El cineasta Bong Joon-ho regresa con “Mickey 17”: “Es una fusión de todos los dictadores posibles"

Casi seis años después del éxito de Parásitos (Gisaengchung, 2019) el director surcoreano regresa con una distopía tan oscura como ridícula sobre un “empleado desechable” que sigue muriendo para ganarse la vida.

Bong Joon-ho se sintió al mismo tiempo divertido y un poco avergonzado en su campaña promocional de Mickey 17 (en cines españoles, desde el 7 de marzo de  2025), adaptación de una novela de Edward Ashton. Parece que el autor de Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie) (Salinui chueok, 2003), The Host (Gwoemul, 2006) y Párasitos había recibido instrucciones estrictas por parte de Warner, principal financista de la película, con quien la relación no ha sido extraoficialmente fácil. Incluso sobre el valor profético de su distopía, el cineasta surcoreano se mantuvo cauto y nunca mencionó los nombres de Donald Trump y Elon Musk, quienes inevitablemente vienen a la mente en esta historia de colonización de un planeta.

Distopía de ayer y de hoy

"El personaje que interpreta Mark Ruffalo en Mickey 17 es la fusión de todos los dictadores posibles, desde Mussolini hasta Ceauçescu. Para los europeos, las prácticas vistas en mi película pueden recordar a los nazis, su concepto de eugenesia basado en la superioridad de una raza. También tengo la impresión de que la percepción varía y cada uno tiende a reconocer a un tirano de su propio país. Escribí el guión en 2021 y rodé la película en 2022. Yo mismo estoy un poco desconcertado por todo lo que podría parecer premonitorio en Mickey 17. La farsa tiene lugar en el futuro, pero puede dar la ilusión de hablar del presente. Mis padres vivieron la colonización japonesa y yo mismo experimenté la dictadura militar hasta la secundaria. He experimentado esta violencia, este sistema de opresión. La historia realmente se repite" -afirmó el director surcoreano. 

Amigo de los animales

Sigue el director: "En la novela de Edward Ashton, los "creepers" que viven en el planeta helado son descritos como una especie de milpiés. Con el diseñador de criaturas, comenzamos con otra idea de un insecto gigante, que recuerda al armadillo y de una manera más terrenal... el croissant. Cuando veo este pastel, tengo la impresión de que se va a mover!. A diferencia del sistema inhumano que mata constantemente a Mickey (Robert Pattinson), esta comunidad de “creepers” es capaz de ayudarse mutuamente a salvar a uno de sus bebés. La sabiduría y la inteligencia están de su lado. En Okja (2017) mostré lo crueles que pueden ser los humanos, aquí muestro sobre todo lo estúpidos que pueden ser. Desde pequeño crecí rodeado de perros y gatos. Hoy tengo un perro que adoro. Observar animales es siempre una gran fuente de inspiración para mí. También me gustan mucho los documentales sobre animales."

Elogio de la bondad

"Mi película retrata algunas cosas bastante horribles, en medio de las cuales lucha el pobre Mickey. Es un antihéroe, un personaje un tanto tonto pero que consigue preservarse. Cuando escribí el guión de Mother (Madeo, 2009), inmediatamente pensé en la actriz Kim Hye-ja. Para Mickey 17, también fue en el momento de escribir esto que me decidí por Robert Pattinson, porque tiene una mirada y una expresión facial tales que uno le daría la enhorabuena sin confesar. Él inspira bondad. Me impresionó en The King (2019), de David Michôd, donde interpreta un papel secundario un poco grotesco, con un acento divertido. Y especialmente en El faro (The Lighthouse, 2019), de Robert Egger, donde, junto a Willem Dafoe, despliega una explosiva energía y experimenta la pérdida de la cordura. Fue entonces cuando pensé que sería perfecto para morir 17 veces en mi película."

Clasificamos los 50 César a mejor película, desde la menos convincente a la más magistral (VIII)

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15. Elle (2016), de Paul Verhoeven (César 2017)

Víctima de violación, tiene una reacción desconcertante. ¿Quién es ella? ¿Qué quiere ella? Isabelle Huppert, colmo de la ambigüedad venenosa, fascina en este suspenso neohitchcockiano, donde el gusto de Verhoeven  por la provocación y la transgresión exacerba la crudeza de las situaciones y la crueldad de las relaciones entre los personajes.

Isabelle Huppert en  Elle (2016)

14. Anatomía de una caída (Anatomie d’une chute, 2023), de Justine Triet (César 2024)

Una famosa novelista (Sandra Hüller), madre de un niño pequeño, es sospechosa del asesinato de su marido. Durante su juicio surgen la batalla del ego, el deseo, la frustración y los celos. Justine Triet desarrolla una ficción cautivadora sobre la derrota de una pareja, diseccionada con rara inteligencia. La segunda película (después de Amor (Love, 2012), de Haneke) que ha conseguido el doblete de Palma de Oro y César.

Sandra Hüller en Anatomía de una caída (2023)

13. Tess (1979), de Roman Polanski (César 1980)

Según Thomas Hardy, la ilustración naturalista del terrible destino de una belleza pisoteada y sin dinero en el Dorset del siglo XIX. Estéticamente, el éxito de esta película intimista de presupuesto superventas es total: cada cielo tormentoso, cada páramo aparece como una tumba natural para Nastassja Kinski, la encarnación ideal de esta joven fruta aplastada por el orgullo y los prejuicios.

Nastassja Kinski en Tess (1979)

12. Smoking/No Smoking (1993), d’Alain Resnais (César 1994)

Dos películas, doce finales posibles y nueve personajes para una única pareja de actores (Sabine Azéma y Pierre Arditi) que logran sorprendentes metamorfosis y se enfrentan al desafío de desviarnos deliciosamente en un laberinto de alternativas coloridas, dictadas por los vericuetos del azar. Un gran logro formal y una oda a la interpretación.

