Como ¿Podrás perdonarme algún día? cinco películas donde los falsificadores son los verdaderos héroes

Falso y un uso falso, puede conducir... ¡al cine! En un momento en que ¿Podrás perdonarme algún día? (Can You Ever Forgive Me?, 2018) se estrenaba en los cines, volvemos nuestra mirada a cinco películas que tratan sobre el tema.

1.- Atrapa a un ladrón (To Catch A Thief, 1955), de Alfred Hitchcock

John Robie "El Gato" (Cary Grant)  lo jura. No ha robado la joya, durante más de quince años ha llevado una vida honrada en la Riviera. Lo que ocurre es que los robos con su firma se multiplican. El Gato, interpretado por el divino Cary Grant, es víctima de un "imitador" que deberá desenmascarar para tener paz y tranquilidad. Alfred Hitchcock luego organiza el juego de escondite bajo el sol de la Costa Azul. Los personajes mienten tanto como respiran, eso sí con clase. Mientras el elegante protagonista busca escapar de la policía el tiempo suficiente para exculparse, Grace Kelly, radiante como la señorita Stevens, le ayuda en disipar las dudas. El resultado es una comedia ligera y alegre, llena de buenas palabras, erotismo y crueldad. Y lo que confirma de pasada la idea de que los gatos siempre caen de pie.

2.- A pleno sol (Plein soleil, 1960), de René Clément

Tom Ripley, un joven estafador sin dinero, es encargado de una misión por 5.000 dólares, por un multimillonario estadounidense: traer a su hijo Philip de regreso a San Francisco, quien ha estado pasando unas vacaciones románticas bajo el intenso calor siciliano durante demasiado tiempo. Para lograrlo, Tom se sumerge en la intimidad de la pareja y se convierte en la mano amiga del niño de oro, que le paga con muchas humillaciones... Hasta el día en que Tom lo mata y toma su identidad, intentando robar su herencia y su prometida. René Clément firma aquí una vertiginosa adaptación de la novela de Patricia Highsmith y da a luz a un actor felino: Alain Delon. Este último pone su inquietante belleza al servicio de este personaje ambiguo, consumido por el febril deseo de convertirse en otro.

3.- Cómo robar un millón y... (How to Steal a Million, 1966), de William Wyler

En esta comedia de William Wyler con un divertido guión, Audrey Hepburn interpreta a Nicole Bonnet, una encantadora mujer de clase media con un pedigrí particular, que preferiría mantener en secreto. Tanto su abuelo como su padre, un reconocido coleccionista de arte, tenían el molesto hábito de falsificar obras maestras. Simon Dermott, un ladrón experto, con las características de Peter O'Toole, no lo sabe, pero que aún no conoce al director del museo parisino Kleber-Lafayette, quien pidió prestado a los Bonet su preciada Venus de Cellini, una famosa estatuilla, a la que se realizará una evaluación para una exposición. Nicole se aterroriza. Ella es la única que sabe que esta es una falsificación hecha por su abuelo. Para salvar a su familia del deshonor, solo hay una solución: robar la Venus del museo. Luego sigue un descanso con una dirección cuestionable, pero con mucho encanto, porque a lo largo de esta misión casi imposible, Hepburn está vestida por Hubert de Givenchy. Chic.

4.- Fraude (F for Fake, 1973), de Orson Welles

Envuelto en una capa negra, el cigarro en sus labio y el ojo travieso, Orson Welles narra la (verdadera) historia de dos estafadores hallados en Ibiza en la década de 1970, que elevaron la falsificación al rango de arte. El muy carismático Elmyr de Hory: un genio falsificador que reproduce pinturas de maestros posimpresionistas con una destreza desconcertante. Algunos de sus Matisse y Modigliani incluso estaban colgados en las paredes de los principales museos. Y su biógrafo, Clifford Irving, mejor conocido por la controversia sobre la falsa autobiografía de Howard Hughes. Este último afirmó no haberle entregado nunca su manuscrito, lo que no impidió que los "expertos" autenticaran formalmente su escrito... Al igual que sus dos amigos, a Orson Welles le encanta engañar al mundo. El espectador pierde el pie en este vertiginoso documental de edición. Es difícil distinguir lo verdadero de lo falso, pero queda una certeza: esta reflexión sobre la mentira del arte y el arte de mentir es fascinante.

5.- Atrápame si puedes (Catch Me If You Can, 2002), de Steven Spielberg

Steven Spielberg también ha sido seducido por un as de la falsificación: Frank Abagnale Jr. El director se inspiró en las hazañas de este joven falsificador estadounidense que, a los 16 años, hacía malabares con las identidades. Primero fue un piloto de línea aérea a principios de la década de 1960, falsificó cheques para volar a expensas de Pan Am y sustrajo millones de dólares. Luego usurpará la identidad de un médico, luego la de un abogado... Todo esto antes de alcanzar los 22 años, y antes de ser capturado por la policía francesa y el FBI. Interpretado por un soberbio Leonardo DiCaprio, este falsificador, tan escurridizo como conmovedor, engaña a los demás brillantemente, empleando un revoltijo de disfraces y otras trampas infantiles, como para escapar hasta el último momento de la vida adulta. Un drama jadeante, teñido de melancolía.

