televisión que consiste en el retrato de las turbulentas relaciones entre una serie de personajes. El tendero Sixten cada vez se comporta peor con su amante, la doncella Jenny; ella se venga provocando una pelea entre Eivor y su futuro marido, quien a su vez descarga sus frustraciones en su primo Knut, un militar que maltrata a sus subordinados. El soldado Sven que es, además, estudiante, desahoga sus frustraciones con un compañero al que ayuda en sus estudios. Éste último vuelca su rabia contra el tendero Sixten.

Rabies (1958)

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Historia del cine español: Los nuevos caminos del siglo XXI (III)

Te doy mis ojos (2003). Dirección: Icíar Bollaín. Interpretación: Laia Marull, Luis Tosar, Candela Peña, Rosa María Sardà, Kiti Manver, Elisabet Gelabert, Sergi Calleja, Nicolás Fernández Luna, Chus Gutiérrez, Elena Irureta, Dave Mooney, Antonio de la Torre, Francesc Garrido, Roberto Álamo. Guion: Icíar Bollaín, Alicia Luna. Música: Alberto Iglesias. Fotografía: Carles Gusi. Productora: Producciones La Iguana S.L./Alta Producción. Drama. Drama social. Celos. Familia. Duración: 106 minutos. Festival de San Sebastián: Concha de Plata a mejor actor (Tosar) y actriz (Marull); 7 Premios Goya: incluyendo mejor película, dirección, actriz y actor; Premios Forqué: Mejor película; Premios Ariel: Nominada a mejor película iberoamericana; Premios del Cine Europeo: 2 nominaciones. Pilar huye en plena noche de su casa, situada en un barrio periférico y residencial de Toledo; lleva consigo a su hijo de unos ocho años. En su huida busca refugio en casa de su hermana, una restauradora de arte que lleva una vida independiente al lado de su pareja escocesa, ambos residen en la parte vieja e histórica de Toledo. Pilar es una víctima más de violencia doméstica, que intenta rehacer su vida y empieza a trabajar como cajera de visitas turísticas en la iglesia que alberga el cuadro El entierro del Conde de Orgaz. A través de su nuevo trabajo comienza a relacionarse con otras mujeres. Antonio, su marido, emprende su busca y su recuperación, promete cambiar y busca ayuda en un psicólogo. Pilar le da otra oportunidad a su marido, con la oposición de su hermana, que es incapaz de entender su actitud. A pesar de los esfuerzos de Antonio por seguir los consejos de la terapia, su personalidad violenta e inseguridades le pueden y acaba desnudando y humillando públicamente en un balcón a su mujer. La película termina con un final abierto en el que Pilar, escoltada por sus compañeras de trabajo, recoge sus cosas del domicilio para emprender una nueva vida, mientras Antonio la mira pensativo. Según palabras de Icíar Bollaín: "Te doy mis ojos cuenta la historia de Pilar y Antonio pero también de quienes los rodean, una madre que consiente, una hermana que no entiende, un hijo que mira y calla, unas amigas, una sociedad y una ciudad como Toledo que añade con su esplendor artístico y su peso histórico y religioso una dimensión más a esta historia de amor, de miedo, de control y de poder".

Al Pacino a través de los años y sus películas (IV)

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Al Pacino en El Padrino: Parte  III (1990)

Al Pacino y Michelle Pfeiffer en Frankie y Johnny (1991)

Al Pacino y Jack Lemmon en Glengarry Glen Ross: Éxito a cualquier precio (1992)

Al Pacino y Gabrielle Anwar en Esencia de mujer (1992)

Sean Penn y Al Pacino en Atrapado por su pasado (1993)

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Cine: El nacimiento del star-system (V)

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Mientras tanto, otros intérpretes lograron el favor del público, y las productoras les ofrecieron honorarios fabulosos para asegurarse sus servicios. Entre ellos, se encontraban galanes, damiselas, temerarias rubias y morenas, como las reinas de los seriales Pearl White (de The Perils of Pauline, 1914), Grace Cunard y Ruth Roland; animales (en 1911), Jean, un perro, se convirtió en la primera estrella no humana de la pantalla, y cómicos (las películas Mack Sennett para la Keystone aparecieron en 1912, y Chaplin entró a formar parte de la compañía en diciembre de 1913). Todos ellos saltaron en muy poco tiempo del anonimato a la fama.