Pierre Arditi y Sabine Azéma en Smoking/No Smoking (1993)

11. Los miserables (Les Misérables, 2019), de Ladj Ly (César 2020)

En Montfermeil, el dominio de Bosquets es incendiado tras un error policial, filmado por un niño. El director, vecino de este barrio, trasciende el cine suburbano , con una altura de visión excepcional para un tema tan explosivo y un primer largometraje.

Damien Bonnard y Alexis Manenti en Los miserables (2019)

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"Mickey 17”: después de “Parásitos”, una película política un poco loca pero disfrutable de Bong Joon-ho

El esperado regreso del coreano Bong Joon-ho con una ambiciosa distopía, más exitosa de lo que sugerían los rumores.

Casi seis años después del triunfo de la brillante Parásitos (Palma de Oro en Cannes en 2019, antes del Oscar a la mejor película), Bong Joon-ho está, ¡por fin! – de vuelta con una ambiciosa obra de ciencia-ficción. Filmada entre agosto y diciembre de 2022, Mickey 17 debía llegar a los cines en la primavera de 2024, antes de que Warner, el principal financiera de la película, retrasara varias veces la fecha de estreno. Oficialmente por el retraso en la postproducción tras las huelgas que paralizaron Hollywood en 2023, extraoficialmente por las reservas de la major estadounidense, muy avergonzada por esta superproducción con más contenido político de lo habitual.

Si bien es bien sabido que Pattinson interpreta varias versiones de Mickey debido al proceso de clonación, lo que muchos no saben es que el director Bong Joon-ho insistió en filmar ciertas escenas clave sin que Pattinson supiera qué versión de Mickey estaba interpretando hasta justo antes de comenzar el rodaje. Este método tenía como objetivo capturar la confusión y el miedo existencial de un clon que lucha con su propia identidad, lo que dio lugar a algunas de las actuaciones más inquietantes y crudas de la película.

“Pépé le Moko” y otras siete películas de Julien Duvivier para redescubrir (II)

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5. Pépé le Moko (1937). Basada en la novela homónima de Henri La Barthe. La policía busca acorralar al capo del millieu (mafia) parisino Pépé le Moko, que se ha refugiado en la Casba de Argel con su banda. Allí es intocable, pero no puede salir sin ser arrestado. Su vida da un vuelco el día en que se enamora de Gaby, una joven demi monde, mantenida por un hombre rico, que pasó allí como turista, representando todo lo que la Casba no es: parisina y sofisticada. De esta relación es celosa Inès, la amante de Pépé. Mientras, el inspector Slimane sigue todo esto con mucho cuidado: cuenta con el desarrollo de este triángulo amoroso para sacar al tipo de su escondite y así ponerlo bajo arresto. Julien Duvivier juega a la ambigüedad entre las fronteras del bien y del mal, e introduce con gran acierto el personaje de una turista, que alimenta las ansias de Pépé por reincorporarse al elegante mundo de París, un perfecto elemento romántico, que contrasta con el amor de la mujer que siempre ha estado enamorada de él. Fue considerada experimental para su época y se le atribuye haber inspirado a otros cineastas, además de tener varias adaptaciones. La película, influida por el cine de gangsters de la Warner, mereció las alabanzas de Graham Greene, que en su época de crítico cinematográfico llegó a decir que Duvivier había logrado "elevar el thriller al nivel de poesía". 

Mireille Balin, Jean Gabin y Lucas Gridoux en Pépé le Moko (1937)

6. El drama de 1937 Carnet de baile (Un carnet de bal, 1937). La trama es muy simple: una joven mujer de apenas treinta y seis años queda súbitamente viuda y reflexiona que su viudez le permite reconsiderar el error que cometió al casarse tan joven y, hallando entre los papeles que va destruyendo de su vida de casada un carnet de baile de su presentación en sociedad a los dieciséis años, veinte años atrás, decide averiguar -como ocupación que alivie su viudez- que haya podido ser de los galantes caballeros que bailaron con ella aquel día que recuerda con cierta romántica nostalgia, no en vano todos le declararon su amor aquel día. Duvivier juega limpiamente con el espectador introduciéndole en una historia en la que el tiempo tiene muchísimo por decir y nos hace partir en un largo viaje al pasado con diferentes etapas siguiendo el orden establecido en un cuaderno de baile veinte años atrás...

Marie Bell y Fernandel en Carnet de baile (1937)

7. El fin del día (Fin de jornada) (La fin de jour, 1939). Notable historia que tiene lugar en una residencia de actores. Un actor, en otro tiempo muy popular, Raphael Saint-Clair, llega al asilo para actores jubilados, en donde se reúne con su anterior rival, Marny. Los internos reviven glorias y fracasos antiguos, incluso viejos celos. Otro residente, Cabrissade, demanda derechos para sus compañeros, pero es humillado cuando el director le informa que los dueños del hogar han retirado el dinero. Amenaza a Cabrissade y sus sufridos compañeros con dispersarlos en asilos dirigidos por el gobierno... Ya desde su título –“El fin de la jornada”–, nos damos cuenta de la carga melancólica del proyecto, sobre todo porque los protagonistas, a pesar de su decadencia, no han dejado de ser altivos y humillar a quien se ponga en su camino. De ahí que toda la historia tenga un componente sombrío y desgarrador, que causó sensación entre el público de la época. Además, el duelo entre Jouvet, Simon y Francen resulta de lo más atractivo.