Cities of Last Things (Xing Fu Cheng Shi), cine negro existencial

En un mundo donde el suicidio está prohibido, la vida de un policía desfila en tres noches. Con su sofisticada puesta en escena, Cities of Last Things (Xing Fu Cheng Shi, 2018), este thriller taiwanés de Ho Wi-ding evoca a Wong Kar-wai.

A contracorriente en un gran inmueble con, en la lejanía un fondo sonoro lento y almibarado,  de repente es la caída de un cuerpo, que se estrella muy de cerca, inmediatamente sobrevolado por un dron de vigilancia. Bienvenidos a un futuro cercano donde el suicidio está prohibido y donde se recomienda enfáticamente encontrar formas de remediar su depresión, como los mensajes repetidos por grande altavoces sobre mulltitudes solitarias. Todos los ciudadanos ahora tienen un chip electrónico debajo de su piel para localizarlos y rastrear sus oscuros pensamientos. El tráfico de inyecciones rejuvenecedoras va bien, y las prostitutas juegan a ser muñecas bajo luces de neón que dan a la ciudad reflejos de la víspera del fin del mundo, o una copia descafeinada del decorado de Blade Runner. Este es solo el primer segmento, cínico y negro, de este cautivador melodrama que evoca toda una vida en tres noches: la vida de un policía, que el joven director de Malasia decide contar al revés, para volver a los orígenes del fatalidad.

Por qué este tipo, que no sonríe desde hace mucho tiempo (interpretado por un actor taiwanés con una tristeza muy carismática). Y, es que, gracias al chip electrónico de otro, robado en un hospital, por la noche, estrangula a un ministro en su cama. Aprenderemos las razones de su ira, su venganza tardía en el segundo capítulo donde, hace años, la felicidad parecía estar en orden.

Para ver: El amor menos pensado o romances a partir de los 50

Una pareja de cincuentaañeros, aunque feliz, decide separarse ... La reflexión del director argentino Juan Vera sobre la llamada a la libertad deja huella, interpretada por por Ricardo Darín y Mercedes Morán, un dúo de actores increíbles.

Marcos es un académico con un humor teñido de cinismo. Su bella esposa, Ana, siempre lo encuentra muy gracioso, y él lo desea (casi) como en el primer día. Tienen 50 años; han estado casados ​​y felices durante veinticinco años en este gran apartamento donde se han acumulado sus recuerdos. Sin embargo, cuando su único hijo se va de casa, la pareja comienza a cuestionar. ¿Todavía se aman? A fuerza de buscar a la pequeña bestia, deciden separarse... Al principio la vida de solteros les parece fascinante y excitante, pero pronto se torna también monótona para ella y una pesadilla para él. 

No es necesario prolongar el  suspense ya que el título lo dice todo: Marcos y Ana se volverán a encontrar. Pero eso no es lo que cuenta en esta comedia de reeducación sentimental sobre "el amor menos probable", como dice el título original. Porque el director toma la decisión inteligente de optar por un tema de moda (el amor después delos  50 años) y un reflejo, más amargo, sobre los cantos de sirenas de la libertad, la obsesión moderna por apasionarse una y otra vez. La puesta en escena sigue siendo muy clásica pero la inteligencia de situaciones y diálogos es constante. Una puntuación de ensueño para dos grandes intérpretes: Mercedes Morán y Ricardo Darín. 

Para ver: Et je choisis de vivvre

Et je choisis de vivre (que traduciríamos como Y elijo vivir): rara vez una película ha hablado del duelo con tanta precisión. La búsqueda del significado de una madre que ha perdido a su hijito da a luz a "Y elijo vivir", una película luminosa que logra poner palabras en el luto y vislumbrar la posibilidad de un nuevo impulso de vida. Los espectadores no se equivocan y empujan los estrenos. Estreno en cines el próximo 5 de junio.

"Cuando pierdes a tu padre o a tu madre, eres huérfano, cuando pierdes a tu cónyuge, eres viuda, pero cuando pierdes a tu hijo, no hay más palabras". Con tan solo 30 años, Amande pierde a su hijo. Para reconstruirse, emprende un viaje iniciático por el departamento francés de Drôme, acompañada de su amigo el director, Nans Thomassey. Juntos, y bajo el ojo de la cámara, salen a conocer a hombres y mujeres que, como Almond, han experimentado la pérdida de un hijo.
Nace esta búsqueda del sentido de la vida. Et je choisis de vivvre (Y elijo vivir), realizada por Nans Thomassey y Damien Boyer, una película sobre el dolor, a la vez sensible, conmovedora y llena de esperanza.

Chuva É Cantoria Na Aldeia Dos Mortos, una película de una belleza cautivadora

João Salaviza y Renée Nader Messora cuentan la búsqueda llena de poesía de un nativo brasileño, dividido entre su familia y el destino de chamán, la modernidad y lo sagrado en Chuva É Cantoria Na Aldeia Dos Mortos (2018)

El cambio de escenario es radical, y se impone en sólo unos pocos planos. Un joven camina por un bosque exótico, guiado hasta un lago por una canción extraña, una voz del más allá: la de su difunto padre. Pide que se organice la ceremonia ritual para poner fin al luto para que su alma pueda descansar en paz. La superficie del lago se incendia, las llamas azules se elevan. Y otro mundo se nos abre.