    Pearl White en The Perils of Pauline (1914)

Los primeros tipos de estrellas no diferían mucho de sus equivalentes europeos: el estoico héroe del oeste, William S. Hart, se parecía bastante a los actores escandinavos, procedentes de una escuela realista y psicologista de interpretar, mientras que la danesa Asta Nielsen y las grandes "prima donnas" italianas, como Francesca Bertini y Pina Menichelli, sirvieron de modelo a las primeras "vamp" americanas, entre las que destacó Theda Bara. El cómico francés Max Linder fue el predecesor de numerosos actores cómicos norteamericanos. Pero el factor que más contribuyó a a la abrumadora popularidad de las estrellas americanas fue su frescura y espontaneidad. En sus películas parecían rechazar la introspección del Viejo Mundo, en favor de la acción y el dinamismo, más propios de la joven Norteamérica. 

J. Frank Burke, William S. Hart, J. Barney Sherry y Leo Willis ein The Bargain (1914)

Un paso importante en el proceso de aceptación del cine como algo serio por parte de los críticos y de la sociedad (aunque cabe dudar de que eso fueses realmente positivo) se produjo en 1912. Adolph Zukor compró los derechos de distribución de la película francesa Les amours de la reine Élisabeth (1912), interpretada nada más y nada menos que por la legendaria Sarah Bernhardt, una actriz cuya posición en el mundo del teatro era la de semidiosa. Era ya mayor y no conocía en absoluto la técnica cinematográfica, pero su reputación era inatacable. Además, si la actriz más ilustre de toda la historia del teatro creía que el cine era su oportunidad de "pasar a la inmortalidad" ¿cómo iba a pensar lo contrario cualquier modesto intérprete norteamericano? El enorme éxito de la película lanzó a la Famous Player Film Company de Zukor, y una larga sucesión de estrellas de Broadway y de la ópera comenzaron a trabajar en el cine...

    Sarah Bernhardt en Les amours de la reine Élisabeth (1912)

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Historia del cine español: Los nuevos caminos del siglo XXI (VI)

El laberinto del fauno (2006). Dirección: Guillermo del Toro. Interpretación: Ivana Baquero, Sergi López, Maribel Verdú, Doug Jones, Ariadna Gil, Álex Angulo, Federico Luppi, Roger Casamajor, Fernando Tielve, Pepa Pedroche, José Luis Torrijo. Guion: Guillermo del Toro. Música: Javier Navarrete. Fotografía: Guillermo Navarro. Productora: Coproducción España-México-Estados Unidos; Estudios Picasso/Tequila Gang/Telecinco/Sententia Entertainment. Fantástico. Drama. Thriller. Vida rural. Años 1940. Posguerra española. Monstruos. Cuentos. Duración: 112 minutos. 3 Oscars: Mejor fotografía, dirección artística, maquillaje. 6 Nominaciones; Globos de oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa (México); 7 Premios Goya, incluyendo guión original y actriz revelación (Baquero); 3 Premios BAFTA: Mejor vestuario, maquillaje y película de habla no inglesa. 8 nominaciones; Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película); Círculo de críticos de Nueva York: Mejor fotografía; Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor diseño de producción. 2 nominaciones; 2 nominaciones Critics' Choice Awards: Película de habla no inglesa, actriz joven;  Premios Ariel: 9 Premios incluyendo mejor película y director. 12 nominaciones; National Board of Review (NBR): Top películas extranjeras del año; Premios Independent Spirit: Mejor fotografía. 2 nominaciones; Asociación de Críticos de Chicago: 2 nominaciones, incluida mejor película extranjera; Premios Forqué: Mejor película; Premios Sur: Nominada a mejor película extranjera. Año 1944, posguerra española. Ofelia (Ivana Baquero) y su madre, Carmen (Ariadna Gil), que se encuentra en avanzado estado de gestación, se trasladan a un pequeño pueblo al que ha sido destinado el nuevo marido de Carmen, Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista por el que la niña no siente ningún afecto. La misión de Vidal es acabar con los últimos miembros de la resistencia republicana que permanecen escondidos en los montes de la zona. Otros personajes son: Mercedes (Maribel Verdú), el ama de llaves, y el médico (Álex Angulo) que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen. Una noche, Ofelia descubre las ruinas de un laberinto, y allí se encuentra con un fauno (Doug Jones), una extraña criatura que le hace una sorprendente revelación: ella es en realidad una princesa, la última de su estirpe, y los suyos la esperan desde hace mucho tiempo. Para poder regresar a su mágico reino, la niña deberá enfrentarse a tres pruebas.