Louis Jouvet en El fin de la jornada (1939)

Clasificamos los 50 César a mejor película, desde la menos convincente a la más magistral (VII)

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20. La escurridiza, o cómo esquivar el amor (L’Esquive, 2003), de Abdellatif Kechiche (César 2005)

Cuando unos jóvenes de las ciudades deciden jugar al juego del amor y el azar de Marivaux, descubren otro lenguaje y un código de amor inquietante. Entre documental y ficción, una película llena de contenido que se apoya en la sorprendente "charla" de sus jóvenes intérpretes (entre ellas, las entonces debutantes Sara Forestier y Sabrina Ouazani). El primer gran éxito de Kechiche, que no sería el último...

La escurridiza, o cómo esquivar el amor (2003)

19. El pianista (The Pianist, 2002), de Roman Polanski (César 2003)

Prisionero del gueto de Varsovia en 1939, el pianista Wladyslaw Szpilman sólo escapó de la deportación escondiéndose entre las ruinas. Roman Polanski y su actor Adrien Brody encuentran la nota justa para contar la verdad esencial de la humanidad en tiempos de guerra. Con un segundo César a la mejor película, veintitrés años después de Tess (1979).

Adrien Brody y Thomas Kretschmann en El pianista (2002)

18. Cyrano de Bergerac (1990), de Jean-Paul Rappeneau (César 1991)

Cyrano, de nariz larga, hermosa espada y un bocazas (Depardieu, entonces inmenso), ama a Roxana, quien ama a Christian, a quien Cyrano presta sus palabras. El clásico de Rappeneau es un sombrero, una capa, tan libre y tan fiel a Rostand. Con diez estatuillas en total, aún ostenta el récord de premios César para una sola película, empatado con El último metro (Le Dernier Métro, 1980), de Truffaut.

Anne Brochet y Gérard Depardieu en Cyrano de Bergerac (1990)

17. Los juncos salvajes (Les roseaux sauvages, 1994), de André Téchiné (César 1995)

André Téchiné vuelve a sumergirse en sus recuerdos de juventud para evocar el suroeste de Francia durante la guerra de Argelia. Una película vibrante , con actores casi principiantes (Élodie Bouchez, Gaël Morel), pero que desde entonces han recorrido un largo camino.

Los juncos salvajes (1994)

16. Custodia compartida (Jusqu’à la garde, 2017), de Xavier Legrand (César 2019)

Una pareja se divorcia y está dividida por la custodia de su hijo de 11 años. Está cada vez más sometido a presiones y chantajes por parte de su padre, un lobo herido y peligroso. Un drama familiar concebido como un thriller puro, con una puesta en escena precisa y un crescendo aterrador. Angustioso.

Custodia compartida (2017)

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Películas de la semana: 7 de marzo

Mickey 17

Dirección: Bong Joon-ho. País: Estados Unidos. Año: 2025. Duración: 137 minutos. Género: Ciencia-ficción. Comedia. Thriller. Fantástico. Aventuras. Aventura espacial. Extraterrestres. Interpretación: Robert Pattinson, Mark Ruffalo, Toni Collette, Steven Yeun, Naomi Ackie, Thomas Turgoose, Daniel Henshall, Chelsea Li, Spike White, Stuart Whelan, Sam Woodhams. Guion: Bong Joon-ho. Libro: Edward Ashton. Música: Jung Jae-il. Fotografía: Darius Khondji. Productora: Coproducción Estados Unidos-Corea del Sur; Plan B Entertainment, Offscreen, Kate Street Picture Company, Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Mickey Barnes (Robert Pattinson) es un joven del futuro que no tiene motivación alguna en su vida. La rutina le aburre y no encuentra su lugar en el mundo. Lejos de todo tipo de propósito, Mickey cree encontrar una nueva oportunidad viajando al espacio con un grupo de astronautas. Sin embargo, al firmar el contrato del trabajo no es consciente de que está accediendo a ser un conejillo de indias para la expedición. Así, Mickey morirá continuadas veces para, según lo que acordó en el papel, ser después reanimado con infinitos clones que conservan su memoria. Tras morir en otra expedición, Mickey 7 se despierta, para su sorpresa, al lado de su propio clon: Mickey 8. Debido a un fallo logístico, ambos clones conviven en la misma realidad, haciendo así que el técnico de laboratorio Hieronymous Marshall (Mark Ruffalo) dictamine que los dos han de morir. Por ello, tanto Mickey 7 como Mickey 8 han de huir del protocolo e intentar que su clon no muera. Adaptación del libro original de Edward Ashton. 

Presence

Dirección: Steven Soderbergh. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 85 minutos. Género: Terror. Intriga. Familia. Fantasmas. Sobrenatural. Casas encantadas. Interpretación: Lucy Liu, Julia Fox, Chris Sullivan, Callina Liang, Lucas Papaelias, West Mulholland, Benny Elledge, Eddy Maday, Natalie Woolams-Torres. Guion: David Koepp. Música: Zack Ryan. Fotografía: Steven Soderbergh. Montaje: Steven Soderbergh. Productora: Extension 765. Distribuidora: Diamond Films. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Rebekah y Chris, matrimonio en crisis porque ella participa en negocios de dudosa moralidad, se mudan a un caserón con Tyler y Chloe, sus hijos adolescentes. Chloe empieza a notar que por el lugar deambula una presencia extraña, que además mueve objetos. Mientras el progenitor pide ayuda a una extraña médium y su equipo, Tyler se hace amigo de Ryan, un chico popular que al descubrir a Chloe se queda prendado. Primera incursión de Steven Soderbergh en el género del terror sobrenatural, apoyado en un sorprendente guion de David Koepp, que tuvo su première mundial en la última edición del Festival de Sundance.