La belleza de esta introducción tiene suficiente para dejar al espectador asombrado. Al igual que la continuación: en el agua fangosa de una piscina excavada en el suelo, las chicas se divierten hablando de los niños. Lo importante para ellas en este momento es que pronto habrá un esmalte de uñas Hot Kiss y tendrán que ir a comprarlo en la ciudad. Pero dónde estamos En un pueblo llamado Pedra Blanca, en la tierra indígena krahô, en el corazón de la sabana brasileña Cerrado. Estas precisiones geográficas, la película no tiene necesidad de dárnosla para definir su territorio: un lugar donde lo sagrado, que viene de la noche de los tiempos, se encuentra con la modernidad secular y una relajada alegría de vivir. ¿Contraste simple, o conflicto? Para el joven Ihjãc, una pelea interna se va a producir.

Escuchando la canción del bosque, entrando en comunicación con su padre muerto, el huérfano se convirtió en el elegido, relación entre dos mundos, chamán. Pero...

Para ver: Largo viaje hacia la noche

Largo viaje hacia la noche (Di qiu zui hou de ye wan, 2018), dirigida por Bi Gan, una aventura onírica y etérea. Una vocación nacida por azar, una primera película rodada con tres mil euros y vista por 2 millones de personas, una segunda, magnífica y presentada en el Festival de Cannes... Por el director Bi Gan, el ésito está casi asegurado. 

A sus 29 años, Bi Gan combina el doble estatus de joven prodigio y triunfador. En una entrevista, este cineasta chino con rostro regordete sonríe tímidamente, responde lacónico o con evasivas. ¿Brecha cultural? Si se le pregunta cómo se convirtió en cineasta, cuál fue el encuentro decisivo, sigue siendo vago, reduciendo su vocación "al azar". Después de hacer varios trabajos ocasionales, ayudar a su madre en su peluquería o trabajar como artificiero para volar rocas en las montañas sobre su casa, se inscribió en una escuela de capacitación en comunicación para la televisión, sin mucha convicción ni ambición. Se saltaba muchas clases, para ir al cine. Y fue mientras descubría las películas de Andrei Tarkovski y Hou Hsiao-hsien cuando quiso convertirse en cineasta.

Creció en Kaili, una ciudad en Guizhou, una provincia pobre en el suroeste de China. Es allí donde realizó sus dos largometrajes, bajo condiciones muy diferentes. Kaili Blues (Lu bian ye can) es una elegante road movie estrenada en 2015 y acunada con poemas escritos por su mano, fue con  rodada con un presupuesto de 3.000 euros prestados por su madre y su tío, uno de los interpretes. Premiado en el Festival de Locarno, Festival de Locarno como mejor director emergente, este primer reconocimiento lo elevó de inmediato al rango de cineastas ultra prometedores y aclamado por la crítica. 

Su segundo largometraje, motivo de esta entrada, Largo viaje hacia la noche, (literalmente del chino, Última noche en la Tierra), cuenta la historia de Luo Hongwu, un hombre que regresa a la ciudad natal de la que huyó mucho tiempo atrás. Allí busca el recuerdo de la mujer a la que ama -ella dijo que su nombre era Wan Quiwen-, pero su rastro por los rincones de su juventud se confunde con el sueño que le envuelve cuando entra a un cine local a ver una película en tres dimensiones. Esa segunda mitad de la película es un prodigioso plano secuencia de más de cuarenta minutos en 3D que se mueve por tierra, agua y aire; un desafío técnico que arrastra al espectador al centro de la fantasía nostálgica del personaje. Una película densa, pero una de las más atractivas para los amantes del cine.

Para ver: Yao

Yao (2019) es una comedia dramática dirigida por Philippe Godeau.

Primero se cuenta una bonita historia, al ver que el actor y escritor Seydou Tall (Omar Sy) se va sin su hijo a Senegal, donde un niño lo espera para pedirle un autógrafo. Al llegar a Dakar desde su aldea en el norte del país, el pequeño Yao verá recompensada su perseverancia. Y el gran Seydou Tall, nacido en Francia de una familia senegalesa, encontrará poco a poco sus orígenes a través de este joven fan de quien podría ser el padre. Pero nada será tan simple. Porque en esta reunión, un tercer personaje interfiere: África...

Entre el hombre y el niño (Lionel Louis Basse) surge una realidad capaz de descartar todas las historias escritas de antemano. En Dakar, el actor estrella se encuentra atrapado en su limusina, entre los hombres que rezan en las calles. Más tarde, su taxista lo abandona para respetar la tradición de una comida familiar. En lugar de mostrar solo lo que relaciona a Seydou Tall y Yao, Philippe Godeau relata la distancia entre sus vidas y busca su verdad. El parisino es negro por afuera, pero piensa como un blanco: apodado "Bounty", la lógica de Senegal se le escapa. Para Omar Sy, es un nuevo papel, directamente relacionado con su verdadera historia familiar. Abandonando los efectos cómicos, el actor seducido por su sobriedad, en armonía con esta película simple pero nunca simplista. Muy entrañable.

Para ver: Les fauves

Lily-Rose Depp, misteriosa pantera en Savage (Les Fauves, 2018). Adolescente lasciva (Lily-Rose Depp), extraño escritor  étrange (Laurent Lafitte), pantera rondando alrededor...  La nueva película de Vincent Mariette es cine negro con acentos fantásticos, perseguido por el deseo. 