Al Pacino a través de los años y sus películas (III)

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Al Pacino en El precio del poder (1983)

Al Pacino y Dexter Fletcher en Revolución (1985)

Al Pacino y Ellen Barkin en Melodía de seducción (1989)

Al Pacino en The Local Stigmatic (1990)

Al Pacino, Warren Beatty y William Forsythe en Dick Tracy (1990)

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Hace 100 años: Las hijas del cervecero

El 9 de marzo de 1920 se estrenó la película Las hijas del cervecero (Kohlhiesels Töchter), dirigida por Ernst Lubitsch e interpretada por Jacob Tiedtke, Henny Porten, Emil Jannings, Gustav von Wangenheim, Willi Prager. Productora: Messter Film. Duración: 50 minutos.

Sinopsis argumental: Gretel y Liesel son las hijas del cervecero. Gretel encuentra un pretendiente, pero el padre quiere que primero se case Liesel. 

Comentario: Una de las obras menores dentro de la etapa alemana de Lubitsch, basada en una comedia popular de Friedrich Raff y Julius Urgiss. El humor algo elemental en que se basa cuenta con algunos destellos de inspiración, gracias a los que se remonta el vuelo, aunque el conjunto no pasa de una corrección bastante convencional.

Historia del cine español: Los nuevos caminos del siglo XXI (V)

Alatriste (2006). Dirección: Agustín Díaz Yanes. Interpretación: Viggo Mortensen, Elena Anaya, Unax Ugalde, Eduard Fernández, Enrico Lo Verso, Eduardo Noriega, Juan Echanove, Ariadna Gil, Antonio Dechent, Javier Cámara, Blanca Portillo, Pilar López de Ayala, Pilar Bardem, Cristina Marcos, Francesc Garrido, Nadia de Santiago, Álex O'Dogherty, Carlos Bardem, Nicolás Belmonte, Nacho Pérez, Paco Tous. Guion: Agustín Díaz Yanes (Novela: Arturo Pérez-Reverte). Música: Roque Baños. Fotografía: Paco Femenía. Productora: Coproducción España-Francia-Estados Unidos; Estudios Picasso/Origen PC. Aventuras. Acción. Drama. Histórico. Siglo XVII. Capa y espada. Duración: 140 minutos. 3 Premios Goya: diseño de vestuario, dir. artística y diseño de producción. 15 nominaciones; Premios Forqué: Nominada a mejor película; Premios del Cine Europeo: Nominada a Premio del Público y excelencia. España Imperial, siglo XVII. Diego Alatriste, valeroso soldado al servicio de su majestad, combate en la guerra de Flandes. En una emboscada de los holandeses, Balboa, su amigo y compañero de armas, cae herido de muerte y le hace una petición que Alatriste promete cumplir: cuidar de su hijo Íñigo y alejarlo del oficio de las armas. Posteriormente, Alatriste, que malvive alquilando su espada, es contratado junto a otro mercenario, el italiano Gualterio Malatesta, para dar muerte a dos misteriosos personajes que viajan de incógnito a Madrid. Basada en el personaje protagonista de Las aventuras del capitán Alatriste de Arturo Pérez-Reverte. Fue la segunda película más cara de la historia del cine español, con un presupuesto de 24 millones de euros y sólo superada por Ágora (2009),​ pero la primera de las rodadas en castellano. Distribuida por 20th Century Fox, la película tuvo mucho éxito en Asia —donde es conocida como La película de España— y ocupa el puesto 19 de las películas españolas con mayor recaudación en dicho continente.

Efemérides de cine: Las siete vidas del gato

El 8 de marzo de 1970 se estrenó la película española Las siete vidas del gato, dirigida por Pedro Lazaga e interpretada por Esperanza Roy, Juanjo Menéndez, Antonio Ozores, Rosanna Yanni, José Luis Coll, Patty Shepard,  Valeriano Andrés,  Mari Carmen Prendes,  María Luisa Ponte, George Rigaud,  Luis Barbero,  Mirta Miller. Productora: Mundial Films. Duración: 90 minutos. 