Lee Miller

Título original: Lee. Dirección: Ellen Kuras. País: Reino Unido. Año: 2023. Duración: 116 minutos. Género: Drama. Biográfico. Fotografía. II Guerra Mundial. Interpretación: Kate Winslet, Alexander Skarsgård, Andrea Riseborough, Andy Samberg, Marion Cotillard, Josh O'Connor, Noémie Merlant, Vincent Colombe, Samuel Barnett, Camilla Aiko, James Murray, Enrique Arce, Patrick Mille, Zita Hanrot, Arinzé Kene. Guion: Liz Hannah, John Collee, Marion Hume. Argumento: Antony Penrose (biografía). Música: Alexandre Desplat. Fotografía: Pawel Edelman. Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Australia; Brouhaha Entertainment, Juggle Productions, Hopscotch Features, Rocket Science, Hantz Motion Pictures, Pasaca Entertainment, Sky. Distribuidora: Vértice 360. Premios y nominaciones: Premios Globos de Oro: Nominada a mejor actriz principal - drama; Premios BAFTA (Reino Unido): Nominada a mejor film británico; Premios British Independent Film Awards (BIFA): 3 nominaciones. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Retrato de la vida aventurera de la ex modelo norteamericana y reportera de guerra Elizabeth Lee Miller (1907-1977), conocida simplemente como Lee Miller, quien se convirtió en testigo de primera mano de las atrocidades nazis durante la Segunda Guerra Mundial tanto en París, como más tarde en los campos de concentración. Sus reportajes y sus fotos –especialmente las tomadas en Dachau– publicados por Vogue en Estados Unidos, supusieron una terrible toma de conciencia de la gravedad del Holocausto y dieron visibilidad al trabajo de la intrépida mujer que había detrás.

Un baño propio

Título original: Un bany propi. Dirección: Lucía Casañ Rodríguez. País: España. Año: 2024. Duración: 102 minutos. Género: Comedia. Drama. Comedia dramática. Interpretación: Nuria González, Carles Sanjaime, Amparo Báguena. Guion: Lucía Casañ Rodríguez. Música: Vincent Barriere. Fotografía: Borja Vázquez Salom. Productora: Producciones Televisivas Mecomlys. Distribuidora: Begin Again Films. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Antonia, una ama de casa ejemplar de sesenta y cinco años, pasa sus días atendiendo los deberes del hogar y los recados familiares. Sin embargo, esta señora de apariencia afable guarda un extraño secreto: está absolutamente obsesionada por los cuartos de baño; ese es el único espacio donde puede decir “ocupado” y la gente le deja en paz. Entre retretes, cañerías y cisternas, Antonia da rienda suelta a su verdadera vocación, ser escritora. Así escapa de su monótona vida, vive situaciones únicas y entabla extrañas amistades que hará que su apariencia afable se diluya como la mierda en el inodoro. Opera prima de la directora Lucía Casañ Rodríguez. 

Grand Tour

Dirección: Miguel Gomes. País: Portugal. Año: 2024. Duración: 129 minutos. Género: Drama. Años 1910. Interpretación: Jani Zhao, Gonçalo Waddington, Lang Khê Tran, Crista Alfaiate, João Pedro Vaz, Manuela Couto, Cláudio da Silva, Jorge Andrade, Teresa Madruga, João Pedro Bénard, Diogo Dória, Américo Silva. Guion: Telmo Churro, Maureen Fazendeiro, Miguel Gomes, Mariana Ricardo. Fotografía: Rui Poças, Sayombhu Mukdeeprom, Gui Liang. Productora: Coproducción Portugal-Italia-Francia; Uma Pedra no Sapato, Vivo Film, Shellac Films, Cinémadefacto, The Match Factory. Distribuidora: Avalon. Premios y nominaciones: Festival de Cannes: Mejor dirección. 2 nominaciones;  Festival de Valladolid - Seminci: Mejor montaje. 2 nominaciones. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Rangún, Birmania, 1917. Una película con dos partes bien diferencias. En la primera a Edward, funcionario del Imperio Británico, le entra el pánico escénico y existencial ante su próxima boda y huye de su prometida Molly el día que ésta llega para casarse. Durante su viaje, sin embargo, el pánico da paso a la melancolía. Contemplando el vacío de su existencia, el cobarde Edward se pregunta qué habrá sido de Molly… En la otra, decidida a casarse y divertida por la jugada de Edward, Molly le sigue la pista a través de Asia. 

Respirando bajo el agua

Título original: Hors d'haleine AKA  Breathing Underwater. Dirección: Éric Lamhène. País: Luxemburgo. Año: 2024. Duración: 101 minutos. Género: Drama. Drama social. Interpretación: Carla Juri, Luc Schiltz, Esperanza Martin González-Quevedo, Alessia Raschella, Nicolas Lech, Freddy Djanabia, Véro Tshanda Beya Mputu, Sascha Ley. Guion: Éric Lamhène, Rae Lyn Lee. Fotografía: Rae Lyn Lee. Productora: Artemis Productions, Samsa Film. Distribuidora: Puntal Films. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: La historia de Emma, que es secuestrada en plena noche, cubierta de moratones y embarazada de forma inesperada. Mientras lidia con su embarazo y sus ataduras emocionales a su marido Marc, Emma redescubre facetas perdidas de sí misma a través de su improbable camaradería y lucha con las mujeres y niños del refugio. Los traumas individuales se entrecruzan y, a pesar de sus diferencias, surge una delicada hermandad mientras se empujan unas a otras a luchar por su autoestima e independencia. Opera prima del luxemburgués Eric Lamhène que trata con realismo y sensibilidad el tema de la violencia de género.