Bajo la luna, dos adolescentes hacen el amor en un coche estacionado en un aparcamiento salvaje. La cámara se aproxima al habitáculo, cuando, de repente, suena un rugido aterrador. Este prólogo que recuerda a Zodiac (2007), de David Fincher, anuncia el color: Savage bebe de las fuentes del cine de género. Es verano, y en este camping de Dordogne, el rumor comienza a inquietar a los turistas: una pantera anda suelta y puede ser la responsable de varias desapariciones. Esta atmósfera de peligro no parece disgustar a Laura, de 17 años, una joven belleza que engaña al aburrimiento visitando a su prima, los bungalows vecinos, y mira a los jóvenes de su edad con cierto desprecio indiferente. Por otro lado, ella bebe los vientos por Paul (Laurent Lafitte), un escritor extraño que quiere "volver a encantar al mundo" y quizás no sea ajeno a esta historia de la pantera. Cuando un joven seductor rechazado por Laura desaparece a su vez, una policía, también extraña (Camille Cottin), llega al centro del camping. Muy inteligente, es capaz de distinguir entre mito y realidad...

Para su segundo largometraje después de Tristesse club (2014), Vincent Mariette realiza una película que está entre un retrato iniciático de una joven que quiere se inicia en la "seducción", cine negro de enigmas, y las películas fantástica. A pleno sol o por la noche, bajo las duchas comunitarias como en un bosque de suspense, el deseo (el sexo o la muerte) está en todas partes, mientras que los cuerpos y los objetos desaparecen. La intriga policial avanza al mismo ritmo lascivo que su heroína, en una atmósfera de giallo en zapatillas. Entonces, de repente, lo fantástico se materializa, con una loca intensidad, durante una gran escena, salvaje e hipnótica, sobre el veriginoso amor. Como pequeña señora de los campings, a la vez joven cordera y felina carnívora Lily-Rose Depp obviamente fascina a su director, quien filma su rostro como una fuente de luz (sobre)natural.

Un asunto de familia, una observación extravagante de la institución familiar

En Japón, Un día, Osamu y su hijo se encuentran con una niña en mitad de un frío glacial, y deciden llevarla con ellos a su hogar. En un principio, la esposa de Osamu se muestra reticente a hacerse cargo de ella, pero queda conmovida al enterarse de las dificultades que atraviesa la niña y acepta acogerla en su casa. Tras la adopción, la familia sigue llevando una existencia aparentemente feliz, a pesar de que sobreviven a duras penas con los magros ingresos que obtienen de sus hurtos de poca monta. Sin embargo, un accidente imprevisto acabará por revelar secretos ocultos, que pondrán a prueba los lazos que les unen. Hirokazu Koreeda firma un vibrante y divertido retrato de familia en Un asunto de familia (Manbiki kazoku, 2018). 

"No es un secuestro, ya que no exigimos rescate. Por lo tanto, en una oración y dos encogimientos de hombros, la pregunta está resuelta: la pequeña vecina, de 5 años y una hermosa colección de moretones y quemaduras en la piel, acaba de encontrar un nuevo hogar. A esta pequeñina, Osamu, flaco de mediana edad, alegre e inteligente, prácticamente la ha recogido en la calle. La conoció, liberado de ella misma, cuando regresaba de adquirir alimentos en el supermercado (sin pasar por caja, y olvidándose de robar el champú), con su propio hijo preadolescente.

La adorable Cosette japonesa no pierde con el cambio: la familia en la que es inmediatamente absorbida,  calentada y acurrucada es un verdadero capullo de ternura, aunque no se corresponde (en absoluto) con las normas clásicas en materia de educación... Papá roba en las tiendas, ayudado por su hijo, el cual no va a ninguna escuela. Mamá aligera los bolsillos de los clientes que van a la lavandería industrial donde trabaja, y la hija se exhibe en un "peep-show", disfrazada de colegiala. Todo este pequeño mundo entrañable, silenciosamente amoral, se hacinan cada día en casa de Mamie, bastante buena como estafadora. 

En mato pasado, a esta tierna y singular película, Hirokazu Koreeda (un habitual del Festival de Cannes desde Distance, en 2001) ha obtenido su primera Palma de Oro, bien merecida, sobre un tema que desde hace mucho tiempo esta empeñado. Con este cineasta discreto, orfebre delicado de las relaciones humanas, estamos habituados a encontrarnos en familia. Desde hace algunos años, siguen trabajando los mismos motivos: la filiación, los vínculos íntimos que imponen los usos y la biología, y los que uno elige. Desde Nadie sabe (Nobody knows, 2004) a Después de la tormenta (Umi yori mo mada fukaku, 2016), pasando por Still Walking (Caminando) (Aruitemo, Aruitemo, 2008), De tal padre, tal hijo (Soshite chichi ni naru, 2013) y Nuestra hermana pequeña (Umimachi Diary, 2015), su obra es una amplio pero minucioso de la célula familiar. Un fresco de dolores, de recursos, de amarguras y de abandonos, pero también de amor, a menudo tambaleante, complejo y difícil, a veces, vibrando de calor, como este retrato de este grupo marginal, refugiado por un tiempo en lo que se suele llamar un punto ciego de la sociedad.