Sinopsis argumental: Sobre la familia de Guillermo pesa desde hace años una terrible maldición: todas las mujeres han muerto por razones de amor y a manos de los hombres del propio clan. Lo extraño es que antes de cada muerte aparece un gato. Un día, mientras Guillermo prepara los papeles para su boda con Beatriz, descubre aterrorizado que ambos son parientes lejanos.

Comentario: A partir de una obra del dramaturgo Enrique Jardiel Poncela, el director Pedro Lazaga estrenó otra de sus múltiples comedias. Conocido especialmente por las películas realizadas junto al cómico Paco Martínez Soria (Hay que educar a papá, El abuelo tiene un plan), el cineasta dio en esta ocasión el protagonismo a uno de los especialistas en la llamada comedia española, un Antonio Ozores que volvía a centrar su gracia en su lenguaje atropellado e ininteligible. En esta ocasión, protagonizó esta historia de equívocos, donde una supuesta maldición condicionará la vida y las relaciones de los personajes entre sí. Como es habitual en estas películas, lo mejor son sus actores secundarios. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.

Historia del cine español: Los nuevos caminos del siglo XXI (IV)

Mar adentro (2004). Dirección: Alejandro Amenábar Interpretación: Javier Bardem, Belén Rueda, Lola Dueñas, Mabel Rivera, Clara Segura, Joan Dalmau, Tamar Novas, Josep Maria Pou, Celso Bugallo, Francesc Garrido. Guion: Alejandro Amenábar, Mateo Gil. Música: Alejandro Amenábar. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Productora: Sogecine/Himenóptero/UGC Images/Eyescreen/TVE/Canal+ España/Televisión de Galicia (TVG). Drama. Basado en hechos reales. Discapacidad. Biográfico. Años 1990. Duración: 125 minutos. Nominada al Cesar: Mejor película extranjera; Oscar: Mejor película habla no inglesa. 2 nominaciones; Globos de Oro: Mejor Película de habla no inglesa. 2 nominaciones; 14 Premios Goya, incluyendo mejor película, director, actor. 15 nominaciones; Festival de Venecia: León de Plata - Premio Especial del Jurado, mejor actor (Bardem); Premios del Cine Europeo: Mejor Director, Mejor Actor (Bardem); Premios David di Donatello: Mejor película europea; National Board of Review: Mejor película extranjera; Critics' Choice Awards: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones; Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera; Premios Forqué: Mejor película; Premios Ariel: Nominada a Mejor película iberoamericana. Ramón (Javier Bardem) lleva casi treinta años postrado en una cama al cuidado de su familia. Su única ventana al mundo es la de su habitación, que da al mar, donde sufrió el accidente que interrumpió su juventud. Desde entonces, su único deseo es morir dignamente. En su vida ejercen una gran influencia dos mujeres: Julia (Belén Rueda), una abogada que apoya su causa, y Rosa (Lola Dueñas), una vecina que intenta convencerlo de que vivir merece la pena. Pero también ellas, cautivadas por la luminosa personalidad de Ramón, se replantearán los principios que rigen sus vidas. Él sabe que sólo quien de verdad le ame le ayudará a emprender el último viaje. Se trata de un remake de Condenado a vivir de 2001 y está basada en la historia real de Ramón Sampedro, un escritor y exmarinero quien queda tetrapléjico tras un accidente ocurrido durante su juventud y permanece postrado en una cama durante casi 30 años, situación por la que desea morir mediante la aplicación de la eutanasia. La película relata la lucha de Sampedro para lograr que la ley reconozca su derecho a morir.

Historia del cine español: Los nuevos caminos del siglo XXI (II)