Ilusión de verano

Dirección: Alex Comas. País: España. Año: 2025. Duración: 90 minutos. Género: Drama. Interpretación: Claud Hernández, Marc Pineda, Jordi Banacolocha, Helena de la Torre, Berta Sánchez, Jara Camarasa, Paola Soliva, Leo Bleicher, Marlon Bleicher, Roser Boladeras, Arnau Casanovas. Guion: Alex Comas. Música: Dennis Gleiss. Fotografía: Oriol Camacho. Productora: Rescat Films. Distribuidora: Rescat Films. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Hacia el final del verano, y a las puertas de un nuevo curso, una joven pareja, Eric (un chico de 19 años, pareja de Anna, que también se acaba de graduar del instituto. Es bromista pero sensible, risueño y aventurero) y Anna (una chica de 19 años que se acaba de graduar del instituto con el sueño de ser diseñadora de moda... Pero últimamente se encuentra perdida, más insegura de lo habitual. Un poco sola), toman la drástica decisión de huir de sus casas para no afrontar las responsabilidades de la vida adulta. En su huida, cruzarán sus caminos con el enigmático Alan, un señor mayor que pedirá su ayuda para que lo lleven a una playa remota donde tiene intención de suicidarse. A lo largo de un viaje en carretera, los tres, a pesar de ser de dos generaciones distintas, se darán cuenta que hay muchas cosas que los unen, como el sueño de ser libres. Pero el precio que pagarán por ello será alto…

Tardes de soledad

Dirección: Albert Serra. País: España. Año: 2024. Duración: 125 minutos. Género: Documental. Toros. Reparto: Documental. Intervenciones: Andrés Roca Rey. Guion: Albert Serra. Música: Marc Verdaguer. Fotografía: Artur Tort. Montaje: Albert Serra, Artur Tort. Productora: Coproducción España-Francia-Portugal; Lacima Producciones, Idéale Audience, arte France Cinéma, Rosa Filmes. Distribuidora: A Contracorriente Films. Premios y nominaciones: Festival de San Sebastián: Concha de Oro (mejor película). Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Retrato de una estrella del toreo en activo, Andrés Roca Rey, que permite reflexionar sobre la experiencia íntima del torero que asume el riesgo de enfrentarse al toro como un deber personal por respeto a la tradición y como un desafío estético. Este desafío crea una forma de belleza efímera a través de la confrontación material y violenta entre la racionalidad humana y la brutalidad del animal salvaje. La producción se prolongó durante cinco años, tres para el rodaje y dos para el montaje del material.

Reas

Dirección: Lola Arias. País: Argentina. Año: 2024. Duración: 79 minutos. Género: Documental. Musical. Transexualidad. Transgénero. Reparto: Documental. Intervenciones de: Yoseli Arias, Ignacio Amador Rodriguez, Estefy Harcastle, Carla Canteros, Noelia Pérez, Paulita Asturayme, Laura Amato. Guion: Lola Arias. Música: Ulises Conti. Fotografía: Martin Benchimol. Productora: Coproducción Argentina-Alemania-Suiza; Gema Films, Sutor Kolonko, Mira Film. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Reas es una película protagonizada por mujeres y personas trans que estuvieron detenidas en distintas cárceles Argentina. En la ex cárcel de Caseros, ahora abandonada y en ruinas, personas que estuvieron privadas de la libertad durante años, reconstruyen escenas de su vida pasada e imaginan su vida futura bajo la forma de un musical donde ellas mismas cantan, bailan y actúan. Reas es una obra colectiva que reinventa el género musical: los intérpretes bailan y cantan sobre su pasado en prisión, reviven su vida como ficción e inventan, a través de la fantasía y la imaginación, un futuro posible para ellos mismos.

Esto no es Hollywood (La historia inacabada de los hermanos Ibarretxe)

Dirección: Jone Ibarretxe de la Cal, Nere Falagan. País: España. Año: 2024. Duración: 80 minutos. Género: Documental. Documental sobre cine. Reparto: Documental. Guion: Jone Ibarretxe de la Cal, Nere Falagan, María Maestre, Garazi Velasco del Pino, Javier Félix Echániz. Biografía sobre: José Miguel Ibarretxe, Javier Ibarretxe, Esteban Ibarretxe. Música: Santiago Ibarretxe. Fotografía: Nere Falagan. Productora: Euskadi Movie. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Tras el prematuro fallecimiento de los hermanos Ibarretxe (Javi, Josemi y Esteban), Jone Ibarretxe, hija de Josemi, busca redescubrir el universo ibarretxiano y el legado de su productora Ibarretxe & Co. Pioneros en el sector audiovisual vasco, creativos, gamberros e inquietos; apostaron por el cine made in Euskadi mucho antes de que fuera una realidad. Cuando en los 90 y primeros del 2000 el cine vasco emigraba a latitudes más favorables, ellos apostaron por crear su propio Bilbollywood. En este documental, de la mano de los aquellos que les conocieron, Jone intentará explicar el “misterio Ibarretxe” y saber si ese universo no se acaba con su muerte. Analizando su filmografía y conversando con personas que les acompañaron, Jone averigua poco a poco que su cine no es más que un fiel reflejo de ellos mismos.