La vida se desborda por todas partes en la barraca llena de gente en la que habita la tribu. Este decorado estrecho, sobrecargado de telas y de cacharros de plástico, parece una ridícula cueva del tesoro -el botín de la miseria, a penas mejor que el contenido del carrito de un vagabundo-. Hirokazu Koreeda le da un aspecto casi orgánico, lo construye como un nido de pájaro hecho de retales y ramitas robadas, a la vez protector y frágil, incómodo y acogedor. Los brillantes delincuentes que habita esta leonera son como él: vidas conmovedoras, divertidas, aglomeradas, retorcidas, pero extrañamente sólidas.

El filma a los niños como nadie

Como siempre, el cineasta fija una atención particular en los personajes (formidablemente interpretados). Se coloca al mismo tiempo cerca de sus caras, unido a la vivacidad de sus tareas diarias, pero también a una distancia modesta, especialmente cuando salen a exponerse al mundo exterior. Y, como siempre, filma a los niños como nadie, tanto en la seriedad de una madurez demasiado precoz como en la dulzura ingenua de sus pieles, sus nuevas miradas. Los de Un asunto familiar, un niño grande, una niña pequeña, recuerdan a los demás, los niños abandonados y conmovedores de Nadie sabe, cuya lenta desaparición, olvidada por todos, es casi el perfecto negativo de esta historia de rescate y adopción.

A menudo se ha comparado Koreeda con su compatriota Ozu, por su sutileza y agudo sentido de matices psicológicos. Pero es a la burla humanista, a la relevancia social del gran cine italiano, desde Mario Monicelli a Vittorio De Sica, lo que pensamos esta vez, frente a este tributo a los magníficos perdedores.  A los perdedores de todos modos. Es que, ante la norma, el cruel orden de las cosas y el derecho de la familia, los habitantes de este Eden de la fortuna no tienen oportunidad. La película se divide en dos partes, dos sensaciones antagonistas, calor y frío. Recoger a una niñita maltratada, sin preguntar a nadie, es un secuestro a los ojos de la sociedad, en Japón como en cualquier otro lugar. Y como estamos redefiniendo los términos de la película, ¿una familia es realmente una familia, simplemente porque elegimos nombrarla y vivirla de esa manera, o es legítima sólo cuando está inscrita en algún lugar entre los registros civiles y el ADN? A medida que Koreeda desentraña las apariencias que nos hizo admirar y amar por primera vez, es el aspecto más doloroso, más conmovedor de su cine el que sale a la superficie, completando este enternecedor trabajo. Una de sus mejores películas.

Proximamente: El emperador de París

El emperador de París (L'Empereur de Paris, 2018), una aproximación a la vida de Eugène-François Vidocq, de Jean-François Richet, espectacular pero falta de alma. Un fresco con ritmo, unas escenas plenas de acción... pero un Vincent Cassel no creíble.

Jean-François Richet comenzó su carrera con dos pequeñas maravillas  que se desarrollan en los suburbios [Etat des lieus (1995) y la subversiva Ma 6-T va crack-er (1997)], ahora lo encontramos a la cabeza de unas de las producciones francesas más costosa del año. Un recorrido sorprendente, y alejado, sobre Eugène-François Vidocq, un delincuente que acabará convirtiéndose en jefe de la policía, bajo el reinado de Napoleón. Un Vidocq de película, ya había habido uno, realizado por Pitof en 2001, Vidocq: el mitos (Vidocq), espectacular e impactante, excesivo y efectista cuento gótico con un cierto éxito, protagonizado por Gérard Depardieu. Jean-François Richet busca claramente ser realista, en cuanto a decorados y vestuario. Realista y prágmático como su héroe. 

Después de una enésima evasión de una galera en alta mar, Vidocq es encontrado, arrestado y acusado de un crimen que no ha cometido, propone un trato al jefe de policía: se une a ellos para combatir a la mafia, a cambio de su libertad. A pesar de sus excelentes resultados, provoca la hostilidad de compañeros del cuerpo así como del hampa, que ha puesto precio a su cabeza. Pero el hombre, incluso como policía justiciero, será un evadido perpetuo, en ninguna parte podrá estar tranquilo. 

Todo esto lo sabemos, que no lo sentimos. Aunque tiene un buen ritmo y recorre París, desde sus bajos fondos hasta los oropeles del imperio, nada destaca realmente. No hay escenas sorprendentes, personajes destacables (sobre todo las mujeres, nada conseguidas) y un Vincent Cassel que parece no creérselo... En lo que mejora Richet es en la pura acción. como la larga escena de la batalla final en las catacumbas, donde James Thierrée (el actor que mejor hace su papel) como un húsar herido llega a emocionar. La personificación y el lirismo se echan de menos en este divertimento popular, honesto, pero al que le falta fuerza. 

Leto: una película barroca y estimulante

Kirill Serebrennikov firma el retrato de una pequeña comunidad de rock underground y sus heraldos románticos en la Unión Soviética liberticida de los años 1980.

No es la gloria, pero es un anticipo, tan emocionante si no más. Estamos en la Unión Soviética, en los años 1980. Viktor Tsoï, eurasiático con la boca de un ángel tenebroso, todavía no es el cantante de la banda de la nueva ola Kino, ¡cuya canción Quiero cambios (Хочу перемен) – del álbum El último héroe (1989)! se convirtió prácticamente en el himno de la perestroika. Si, en el resto de Europa, Tsoï es un desconocido, en Rusia es hoy una leyenda. Pero Kirill Serebrennikov, un cineasta inconformista, que ha estado bajo arresto domiciliario por parte de las autoridades rusas, es demasiado listo para sucumbir a las trampas de las biopic. De Viktor Tsoï sería una buena pregunta en Leto, sino es otro cantante, aún más desconocido, el que le hace saltar al primer plano. Un héroe en la sombra, tanto protector como catalizador.