El otro lado de la cama (2002). Dirección: Emilio Martínez-Lázaro. Interpretación: Paz Vega, Ernesto Alterio, Natalia Verbeke, Guillermo Toledo, María Esteve, Alberto San Juan, Ramón Barea, Nathalie Poza, Carol Salvador, Blanca Marsillach, Geli Albadalejo, Secun De La Rosa, Leticia Dolera, Cote Soler, Luis Bermejo, Mercedes del Castillo, Javier Gutiérrez, Daniel González, Dacia González. Guion: David Serrano. Música: Roque Baños. Fotografía: Juan Molina. Productora: Telespan 2000. Musical. Comedia. Romance. Duración: 100 minutos. Premios Goya: Mejor sonido. 6 nominaciones; Festival de Málaga: Mejor película, Premio del Público;  Premios Forqué: Nominada a mejor película. Sonia y Javier llevan varios años viviendo juntos y varios más siendo novios. Pedro y Paula no viven juntos, pero sí son novios desde hace varios años. O eran, porque ella se ha enamorado de otro y le dice aquello de «prefiero que seamos amigos». La situación de Javier es bastante peliaguda: por un lado tiene que aguantar las presiones de Paula que le pide que sólo sea amigo de Sonia, y por otro tiene que intentar que Pedro no se entere de que es él quien está con su antigua novia, lo que tampoco es fácil porque para Pedro en este momento la vida sólo tiene un sentido: descubrir con quién está Paula. Entretanto van apareciendo nuevos personajes: Rafa y Carlos, dos amigos de Pedro y Javier, el primero un taxista con una curiosa visión de la vida y el segundo un chico que nunca termina las frases que empieza; Antonio Sagaz, el estrafalario detective que contrata Pedro para que descubra quién es el amante de Paula; Pilar, una chica un poco psicópata que se enamora perdidamente de Pedro, y Lucía, una actriz amiga de Sonia, guapa, simpática y lesbiana, algo que tendrá mucha importancia en la historia... En 2005 se estrenó una secuela llamada Los 2 lados de la cama en la que también participan Ernesto Alterio y Guillermo Toledo, entre otros. En el 2006 se estrenó la película francesa On va s'aimer, que es un remake de la española.

De Gaulle: un traje demasiado grande para Lambert Wilson

Lambert Wilson, bastante postizo, no puede salvar esta película biográfica blanda y didáctica dedicada al General. Una empresa peligrosa y, desafortunadamente, aburrida.

En la comedia Mes jours de gloire (2019), Vincent Lacoste interpreta a un joven actor perdido, contratado de repente para asumir el papel abrumador en una película biográfica sobre Charles de Gaulle... Podemos ver todos los peligros peculiares de una empresa así, ya que la silueta tan característica del general es susceptible a caricaturas, incluso involuntarias. De Gaulle (2020), de Gabriel Le Bomin, una película grandilocuente centrada en el año 1940, ilustra perfectamente el escollo.

Paris, junio de 1940. La pareja de los "de Gaulle" intenta hacer frente al colapso militar y político de Francia. Charles de Gaulle pone rumbo a Londres mientras que su mujer Yvonne parte hacia el exilio con sus tres hijos. 

100 sagas de cine: La profecía

Los cuatro títulos que componen la saga cinematográfica de La profecía se inició en 1976 con el clásico de Richard Donner.

1.- La profecía (The Omen, 1976). Estados Unidos. Dirección: Richard Donner. Interpretación: Gregory Peck, Lee Remick, David Warner, Billie Whitelaw, Harvey Stephens, Leo McKern, Patrick Troughton, Robert Rietty, Martin Benson. Guion: David Seltzer. Música: Jerry Goldsmith. Fotografía: Gilbert Taylor. Productora: 20th Century Fox. Terror. Intriga. Sobrenatural. Infancia. Fin del mundo. Duración: 111 minutos. Oscar: Mejor banda sonora original. 2 nominaciones; Globos de Oro: Nominada mejor actor revelación (Harvey Stephens); Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz secundaria (Billie Whitelaw); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guión original drama. Cuando Kathy Thorn da a luz a un bebé muerto, su esposo Robert le oculta la verdad y sustituye a su hijo por un niño huérfano, ignorando su origen satánico. El horror empieza cuando, en el quinto cumpleaños de Damien, inesperadamente, su niñera se suicida. Un sacerdote que trata de advertir a Robert del peligro que corre, muere en un inesperado accidente. El creciente número de muertes hace que Robert, por fin, se dé cuenta de que el niño que han adoptado es el Anticristo y que hay que eliminarlo para impedir que se cumpla una terrible profecía. Junto con La semilla del diablo (Rosemary's Baby, 1968) y El exorcista (The Exorcist, 1973) es una de las pocas producciones cuya calidad trascendió el género de terror sobrenatural. Años después tuvo tres secuelas, con las que forma una especie de tetralogía, y tres décadas después se produjo un remake, estrenado el 6 de junio del 2006, en medio de una sonora campaña de marketing por coincidir con la "fecha del Anticristo".