La revolución de las musas

Dirección: Mar Nantas, Yaiza de Lamo, Juno Álvarez. País: España. Año: 2024. Duración: 80 minutos. Género: Drama. Documental. Feminismo. Pintura. Reparto: Documental. Intervenciones: Violeta Rodríguez, Josep Julien, Arnau Comas, Gonzalo Ramos, Yolanda Sey, Albert Pla, Laura Corbacho, Laura Roig. Guion: Mar Nantas. Música: Nara Is Neus. Fotografía: Yaiza de Lamo. Productora:  Potenza Producciones. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Clío es la musa, la modelo y la trabajadora sexual. Es aquella mujer que vemos colgada de las paredes de los museos, contratada por artistas como Pablo Ruíz, un señor venido a más, Charles Baudelaire, un poeta victimista, o el excelentísimo Borghese, un cardenal con comportamientos cuestionables durante las misas. Tener que aguantar a estos hombres no es lo único que ocupa el tiempo de Clío, también convive con amigas y amantes: Laure, una parisina del siglo XIX, o la sensual artista de miniaturas lésbicas, Gerda Wegener y su fiestera mujer Lili Elbe. Clío, musa de la historia y de la poesía épica, revisita la Historia del Arte Occidental desde una mirada contemporánea, poniendo en relevancia el papel de las musas y cuestionando los abusos de poder y los prejuicios que ejercieron sobre ellas los grandes artistas del pasado.

El día que la tierra explotó: Una película de Looney Tunes

Título original: The Day the Earth Blew Up: A Looney Tunes Movie. Dirección: Peter Browngardt. País: Estados Unidos. Año: 2024. Duración: 91 minutos. Género: Animación. Comedia. Ciencia-ficción. Aventuras. Extraterrestres. Looney Tunes. Reparto: Animación. Guion: Kevin Costello. Música: Joshua Moshier. Fotografía: Animación. Productora: Warner Bros. Animation. Distribuidora: Cartoon Network, HBO Max. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis: Porky Pig y el Pato Lucas se encuentran en el lugar equivocado en el momento equivocado, convirtiéndose en los héroes inesperados de una misión para salvar el mundo. Tras descubrir una conspiración alienígena que amenaza con destruir el planeta, esta inusual pareja deberá enfrentarse a criaturas de otro mundo, situaciones ridículamente peligrosas y su propia torpeza, en un intento desesperado por frustrar la invasión. Buen ejercicio de nostalgia y regeneración, todo en uno. El día que la Tierra explotó: Una película de Looney Tunes es una cinta que es fiel al estilo característico de estos personajes y al tono de sus aventuras, pero que también sabe combinar elementos con los que sintonizarán las nuevas generaciones de espectadores, quizás menos familiarizados con ellos.

Super Wings: Máxima velocidad

Título original: Super Wings the Movie: Maximum Speed. Dirección: Xiaoqing Cai, Cai Dongqing. País: Corea del Sur. Año: 2023. Duración: 89 minutos. Género: Animación. Aventuras. Infantil. Aviones. Redes sociales. Reparto: Animación. Guion: Gil Hoon Jung. Argumento: Jung Gil Hoon (serie animada). Música: Seung-Hyuk Kang. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Corea del Sur-China; Youku Information Technology, Mofei Pictures, Youku, Zhejiang Dong Yang Media Production Co, Alpha Group, FunnyFlux, N.E.W. Distribuidora: Flins y pinículas. Estreno en España: 7 de marzo de 2025. Sinopsis:  El pequeño avión de reparto Jett, conocido como el avión más rápido del mundo, es miembro de los famosos Super Wings. Sin embargo, en su trabajo en el servicio de reparto urgente, Jett se siente a menudo eclipsado por sus populares compañeros. Cuando el villano Billy Willy secuestra a un grupo de inocentes, Jett decide ayudar por su cuenta a la niña Fei y rescatar a su madre. La trepidante persecución les lleva desde la Torre Eiffel hasta el espacio exterior. Jett quiere demostrar a todo el mundo que él también puede ser un héroe de verdad. Pero pronto se da cuenta de lo importante que es que los Super Wings trabajen en equipo para triunfar.

Efemérides de cine: Rojo oscuro

El 7 de marzo de 1975 se estrenó la película italiana Rojo oscuro (Profondo rosso), dirigida por Dario Argento e interpretada por David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia, Macha Méril, Eros Pagni, Giuliana Calandra, Nicoletta Elmi, Clara Calamai, Glauco Mauri, Piero Mazzinghi, Furio Meniconi, Jacopo Mariani. Productora: Rizzoli Film. Duración: 100 minutos.

Sinopsis argumental:  A partir de la sesión de una médium en un teatro, el italiano despliega su gran capacidad para crear atmósferas (inolvidable la música de Goblin). La médium morirá asesinada brutalmente y su vecino, pianista profesional, comienza a investigar quién puede estar detrás del crimen.
Nominaciones y premios: Festival de Sitges: Mejor director. 
Comentario: Seguramente la mejor película del especialista de terror Dario Argento. Aunque sangriento como toda la filmografía de Argento, el film lo es menos que su producción posterior. Protagoniza David Hemmings, que está acompañado por una joven y enigmática Daria Nicolodi, desde entonces pareja sentimental del director. Se conmemora el quincuagésimo aniversario. 

Efemérides de cine: Dolemite

El 7 de marzo de 1975 se estrenó la película estadounidense Dolemite, dirigida por D'Urville Martin e interpretada por Rudy Ray Moore, Lady Reed, D'Urville Martin, West Gale, John Kerry, Jerry Jones, Hy Pyke, Vainus Rackstraw. Productora: Comedian International. Duración: 90 minutos. 