Su nombre es Mayk Naumenko. Él también tiene carisma, con su Ray-Ban Aviator todavía en la nariz. Es más maduro que Viktor, es el padre de un bebé y el compañero de una sorprendente musa, Natasha. Finalmente, es el líder del grupo Zoopark, muy influenciado por T. Rex, que trabaja duro en los escenarios underground de Leningrado. Lo vemos cantando en un concierto que inmediatamente nos pone en el estado de ánimo del país. Se convoca al público, joven, a que se quede quieto y no debe gritar, bajo la pena de ser llamado de inmediato por una cohorte de apparatchiks quienes están vigilando. Parece qu e, en el mejor de los casos, estemos en un espectáculo de fin de curso de la escuela, y en el peor de la cárcel. El pesimismo no es apropiado. No sin malicia, Kirill Serebrennikov prefiere volar sobre los pies que baten secreto, que vibran irresistiblemente. Privilegia la alegría que ilumina a todos los rostros. 

Las fiestas de una comunidad

Las fiestas de una comunidad, eso es lo que nos invita a hacer la película. Esta comunidad, una pequeña sociedad secreta, es la fauna reunida alrededor de Mike. Cuando Viktor desembarca allí, su talento aparece bastante rápido. Mike lo siente y ve de inmediato el efecto que este joven autor-compositor de pelo salvaje tiene sobre Natasha. En lugar de querer despedirlo, lo acepta, lo alienta y lo apoya. La belleza de la película se debe en gran medida a este afecto romántico, a la delicada atención de los intercambios que circulan entre los dos rockeros y Natasha, una especie de triángulo amoroso entre Jules y Jim. En general, el rock está asociado con el demonio, el caos, el sexo. El cineasta se casa con él, en una forma de pureza, a la luz de una hermosa estación donde el viento sopla ligeramente, donde los jóvenes simplemente se emborrachan con gente y vino en la playa, antes de lanzarse a la playa, a sumergirse en traje de Adán. 

Flotante, barroca, inventiva, Leto nos hace sentir y descubrir una nueva ola de rock emergente. Un tremendo flujo de energía, una ebullición creativa que trae consigo los comienzos de un cambio político, a pesar de la caída en picado del plomo que aún abruma al régimen. Un narrador sarcástico a veces aparece, como un bromista, en el corazón de la historia para imaginar otra versión de los hechos, más punk, cuyos protagonistas serían desatados. Pero eso no existía. La URSS de Brezhnev no era Inglaterra. De este modo, uno pierde con rabia cínica lo que gana con el descuido juvenil. Y en el exotismo divertido: la película es sabrosa cuando persiste en las discusiones con el comité de censura, las charlas, las tramas dignas de travesuras, frente a representantes del orden comunista cada vez más desactualizados. También es divertida en su forma de desviar hacia el rock anglosajón (Talking Heads, Iggy Pop ...), durante las secuencias cercanas al clip, donde el director crea unos fuegos artificiales visuales con garabatos y el colorido de la imagen.

¿Quién es Aquaman, el nuevo superhéroe de los mares?

Aquaman se dispone a sumergirse en las pantallas del mundo entero. ¿Marejada o sequedad anunciada? El punto sobre esta gran producción protagonizada por un personaje que puede estar tanto en la tierra como en las profundidades del océano.

Saquen sus tubos, sus trajes de neopreno y sus aletas para sumergirse en los abismos de Aquaman, nueva superproduccción de los estudios Warner Bros., en cines españoles a partir del 21 de diciembre de 2018. Pero ¿por cierto? ¿Quién es verdaderamente este personaje de carne y escamas, mucho menos popular que sus primos de la familia DC? ¿Qué representa esta película en la inmensa galaxia fílmica de los superhéroes? Explicación en apnea. 

Aquaman ¿Quién es?

El rey de la Atlántida es un superhéroe creado en 1941 por el guionista Mort Weisinger y el dibujante Paul Norris. Pertenece al universo DC Comics. Su verdadero nombre Arthur Curry, es hijo de Thomas Curry, el guardián del farero, y de Atlanna, reina de Atlantis (encarnado por Nicole Kidman en la película de James Wan). Una herencia acuática y terrestre que lo han convertido en un ser anfibio, capaz de respirar tanto en tierra como en el agua.  

En cuanto a su apariencia, con su larga cabellera, sus tatuajes en carey, su armadura dorada moldeada sobre sus pectorales, combinado con su tridente mágico (regalo de Poseidón)y sus medias verdes, parece una mezcla entre un dios griego y un modelo para traje de neopreno. 

Aquaman, ¿Qué es?

Es la sexta película del Universo Extendido de DC (DC Extended Universe), iniciada en 2013 con El hombre de acero (Man of Steel). Las películas intentan frenar, a veces con torpeza, el avance del mundo cinematográfico Marvel. De hecho, el MCU celebró en 2018 sus diez años de existencia y veinte películas, y un montón de discos en el reloj: cinco películas con más de mil millones de dólares en ingresos y otra, Avengers: Infinity War (2018) que se unió a el exclusivo club de las películas de más de dos mil millones de dólares en ingresos totales.