2.- La maldición de Damien (La profecía 2) (Damien: Omen II, 1978). Estados Unidos. Dirección: Don Taylor. Interpretación: William Holden, Lee Grant, Jonathan Scott Taylor, Robert Foxworth, Nicholas Pryor, Lew Ayres, Sylvia Sidney, Lance Henriksen, Elizabeth Shepherd. Guion: Mike Hodges, Stanley Mann (Historia: Harvey Bernhard). Música: Jerry Goldsmith. Fotografía: Bill Butler. Productora: 20th Century Fox. Terror. Secuela. Duración: 107 minutos. Desde la repentina y sospechosa muerte de sus padres, Damien, vive con sus adinerados tíos (Lee Grant y William Holden). El chico, a quien muchos consideran el Anticristo, planea fríamente apoderarse del imperio empresarial de su tío como primer paso para dominar el mundo. Mientras tanto, todos los que intentan desvelar los secretos de su siniestro pasado, o de su pérfido futuro, encuentran la muerte de forma rápida y cruel...William Holden que inicialmente rechazara intervenir en “La Profecía” también cambió de parecer y se convirtió en el tutor de Damien, Lee Grant en su madrastra y la historia se repite con la evolución biológica del diablo dentro del cuerpo del ahora adolescente Damien.

3.- El final de Damien (La profecía 3) (Omen III: The Final Conflict, 1981). Estados Unidos. Dirección: Graham Baker. Interpretación: Sam Neill, Rossano Brazzi, Don Gordon, Lisa Harrow, Barnaby Holm, Mason Adams, Robert Arden. Guion: Andrew Birkin (Personajes: David Seltzer). Música: Jerry Goldsmith. Fotografía: Phil Meheux, Robert Paynter. Productora: 20th Century Fox. Terror. Secuela. Duración: 108 minutos. Damien Thorn (Sam Neill), de 32 años, es un ser cruel, frío y calculador que ha sido engendrado por el diablo y cuyo único objetivo es dominar el mundo. Con tal de conseguir sus propósitos está dispuesto a matara todo el que se cruce en su camino. Sólo un abnegado sacerdote (Brazzi), cuya misión es destruir al Anticristo y que tiene en su poder las siete dagas sagradas de Megiddo, se interpone entre Damien y su deseo de sembrar el caos y la destrucción. Con esta película llegamos por fin al final de la historia de Damien (que no de la saga que continúa en un remake adicional).
4.- La profecía: Omen 666 (The Omen, 2006). Estados Unidos. Dirección: John Moore. Interpretación: Seamus Davey-Fitzpatrick, Liev Schreiber, Julia Stiles, Mia Farrow, David Thewlis, Michael Gambon, Pete Postlethwaite, Predrag Bjelac, Harvey Stephens, Carlo Delmi, Giovanni Lombardo, MyAnna Buring, Kammy Darweish, Reggie Austin, Janet Henfrey, Pavel Cajzl, Richard Rees, Nikki Amuka-Bird, Federico Pacifici, Alessandra Vanzi, Massimo Bellinzoni, Vee Vimolmal, Joe Towne, Curtis Matthew. Guion: David Seltzer. Música: Marco Beltrami. Fotografía: Jonathan Sela. Productora: 20th Century Fox/11:11 Mediaworks. Terror. Thriller. Sobrenatural. Remake. Fin del mundo. Duración: 110 minutos. Muchos creen que la profecía del Libro de la Revelación, también conocido como Apocalipsis, plantea el mapa de un terrible futuro… o presenta fragmentos de la historia que se han hecho realidad en nuestra época. Las señales, proclaman, están a nuestro alrededor en forma de ataques terroristas, fenómenos meteorológicos extremos… la lista continúa. El pasaje apunta en concreto a la llegada del Anticristo, que está marcado con la secuencia numérica "666": la marca de la Bestia Robert Thorn ignora por completo estas oscuras profecías. Thorn, un diplomático americano de alto rango, tiene otras cosas en mente. Su mujer, Kathryn, ha sufrido un penoso alumbramiento y todavía no sabe que su hijo recién nacido ha muerto. El sacerdote del hospital, el Padre Spiletto, se presenta a Thorn con otro niño que ha nacido esa misma noche y cuya madre ha fallecido en el parto. El cura apremia a Thorn para que acepte al chico como si fuera suyo; Kathryn nunca sabrá la verdad, y su hijo, al que pondrán por nombre Damien, crecerá como si fuera de ellos. Kathryn acepta al hijo como propio, volcándose en él como cualquier madre; Thorn, parece ser, ha tomado la decisión correcta. Pero ciertos acontecimientos, que aparentemente giran en torno a Damien, el cual ahora ya cuenta con cinco años de edad, son profundamente perturbadores. Los angustiantes incidentes se multiplican, lo que indica que algo malo, tremendamente malo, pasa con Damien. La profecía está clara, los signos no dejan lugar a dudas: ha llegado la hora del Armagedón.