Sinopsis argumental: Dolemite es un proxeneta, comediante y dueño de un club nocturno que cumple veinte años de prisión después de haber sido incriminado por un rival, Willie Green ( D'Urville Martin ), e incriminado por los detectives Mitchell y White, bajo la dirección del alcalde ( Hy Pyke ). Liberado por el gobernador gracias al lobby de su compañera proxeneta "Queen Bee" (Lady Reed), Dolemite es liberado para descubrir la fuente del problema de las drogas fuera de control en el "Cuarto Distrito" de la ciudad y vengarse de la corrupción que lo llevó a prisión. Dolemite recupera su reputación en las calles mientras intenta recuperar su club "Total Experience" de las manos de Willie Green. Para ello, solicita la ayuda de Queen Bee, un predicador nacionalista negro que acumula armas para una revolución, y de su propio grupo de prostitutas entrenadas en kung fu para ajustar cuentas, mientras un agente encubierto del FBI (Jerry Jones) acecha en las sombras, siguiendo los procedimientos y apoyando la misión de Dolemite.

Comentario: En 1976 se estrenó una secuela, El tornado humano (The Human Tornado). En 2002 se estrenó una segunda secuela, The Return of Dolemite, que luego se tituló The Dolemite Explosion para su lanzamiento en DVD. En 1999 se estrenó una cuasi-secuela, Shaolin Dolemite, protagonizada por Rudy Ray Moore como Monk Ru-Dee. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: El espejo

El 7 de marzo de 1975 se estrenó la película soviética El espejo (Zerkalo), dirigida por Andrei Tarkovsky e interpretada por Margarita Terekhova, Ignat Daniltsev, Larisa Tarkovskaya, Alla Demidova, Anatoli Solonitsyn, Tamara Ogorodnikova, Oleg Yankovskiy. Productora: Mosfilm. Duración: 107 minutos. 

Sinopsis argumental: Un hombre, Alekséi, habla con su esposa sobre su situación actual y los motivos por los que se han distanciado. La película es una evocación continua de recuerdos y sentimientos del propio Tarkovsky que viajan en diferentes tiempos sin orden aparente: la relación con su madre, su infancia,...que se mezclan con material fílmico de noticiario sobre la Guerra civil española, la Segunda guerra mundial y el enfrentamiento entre la URSS y China por la isla Damanski. En la película suenan poemas escritos y recitados por Arseny Tarkovsky, padre del director. Retrata un pasado que es el suyo, pero también el de un país y el del acontecer mundial.

Comentario: Película esencialmente autobiográfica, templada de principio a fin por un ejercicio de montaje tan vanguardista como magistral, debe buena parte de su relevancia al modo en que logra vivificar, a ojos del espectador, la conmoción que determinados recuerdos del pasado despertaban en su autor. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Efemérides de cine: Una abuelita de antes de la guerra

El 6 de marzo de 1975 se estrenó la película española Una abuelita de antes de la guerra, dirigida por Vicente Escrivá e interpretada por Isabel Garcés, Alberto de Mendoza, Helga Liné, Josele Román, Guadalupe Muñoz Sampedro, Deborah Coletti, Francisco Cecilio, Ramón Pons, José Riesgo, Pastor Serrador, Carmen Martínez Sierra, Luis Barbero, Nadiuska, Montserrat Julió. Productora: Filmayer Producción, Aspa Producciones Cinematográficas S.A. Duración: 98 minutos. 

Sinopsis argumental: En un pequeño pueblo de Galicia llamado Louriño, vive Emilia Piñeiro (Isabel Garcés), una anciana dulce, pero firme en sus convicciones, que recibe la noticia del accidente de coche sufrido por su hijo Juan (Alberto de Mendoza). Doña Emilia viaja a Madrid junto a su asistenta con el tren y allí descubre horrorizada que la familia de su hijo se encuentra totalmente desarticulada e invadida por una falsa modernidad, que sólo sirve para separarlos. La abuela inventa una imagen de modernidad, con la que pretende poner orden en el desastre, empezando primero por el más grave de los problemas, el matrimonio de su hijo, en crisis debido a la presencia de una amante. Después deberá resolver los problemas de su nuera, Marta, asediada por un amigo de su marido; de su nieto, Nacho, un vago que solo se ocupa de gastar el dinero de su padre y de su nieta, Marisa, que está embarazada pero no quiere casarse con su novio.

Comentario: Comedia escrita y dirigida por Vicente Escrivá, uno de los directores de las películas picantes de los años 1970 en España. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

“Pépé le Moko” y otras siete películas de Julien Duvivier para redescubrir (I)

Realismo poético, thrillers, pero también una adaptación de Pelirrojo (Poil de carotte, 1932). El cineasta francés destacó en la década de 1930 por su eclecticismo. Veamos siete notables películas de este período.

Cuando se menciona el nombre de Julien Duvivier, es difícil no pensar en Don Camillo (1952), o en películas de cine negro como Pánico (Panique, 1946) y Almas perversas (Voici le temps des assassins, 1956). La carrera del cineasta francés está llena de joyas poco conocidas, algunas de las cuales fueron realizadas en la década de 1930, en una época en la que el cine estaba en plena transición del cine mudo al sonoro. 

1. David Golder (1931) da testimonio de esta evolución: es una película hablada, pero la narración aún no sigue un hilo preciso, las secuencias se suceden sin giros notables, como en una película muda. Estos defectos, sin embargo, le confieren un encanto asombroso. David Golder es un banquero caído en desgracia tras una grave crisis cardiaca sufrida en un casino de la Costa Azul. Cuando las malas noticias sobre la salud del financiero se extienden, las acciones de sus empresas se desploman. Así, de la noche a la mañana, Golder se encuentra en la bancarrota; arruinado, enfermo y abandonado por su mujer y su única hija, se recluye en un piso vacío de París. Si bien ha perdido todo, aún conserva el espíritu luchador y el amor por el riesgo que le permitieron abandonar el mísero gueto ucraniano donde nació y convertirse en uno de los hombres más acaudalados de Francia. Cuando la oportunidad de enriquecerse de nuevo se presenta ante él, Golder no dudará un segundo en lanzarse a la aventura, lo que lo llevará a algunos escenarios de su juventud. El riesgo, nada menos que su propia vida, es grande, pero la ganancia es, a sus ojos, aún mayor: obtener una fortuna superior a la anterior y recuperar a su hija, la única persona que ha amado en este mundo. Adaptación de la novela homónima de Irène Némirowsky, escritora judía que murió gaseada en Auschwitz.