¿Lo hemos visto en el cine con anterioridad?

Las venturas de este personaje son menos conocidas que la de sus colegas en medias azules o capa negra de DC, Batman et Superman, por no citar a los que nunca han sido adaptados a la gran pantalla.  Hizo una aparición en persona y en la serie televisiva Smalville, bajo la apariencia de Alan Ritchson. Pero, la primera y verdadera presencia de Aquaman  en la gran pantalla, fue en Batman versus Superman: el amanecer de la justicia (Batman v Superman: Dawn of Justice, 2016), al lado de Wonder Woman, Aquaman, Flash y Cyborg, una forma espectacular (o pomposa, según se mire) de anunciar las próximas películas del Universo extendido. 

¿Quién es Jason Momoa que encarna al superhéroe?

Después de aparecer en Los vigilantes de la playa (Baywatch, 1999), o en la última versión de Conan el Bárbaro (Conan the Barbarian, 2011), en el papel principal, el actor de 39 años se hizo famoso al público en general gracias a su papel como Khal Drogo, señor del nómada Dothraki, quien se casa (por la fuerza) Daenerys Targaryen, en la muy popular serie Juego de tronos (Game of Thrones). El personaje no pasa de la primera temporada, sino su papel, su impresionante físico (1,93 metros para -según las últimas noticias-, 106 kilos, bastante bien colocados en sus músculos) y su voz cavernosa han marcado a los espíritus. Al igual que el personaje de Aquaman, ya estaba cubierto de tatuajes, todos pectorales. Después de varios rumores (el nombre de Matt Damon había circulado), el actor se confirmó en el papel en agosto de 2014.

¿Quién es el director?

James Wan, director australo-malayo de 41 años, es principalmente conocido por la dirección de las películas de terror  Saw (2004), Dead Silence y Death Sentence (ambas en 2007), Insidious (2010), The Conjuring e Insidious: Chapter 2 (ambas en 2013), The Conjuring 2 (2016), y también de la séptima entrega de la saga A todo gas (Fast and Furious 7 AKA Furious 7, 2015).

Se hizo oficial que dirigiría la película en junio de 2015, después de iniciales rumores que lo harían el muy indie Jeff Nichols, o el director israelí Noam Murro.

Criticado después de la difusiónde un tráiler de más de cinco minutos, el director respondió en Twitter: "Por naturaleza, los tráilers contienen spoilers (revelaciones sobre el argumento). Así que si no quieres saber nada, no lo mires. Pero puedo decir esto: este tráiler de cinco minutos apenas roza la superficie de la película."

¿Cuál es la estrategia de la Warner?

La película se estrena en España el viernes 21 de diciembre de 2018, al mismo tiempo que en Estados Unidos, en pleno período navideño, habitualmente cargado de éxitos de taquilla. Por parte de la distribuidora Walt Disney, no hay Star Wars que ofrecer este año a sus incondicionales, el estreno del episodio XI se ha pospuesto un años después de la marcha de Colin Trevorrow, sustituido por J.J. Abrams. Jedis aparte, entre el calendario de Adviento y el Año nuevo, pero casi al mismo tiempo, se espera el estreno de la gran producción familiar El regreso de Mary Poppins (Mary Poppins Returns) y la película de ciencia-ficción Bumblebee (del universo de los Transformers), de los estudios Paramount.

sin embargo, Aquaman podrá ser un maremoto en la taquilla si observamos el éxito en la taquilla obtenido en su estreno en China: 24 millones de dólares en ingresos durante el primer viernes, un récord para un mes de diciembre en el pais, y 94 millones, durante su primer fin de semana, todo un récord para la Warner en el Imperio del Medio. 

Si estas cifras son buenos augurios, La Warner no debe estar totalmente tranquila después de los caóticos estrenos de Batman v Superman: el amanecer de la justicia (Batman v Superman: Dawn of Justice, 2016) o La liga de la justicia (Justice League, 2107), con unos ingresos de 873 millones de dólares para la primera y 657 para la segunda -récords para el Universo extendido de DC- , pero, paradójicamente, cifras decepcionantes si se les compara con los presupuestos empleados: 250 millones en la primera y 300 en la segunda. Aunque anecdótico pero tambien un buen augurio: en su primer día de ventas en Fandango: Movie Tickets & Movie Times, Aquaman ha batido a importantes producciones como Venom (2018) o Misión imposible: Fallout (Mission: Impossible-Fallout, 2018), en término de número de entradas vendidas anticipadamente, y estas dos películas han tenido excelentes recorridos. 

¿Será la primera película de DC en franquear la barrera de los mil millones de dólares? La respuesta en 2019.

El regreso de Mary Poppins, todo lo que necesita saber sobre la famosa institutriz

Cuando Mary Poppins regresa al teatro cincuenta y cuatro años después de su llegada a la familia Banks, aquí hay cinco historias para compartir con sus hijos para ilustrar la película.

En la imaginación colectiva, Mary Poppins es esta elegante y excéntrica niñera británica, que canta "supercalifragilisticoespialidoso" en compañía de personajes animados. En la versión de 2018, los niños de la familia Banks se convirtieron en adultos y, a su vez, en padres, los deshollinadores fueron reemplazados por faroleros, Julie Andrews por Emily Blunt, pero la fantasía de la ilustre institutriz permanece. Aquí encontrará todo lo que necesita saber antes de sumergirse en el mundo mágico de Mary Poppins.

1.- Londres, veinte años después

La nueva película transcurre veinticuatro años después de la primera, en un Londres invadido por la niebla, durante la Depresión económica del 1929. Los tiempos son duros y la familia Banks están a punto de perder la casa del 17 de la calle del Cerezo, en la que Michael y Jane han crecido. Michael es un joven viudo y padres de tres hijos mientras que su hermana, tan militante como su madre sufragista, ayuda a los trabajadores. Aplastada por el dolor y las deudas, la familia Banks está a al deriva. No ha hecho falta más para que la figura de Mary Poppins aparezca en el cielo nublado de Londres. 

2.- Emily Blunt, digna heredera de Julie Andrews

Julie Andrews, recibió el Oscar a la mejor actriz en 1965 por su interpretación de la mágica instituriz en la versión realizada por Robert Stevenson, ha renunciado a aparecer en El regreso de Mary Poppins. Según ha afirmado, no deseaba "robar protagonismo" a su sucesora. La nueva Mary Poppins,  Emily Blunt, ya había trabajado con el director Rob Marschall en la comedia musical Into the Woods (2014), una producción Walt Disney: paseamos por el bosque, donde ella mostraba ya sus aptitudes para el canto y el baile. Se deslizó en el personaje de la institutriz con el mismo lenguaje formal, la misma elegancia, aseos igual de limpios -vestidos largos, sombreros y guante en la más hermosa tradición de los años 1930-, su inseparable paraguas-pato travieso (¡en esta versión de 2018 está animado!) y su maleta mágica, de la que pueden surgir cualquier objeto insólito (especialmente accesorios del cuarto de baño, una sombrilla y un bonito sombrero de playa, para la divertida escena del baño). Su colega Newt Scamander de Animales fantásticos y dónde encontrarlos (Fantastic Beasts and Where to Find Them, 2016) y su maleta para monstruos ¡sólo tiene que atender!

3.- Una secuencia musical luminomagifantástica

Nueve nuevas canciones han sido escritas para la película por Scott Wittman y Marc Shaiman. en uno de los grandes momentos musicales, "luminomagifantástico" (Trip a Little Light Fantastic, en la versión original), ¡hasta cincuenta bailarines giran alrededor de veintiocho farolas callejeras mientras los ciclistas corren por el aire! La secuencia de ocho minutos es un homenaje a los deshollinadores de Mary Poppins de 1964, pero también, y sobre todo, el apogeo de los musicales de Hollywood. "Luminomagifantástica" podría convertirse en la expresión representativa de esta nueva Mary Poppins porque los autores decidieron no emplear la inolvidable "supercalifragilisticoespialidoso", demasiado emblemática de la película de 1964.

4.- Un homenaje a la animación clásica

La película de Rob Marshall rebosa de guiños a su ilustre predecesora, comenzando por la llegada de Mary Poppins en el cielo, y continuando también con la larga y poética secuencia en la que los personajes son lanzados dentro de un dibujo animado dejándose meter en una copa de porcelana. Dónde encontraremos a a todaa una fauna y personajes animados en 2D dibujados a mano y completamente animados por los estudios Walt Disney Animation: ocasión para mostrar a los más pequeños (o no) la diferencia -notable- con un Coco (2018) o una Vaiana (2016), recientes héroes Disney 100% digitales. Referencia mayor, el actor estadounidense Dick Van Dyke, hoy con 93 años de edad, está presente en ambas películas. En la primera, interpreta a Bert, el deshollinador, pero también, convirtiéndose en un hombre muy viejo, en el papel secundario del Sr. Dawes, el director del banco donde trabaja el padre de Michael y Jane. En la versión de 2018, Dick Van Dyke interpreta al hijo de Mr. Dawes (¿me siguen?), Una aparición de unos minutos, pero crucial para el resultado de la historia.

5.- Unos libros infantiles para una película legendaria

Desde 1934, la novelista australiana Pamela L. Travers narra en una primera obra las aventuras de una institutriz mágica, capaz de volar por los aires gracias a su paraguas, para aterrizar en el seno de la familia Banks, en el corazón de Londres.  El libro tuvo un éxito inesperado y Pamela L. Travers relata la vida de la increíble institutriz en otras siete novelas. La última, Mary Poppins and the House Next Door, apareció en 1988. Es porque sus hijas leían estos libros,  como Walt Disney(1) descubrió a esta curiosa heroína. las negociaciones entre Walt Disney y Pamela L. Travers para obtener los derechos de adaptación duraron más de quince años. Sus tensas relaciones, las exigencias de la escritora durante el rodaje, su deseo controlar el guión, y especialmente su visión del carácter de la niñera, fueron objeto de una película, Al encuentro de Mr. Banks (Saving Mr. Banks, 2013), dirigida por John Lee Hancock, con Tom Hanks y Emma Thompson.

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(1) Mary Poppins (1964), considerada el testamento cinematográfico de Walt Disney, murió dos años después de su estreno, es frecuentemente repuesta en la televisión durante las fiestas navideñas.