Cumplió 25 años: Estallido

El 6 de marzo de 1995 se estrenó la película estadounidense Estallido (Outbreak), dirigida por Wolfgang Petersen e interpretada por Dustin Hoffman, René Russo, Morgan Freeman, Kevin Spacey, Cuba Gooding Jr., Donald Sutherland, J.T. Walsh, Patrick Dempsey, Zakes Mokae, Malick Bowens, Dale Dye. Productora: Warner Bros./Kopelson Entertainment/Punch Productions. Duración: 127 minutos. 

Sinopsis argumental: En África, el ejército de los Estados Unidos arrasa un campamento del Zaire en el que un virus mortal semejante al ébola estaba acabando con la población. Lo que se pretendía con esta medida era mantener el virus en secreto y, al mismo tiempo, impedir que se propagase. Lo que no estaba previsto era que un pequeño mono, portador del peligroso virus, viajara en un barco desde el Zaire a EE.UU. El pánico se desata cuando se descubre que todos los que que han estado en contacto con el simio empiezan a mostrar los primeros síntomas de la enfermedad. 

Nominaciones y premios: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor actor secundario (Kevin Spacey); Asociación de Críticos de Los Angeles: Nominada a Mejor actor secundario (Spacey).

Comentario: Basada en la novela del mismo nombre de Robin Cook. Superproducción de género catastrófico que enfrenta a su héroe con un enemigo invisible: un virus letal importado de África y con un sospechoso parecido al ébola.

Cumplió 25 años: Cardiograma

El 5 de marzo de 1995 se estrenó la película kazaja Cardiograma (Kardiogramma),  dirigida por Darezhan Omirbayev e interpretada por Zhasulan Asauov, Gulnara Dusmatova, Ilyas Kalymbetov, Saule Toktybayeva, Asil Badayev, Mariya Stepanova, Baurzhan Akhmetov. Productora: Kazakhfilm Studios. Duración: 75 minutos. 

Sinopsis argumental: Trata los problemas de las minorías lingüísticas a partir del punto de vista de un muchacho kazajo monolingüe, que debe pasar un mes en un sanatorio de la capital, donde la mayoría habla ruso. Los conflictos inherentes a la adolescencia se verán intensificados por la sensación de aislamiento.

Nominaciones y premios: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro. 

Comentario: Una visión de la infancia con toques nostálgicos. 

100 sagas de cine: La pantera rosa (IV)

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10.- La pantera rosa (The Pink Panther, 2006). Estados Unidos. Dirección: Shawn Levy. Interpretación: Steve Martin, Kevin Kline, Beyoncé, Jean Reno, Henry Czerny, Kristin Chenoweth, Roger Rees, William Abadie, Philip Goodwin, Anna Katarina, Jean Dell, Clive Owen, Jason Statham. Guion: Len Blum, Steve Martin (Personajes: Blake Edwards). Música: Christophe Beck. Fotografía: Jonathan Brown. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)/Columbia Pictures/The Montecito Picture Company/Robert Simonds Productions. Comedia. Aventuras. Intriga. Remake. Pantera rosa. Duración: 93 minutos.  Premios Razzie: 2 nominaciones a la peor actriz secundaria (Kristin Chenoweth) y peor remake o copia. Después de matar a un entrenador de fútbol de fama mundial, los asesinos le roban un anillo de incalculable valor. Las autoridades francesas buscan al mejor detective para que se ocupe del asunto, pero como no está disponible, no tienen más remedio que asignarle el caso al inspector Clouseau. Es un remake de la película original para celebrar su 40º aniversario. Sin embargo, en realidad es una precuela, lo que significa que, pese a estar rodada 41 años después que la película original, la acción se sitúa en un momento anterior dentro del eje temporal de la propia historia.