Harry Baur en David Golder (1931)

2. La mencionada anteriormente Pelirrojo (Poil de Carotte, 1932). Dominado por su madre e ignorado por su padre, la vida del pelirrojo infante Poil de Carotte es un auténtico infierno. Además, el matrimonio entre sus progenitores es una auténtica farsa desde hace años, y solo siguen juntos por cubrir las apariencias ante la vecindad. Así que al pobre Poil sólo le queda una salida... El éxito de La otra madre (Visages d´enfants, 1925), dirigida por Jacques Feyder, motivó que le ofreciesen la adaptación al cine de la novela de tintes autobiográficos de Jules Renard Pelo de zanahoria o Zanahorio, que también se tradujo así en España. Feyder escribió un guión que no se llegó a producir y otra empresa le propuso el reto a Julien Duvivier, quien desarrolló su propio guión. La película de Duvvivier, tan cruel y emotiva como el libro que narra la desgraciada infancia y adolescencia de un niño maltratado por su madre hasta el punto de tratar de suicidarse en dos ocasiones, no ha perdido ni su capacidad de emocionar ni su sorprendente tratamiento innovador. Versión sonora de la novela homónima de Jules Renard, que el propio Duvivier ya adaptó en una versión anterior muda.

Robert Lynen en Pelirrojo (1932)

3. Dirigió un nuevo caso del avezado comisario Maigret, personaje creado por Georges Simenon y llevado en numerosas ocasiones tanto al cine como a la televisión, La tête d'un homme (1933). Willy Ferrière ya no tiene dinero y su amante le está costando muy caro. Un día, en el bar, declaró que con gusto pagaría 100.000 francos a quien matara a su tía, que había heredado la propiedad. Alguien le hace entender que él se encargará de ello. La tía es asesinada. Un hombre aparentemente simple es el culpable ideal. El Comisario Maigret percibe que algo no va bien.

Valéry Inkijinoff y René Stern en La tête d'un homme (1933)

4. La belle équipe (1936) fue una de las tragicomedias más célebres y taquilleras de Julien Duvivier, donde desde su irónico título original hace un recorrido por la futilidad de la existencia humana, con todos los altibajos que conlleva. Magníficamente interpretada por Jean Gabin, su argumento también entra de lleno en las cuestiones políticas que por esos tiempos trastornaban el país, con el auge del Frente Popular y las reformas en beneficio de los trabajadores. De hecho, los protagonistas son cinco obreros en paro que ganan diez mil francos en la lotería. Decididos a cambiar su suerte, optan por invertir el capital en un café a orillas del Sena. Sin embargo, dicho negocio comienza a enturbiar la relación entre ellos, y a cambiar su forma de pensar. Se rodaron dos finales de la historia –uno trágico y otro feliz– y tras varios pases de prueba para el público, Duvivier dejó el más optimista.

Raymond Aimos, Charles Dorat, Jean Gabin, Rafael Medina y Charles Vanel en La belle équipe (1936)

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Clasificamos los 50 César a mejor película, desde la menos convincente a la más magistral (VI)

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25. Demasiado bella para ti (Trop belle pour toi, 1989) de Bertrand Blier (César 1990)

Casado con una mujer sublime, se enamora de su secretaria, regordeta y corriente. La fragmentación de las escenas responde a la destrucción interna de un hombre que lo perderá todo por haber querido ganarlo todo. Una de las mejores películas de Blier , con un trío explosivo: Balasko-Depardieu-Bouquet.

Demasiado bella para ti (1989)

24. De latir, mi corazón se ha parado (De battre mon cœur s’est arrêté, 2005), de Jacques Audiard (César 2006)

¿De quién somos hijos? Tom (Romain Duris) oscila entre su padre, un delincuente entrometido, y su madre, una pianista de concierto desaparecida. ¿Encontrará el pequeño ladrón la redención en la música? Jacques Audiard impactó con este conmovedor viaje, filmado al estilo de Scorsese. Aunque desde entonces lo ha hecho incluso mejor.

De latir, mi corazón se ha parado (2005)

23. Timbuktu (2014), de Abderrahmane Sissako (César 2015)

Los yihadistas ocupan Tombuctú e imponen la ley islámica. Inspirada en los acontecimientos de 2012, esta atrevida película muestra a los opresores como marionetas y celebra la resistencia de los ocupados. Las armas de la belleza alzadas contra la barbarie en una suntuosa puesta en escena.

Timbuktu (2014)

22. Adiós, muchachos (Au revoir les enfants, 1987), de Louis Malle (César 1988)

Louis Malle relata un episodio significativo de su infancia, durante la Ocupación. Para él, fue el antídoto a las ambigüedades de Lacombe Lucien, filmada quince años antes. La forma clásica se adapta perfectamente a esta obra bella, sensible y conmovedora, que también ganó el León de Oro en Venecia.

Adiós, muchachos (1987)

21. La noche del 12 (La Nuit du 12, 2022), de Dominik Moll (César 2023)

Una película feminista, tan fuerte como delicada, sobre las causas de un crimen muy particular: el feminicidio. Un thriller combinado con observación social, que consigue fusionar a la perfección realismo y romance.

La noche del 12 (2022)

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