11.- La pantera rosa 2 (The Pink Panther 2, 2009). Estados Unidos. Dirección: Harald Zwart. Interpretación: Steve Martin, Jean Reno, Anne Katarine, Emily Mortimer, Andy García, Aishwarya Rai, Alfred Molina, Yuki Matsuzaki, John Cleese, Lily Tomlin, Natalie Rushman, Jeremy Irons, Johnny Hallyday. Guion: Scott Neustadter, Michael M. Weber, Steve Martin (Historia: Scott Neustadter, Michael H. Weber, basada en La Pantera Rosa). Música: Christophe Beck. Fotografía: Denis Crossan. Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)/Columbia Pictures/Robert Simonds Productions/21 Laps Entertainment. Comedia. Aventuras. Intriga. Remake. Secuela. Pantera rosa. Duración: 92 minutos. 2 Nominaciones a los Premios Razzie: peor actor y peor precuela, remake o secuela. Secuela de La pantera rosa (de 2006). El temible ladrón El Tornado ha vuelto a hacer de las suyas. Esta vez no se ha contentado con robar una sola obra de arte, sino que en pocos días se hace con algunos de los tesoros más valiosos de la humanidad, como la Sábana Santa. Como no puede ser de otra manera, El Tornado también roba la Pantera Rosa, la genial joya que trajo de cabeza al inspector Clouseau en la primera entrega de la saga. La indignación por los robos se extiende a nivel mundial, por lo que se forma un “dream team” de investigadores internacionales para detener a El Tornado. Dada la fama adquirida por Clouseau en el anterior capítulo, todos están de acuerdo en que él es el hombre indicado para comandar a lo mejor de lo mejor del mundo de la investigación.

Efemérides de cine: Aeropuerto

El 5 de marzo de 1970 se estrenó la película estadounidense Aeropuerto (Airport), dirigida por George Seaton con Burt Lancaster, Dean Martin, Jean Seberg, Jacqueline Bisset,  George Kennedy, Helen Hayes, Van Heflin, Maureen Stapleton, Barry Nelson, Dana Wynter, Barbara Hale, Lloyd Nolan. Productora: Universal. Duración: 137 minutos. 

Sinopsis argumental: Un temporal de nieve azota Chicago, dificultando el intenso tráfico de su aeropuerto. A pesar de las malas condiciones meteorológicas, el aeropuerto consigue permanecer abierto, pero entre los aviones que despegan causa una gran alarma el que vuela con destino a Roma, porque, entre los pasajeros, hay un polizonte y un hombre con un maletín sospechoso. 

Nominaciones y premios: Oscar: Mejor actriz secundaria (Helen Hayes). 10 nominaciones;  Globos de Oro: Mejor actriz de reparto (ex-aequo: Stapleton). 4 nominaciones; Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz secundaria (Maureen Stapleton); Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión adaptado drama.

Comentario: Basada en la novela homónima de Arthur Hailey. Fue la iniciadora del género de cine de desastres, estableciendo muchas de las convenciones usadas por las películas de este género. Tuvo tres secuelas: Aeropuerto 75, Aeropuerto 77 y Aeropuerto 79. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: El eroticón

El 5 de marzo de 1970 se estrenó la película británica El eroticón (Every Home Should Have One), dirigida por Jim Clark e interpretada por Marty Feldman, Judy Cornwell, Garry Miller, Shelley Berman, Hy Hazell, Julie Ege, Penelope Keith, Moray Watson, Jack Watson, Mark Elwes, Harold Innocent, Dinsdale Landen, John McKelvey, Patrick Cargill, Alan Bennett. Productora: Example. Duración: 94 minutos. 

Sinopsis argumental: Teddy trabaja para una empresa de publicidad. Como le parece imposible vender gachas congeladas, decide producir anuncios con carga erótica para vender el producto. Esto conduce a un enfrentamiento con un movimiento conservador del que su esposa es miembro fundador. Se producen más problemas cuando la familia contrata a una niñera sueca... 

Comentario: Parodia erótica, que estuvo prohibida en varios países. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno.