Jim Jarmusch y sus películas donde la música tiene un papel protagonista (I)

Desde bandas sonoras originales firmadas por Neil Young, Sqürl o John Lurie. Y delante de la cámara rockeros tales Iggy Pop o Tom Waits. Para el estadounidense, el jazz y el rock son mucho más que simples ilustraciones.

"La música es la fuente de mis películas", confió Jim Jarmusch en una entrevista, con motivo del estreno de su largometraje, Sólo los amantes sobreviven (Only Lovers Left Alive, 2013), en la que coescribió la música, un cuento gótico bañado en melodías de laúd y guitarra eléctrica, en el que una pareja de vampiros Los dandies experimentan su romanticismo escuchando discos en Tánger y Detroit.

Les invitamos a comprobar esta afirmación, remontándose a los primeros trabajos del director estadounidense, también músico-teclista del grupo Del-Byzanteens en los años 1980, hoy en el dúo de rock experimental Sqürl, con quien escribió las bandas sonoras de varias de sus películas.

1. Permanent Vacation (1980)

Con música de John Lurie y el propio Jim Jarmusch. Rodada en 16 milímetros y con un presupuesto ínfimo, Permanent Vacation supuso el debut como director y guionista de Jim Jarmusch, uno de los nombres imprescindibles del cine independiente norteamericano de las últimas tres décadas. La película da pistas sobre algunos de los temas y recursos que caracterizarían más tarde el particular estilo de este cineasta: ambientes nocturnos, personajes estrambóticos y marginales y humor surrealista. En la cinta interviene el actor y músico John Lurie, que volvería a colaborar con Jarmusch en títulos como Mystery Train o Bajo el peso de la ley.

2. Extraños en el paraíso (Stranger than Paradise, 1984)

Con música de John Lurie. Esta road movie es uno de los grandes títulos de culto del cine independiente americano. Se rodó en menos de 3 semanas, con muy pocos actores y el equipo técnico. El presupuesto es mínimo, y a veces hace de figurantes, los técnicos, como Tom DiCillo, director de fotografía que crea impactantes imágenes en blanco y negro. Describe a personajes carentes de ilusiones y valores, completamente desencantados, aunque es una película de desarrollo lento, sólo para cinéfilos.

3. Down by Law (Bajo el peso de la ley) (1986)

Con Jim Jarmusch, el cine carcelario no puede ser un cine carcelario convencional. Con su fotografía en blanco y negro, fondo musical jazzístico, y cierta placentera languidez, pinta a tres individuos perdedores, entre los que va a nacer una singular relación, una curiosa camaradería. Ellos son el cantante Tom Waits, el compositor John Lurie y el cómico Roberto Benigni,  cuya esposa Nicoletta Braschi también tiene presencia en la película. Recorre la cinta un suave humor, y una personalísima mirada existencialista, 'cada caminante siga su camino' parece decir el último plano, en que se separa definitivamente la trayectoria de los tres presos.

4. Mystery Train (1989)

Jim Jarmusch, considerado uno de los gurús del cine independiente estadounidense, escribió y dirigió en 1989 este retrato de la cultura norteamericana a través de los ojos de un grupo de turistas. La película, que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, es una clara muestra del estilo verosímil y minimalista que el realizador seguiría cultivando en títulos posteriores como Noche en la Tierra o Ghost Dog. En el reparto encontramos al entonces desconocido Roberto Benigni, que años más tarde triunfaría dirigiendo y protagonizando La vida es bella. Los músicos Joe Strummer (cantante del grupo punk The Clash), Screamin' Jay Hawkins y Tom Waits aparecen en la película en pequeñas intervenciones.

5. Noche en la Tierra (Night on Earth, 1991)

Película dividida en historias independientes a través de las cuales Jim Jarmusch presenta el panorama nocturno de cinco grandes ciudades (Los Angeles, Nueva York, París, Roma y Helsinki), con un taxi, y lo que en él ocurre desde el anochecer hasta el amanecer de un mismo día, y obviamente con diferentes personajes, como hilo conductor. La música es obra de Tom Waits. 

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Como "Extraños en un tren", de Alfred Hitchcock, trece películas que tienen una ventana a una pista (III)

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La boda de mi mejor amiga (Bridesmaids, 2011)

¿Quién dijo que el tenis era un deporte para caballeros y damas? Golpe de derecha dirigido al pecho, golpe en la cabeza... En el divertido juego de dobles entre amigos, una escena de culto de la comedia basura de Paul Feig, todo vale. Especialmente si duelen...

Terre battue (2014)

Otra constante en las películas de tenis: la relación entre los “bebés campeones” y sus padres que sueñan con la gloria por poder. Ante la cámara de Stéphane Demoustier, Olivier Gourmet interpreta a un ejecutivo en paro que transfiere sus ambiciones a su hijo, la gran esperanza de la corte. Su intérprete, Charles Mérien, es muy creíble y con razón: participó en el campeonato de Francia cuando tenía 11 años.

Borg McEnroe. La película (Borg McEnroe, 2017)

La final de Wimbledon de 1980 entre Björn Borg y John McEnroe se considera uno de los partidos más importantes de la historia del tenis. El encuentro legendario, que supone la apoteosis de esta película biográfica de Janus Metz, está desgraciadamente escenificado como un combate de boxeo. La película convence más cuando sale de la pista y se inmiscuye en la atormentada vida familiar de las dos leyendas, muy bien interpretada por Sverrir Gudnason (inquietante doble del campeón sueco) y por Shia LaBeouf, que no se parece en nada a McEnroe, pero recrea a la perfección el lado salvaje del brillante zurdo, tan molesto como entrañable.

La batalla de los sexos (Battle of the Sexes, 2017)

El 20 de septiembre de 1973, el campeón retirado Bobby Riggs, de 55 años, desafió en la cancha a Billie Jean King, de 29 años, entonces número dos del mundo. El objetivo del viejo macho: demostrar que los hombres son raqueta en mano, más fuertes que las mujeres, merecen ganar ocho veces más, como era entonces la norma en los torneos... La historia de la preparación de este "individual mixto", vendido por los medios bajo el grandilocuente título de "la batalla de los sexos,se convierte en un argumento cómico, a la vez eufórico y profundo, sobre la emancipación femenina. Donde Emma Stone y Steve Carell, más burlescos que nunca, se muestran muy creíbles, sobre todo en el famoso partido, reconstituido de forma espectacular en la última media hora de la película por Valerie Faris y Jonathan Dayton.

El quinto set (Cinquième set,  2021)

Thomas, un joven prodigio de la raqueta, que nunca ha confirmado las esperanzas puestas en él, todavía se aferra a la competición, a pesar de sus 37 años... Ex jugador semiprofesional, el director Quentin Reynaud se inspiró en su experiencia para filmar lo que nunca fue: el cuerpo que falla, la vida familiar sacrificada, la administración obligada a seguir... Examinado desde todos los ángulos por una intrusiva cámara en mano, Alex Lutz (que se entrenó duro para el papel) literalmente sostiene la película con el brazo extendido.

Clásicos de cine: El ansia

El ansia (The Hunger, 1983), de Tony Scott

Miriam, una vampiresa de origen egipcio, sobrevive gracias a la sangre de sus

amantes. A cambio, éstos viven sin envejecer... hasta que su ama se cansa de ellos. Este es el caso de John, su último juguete, que viendo que su expectativa de vida es de apenas 24 horas, busca desesperadamente ayuda en la persona de la doctora Sarah Roberts, una experta en el envejecimiento prematuro. Sarah no cree la historia de John, pero la curiosidad hace que contacte con Miriam... y caiga bajo su influjo. 

Un ejercicio de terror neogótico, en estilo y atmósfera, que en su momento hizo correr ríos de tinta gracias a su escena de amor lésbico entre dos actrices de la talla de Catherine Deneuve y Susan Sarandon. El trío lo completaba el siempre magnético David Bowie, en su, seguramente, más afortunada incursión en la gran pantalla. La cinta significó el debut en el largometraje del británico Tony Scott, hermano de Ridley Scott y, posteriormente, responsable de grandes éxitos de taquilla, como Amor a quemarropa y Top Guy.

La película no fue muy bien recibida en su estreno inicial, sin embargo, la película pronto encontró un grupo de seguidores que le rindieron culto, en respuesta a su atmósfera oscura y glamourosa. La canción de Bauhaus Bela Lugosi's Dead suena en los créditos de introducción y al principio. La película es popular entre algunos segmentos de la subcultura gótica que inspiró una serie de televisión de breve duración del mismo nombre.

Películas de la semana: 13 de octubre

Taylor Swift: The Eras Tour

Dirección: Sam Wrench. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 168 minutos. Género: Documental. Concierto. Documental sobre Música. Reparto: Documental: Taylor Swift. Música: Canciones: Taylor Swift. Productora: Taylor Swift Productions. Estreno en España: 13 de octubre de 2023. Sinopsis: El fenómeno cultural de la cantante Taylor Swift continúa en la pantalla grande con este documental que se sumerge en los conciertos de la gira histórica de la artista. The Eras Tour es la sexta gira de conciertos de la cantante y compositora estadounidense Taylor Swift. Después de no haber realizado la gira de sus álbumes de estudio en 2019, 2020 y 2021 con Lover, Folklore y Evermore debido a la pandemia de COVID-19, Swift se embarca en The Eras Tour en apoyo de todos sus álbumes, incluyendo su último álbum, Midnights (2022). Se trata de una gira por varios estadios que comenzó el 17 de marzo de 2023 en Glendale, Arizona y tiene previsto terminar el 23 de noviembre de 2024 en Toronto, Canadá. Los conciertos duran más de tres horas, con una lista de 44 canciones divididas en 10 actos distintos que retratan conceptualmente los diez álbumes de estudio de Swift.​ La gira fue un gran éxito comercial y recibió elogios unánimes de la crítica. Se convirtió en un fenómeno cultural y económico, impulsado por una demanda sin precedentes a nivel mundial. 

Homenaje a Akira Kurosawa, en el vigésimo quinto aniversario de su fallecimiento (VI)

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Kagemusha, la sombra del guerrero (Kagemusha, 1980)

Shingen es un poderoso caballero y guerrero medieval -la trama se desarrolla en el siglo XVI- que ha llegado a ser tan legendario como sus banderas de guerra, que llevan la leyenda: `Veloz como el viento, silencioso como el bosque, feroz como el fuego, grandioso como la montaña´. Sueña con convertirse en el emperador de Japón. Tras resultar gravemente herido en un combate, lo que le lleva a las puertas de la muerte, Shingen ordena a su séquito la búsqueda de un doble -un kagemusha- para reemplazarlo de modo que sus enemigos no aprovechen su muerte para obtener la victoria final. Encuentran a un hombre de parecido asombroso, un criminal de poca monta, que acepta el encargo, pero que tiene que hacer un gran esfuerzo para parecerse al líder del ejército. Cuando éste es descubierto, el hijo del militar aprovecha la situación para tomar el poder. En uno de sus últimos trabajos, Kurosawa volvió a firmar una obra maestra del calado de sus recientes Dersu Uzala o Ran, o de sus películas clásicas como Yojimbo, Los siete samuráis o Rashomon. No se puede decir nada negativo de este épico espectáculo, que reconstruye la época a la perfección y que cuenta con unos intérpretes excelentes. Los realizadores norteamericanos Francis Ford Coppola y George Lucas eran admiradores declarados del maestro del cine japonés, por lo que le ayudaron a conseguir la financiación necesaria para la película y figuran en los títulos de crédito como productores ejecutivos de la versión internacional. En su momento, las batallas del numeroso ejército de Shingen contra sus enemigos, dejaron patidifuso al público, por su gran espectacularidad. Sólo el propio Kurosawa consiguió igualar el nivel en Ran, su siguiente trabajo. Directores como Mel Gibson en Braveheart y Francis Ford Coppola en Drácula, reconocen que se inspiraron en Kurosawa.

Ran (1985)

La versión de Akira Kurosawa de la tragedia de El rey Lear. El maestro japonés acude a Shakespeare -cambiando hijas por hijos- para contar una historia sobre la filiación y la paternidad, y los sentimientos de gratitud. Ambientada en el siglo XVI, el anciano Hidetora ha decidido repartir sus tierras entre sus tres retoños, unos hombres ya hechos y derechos. Lo que desata la ambición de dos, mientras que el que parecía más despegado es el que mejor reacciona. La película tuvo cuatro nominaciones al Oscar, materializando la del vestuario.

Los sueños de Akira Kurosawa (Yume AKA Akira Kurosawa’s Dreams, 1990) 

Película compuesta de ocho cortometrajes. Son ensoñaciones dispersas, independientes, pero engarzadas entre sí por deseos, angustias y añoranzas. La historia de Yo, desde su infancia hasta su vejez, sirve para mostrar las relaciones del hombre con el mundo, el arte, la espiritualidad, la muerte. Los ocho relatos (extraídos de sueños de Kurosawa) reflejan lo cambios experimentados por Japón a lo largo de un siglo.

Rapsodia en agosto (Hachi-gatsu no kyôshikyoku, 1991)

Una anciana recuerda y cuenta a sus nietos lo que vivió de joven, la sociedad de su tiempo y lo que supuso la guerra. Un joven sobrino americano (Richard Gere) escucha también la historia. Drama de Akira Kurosawa, uno de los mejores directores del mundo, que reflexiona sobre el horror de la guerra y habla de la familia. Entre el reparto (desconocido para la mayoría) destaca la presencia de Richard Gere, tras el éxito de Pretty Woman.

Madadayo (1993)

La última película que dirigió Akira Kurosawa. Es un sentido y nostálgico homenaje a la noble profesión de la enseñanza, y un reconocimiento de la sabiduría que se alcanza en la ancianidad, si antes se ha procurado llevar una vida digna. El director ya había dejado constancia en su autobiografía del respeto que le merecían algunos profesores que habían influido en su trayectoria. Así, admitía que de pequeño la palabra 'profesor' era para él sinónimo de 'persona espantosa'; por ello consideraba "una extraña bendición que en ese tiempo me encontrase con una educación tan innovadora y libre, con tal impulso creativo, como la que impartía entonces el Sr. Tachikawa". Vistas así las cosas se entiende el mucho sentimiento que puso Kurosawa a la hora de describir la trayectoria del profesor Hyakken Uchida, y el homenaje entusiasta que le otorgan sus antiguos alumnos en una reunión alegre, donde afloran los recuerdos, con motivo del cumpleaños. El título hace referencia a una canción que le cantaban los alumnos, en que a la pregunta  "Mahda-kai" ("¿Estás listo para irte al otro mundo?"), a lo que él responde: "Madadayo" ("No, todavía no").

Efemérides de cine: Malas tierras

El 13 de octubre de 1973 se estrenó la película estadounidense Malas tierras (Badlands), dirigida por Terrence Malick e interpretada por Martin Sheen, Sissy Spacek, Warren Oates, Ramon Bieri, Alan Vint, Gary Littlejohn, John Carter, Bryan Montgomery. Productora: Warner Bros., Badlands Company, Jill Jakes Production, Pressman-Williams. Duración: 95 minutos.

Sinopsis argumental: Dakota del Sur, 1959. Cuando el rebelde Kit Carruthers (Martin Sheen) conoce a la joven de 15 años Holly Sargis (Sissy Spacek), decide dejar atrás su mediocre vida y alcanzar el triunfo sea como sea. Pero tras un trágico incidente, ambos jóvenes se convierten en fugitivos. 

Nominaciones y premios: Premios BAFTA: Nominada a mejor actriz revelación (Sissy Spacek); Festival de San Sebastián: Concha de Oro Mejor película, Mejor actor (Sheen).

Comentario: La película cuenta con una brillantísima realización y muy buenas actuaciones de Martin Sheen y Sissy Spacek, cuyos personajes rezuman autenticidad, pese a que los caracteres son muy excéntricos y amorales, como si matar para ellos fuera sólo un juego infantil. Hay planos de una belleza sobrecogedora, que invitan a una contemplación serena (tan del gusto del director), como los que recogen las llamas en el incendio de la casa de Holly, el coche surcando las tierras yermas, los amaneceres, el baile nocturno... Con todo merecimiento, Malas tierras es considerado ya un clásico del cine. Opera prima de Terrence Malik. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Como "Extraños en un tren", de Alfred Hitchcock, trece películas que tienen una ventana a una pista (II)

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Wimbledon (2004)

Este otro melodrama en el mundo del tenis profesional de Richard Loncraine fue filmado en Wimbledon pero, inusualmente, durante el Open Británico, antes del inicio de los partidos “reales”. Kirsten Dunst y Paul Bettany incluso recibieron lecciones privadas de Pat Cash, ganador del torneo de Londres en 1987.

Match Point (2005)

Una de las obras maestras de Woody Allen comienza con una bolita amarilla . Tocó la red y, por una fracción de segundo, pareció dudar: ¿de qué lado caería? Esta pelota que puede decidir el destino de un partido refleja el destino de Chris (Jonathan Rhys-Meyers), un ex tenista profesional de origen modesto, no lo suficientemente dotado para igualar a un Federer pero sí para convertirse en el tutor privado de londinenses muy ricos. Aunque Chris parece haber conseguido por fin un bienestar material, su pasión por una joven actriz degradada como él (Scarlett Johansson) podría arruinar todos sus esfuerzos... Un monumento de cinismo maligno y de júbilo.

Una historia de Brooklyn (The Squid and the Whale, 2005)

En la bella película de Noah Baumbach, la cancha de tenis revela una crisis en una relación. Cuando los Berkman juegan en familia (papá e hijo mayor por un lado, mamá y el hijo menor por el otro), el juego de dobles se convierte en un ajuste de cuentas conyugal. El anuncio del divorcio se producirá poco después... 

Un buen año (A Good Year, 2006)

Estamos de acuerdo: esta crónica del arte de vivir en Provenza es la peor película de Ridley Scott. Pero el dantesco partido de tenis, sobre tierra batida, entre el comerciante Russell Crowe y el enólogo 100% brusco interpretado por Didier Bourdon nos consuela de todos los clichés sobre las virtudes del terruño alineados en Un buen año.

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Homenaje a Akira Kurosawa, en el vigésimo quinto aniversario de su fallecimiento (V)

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Sanjuro (Tsubaki Sanjuro, 1962)

En la época Takugawa del Japón medieval, un grupo de jóvenes samuráis está cansados de la corrupción que reina en su ciudad. Y no saben a qué carta quedarse, si a del tío de uno de ellos, chambelán serio y distante, o a la de otro gran señor, más asequible. La aparición de Sanjuro, un guerrero de personalidad arrolladora, les ayudará a poner orden. Una de las obras mayores de Akira Kurosawa y su actor fetiche, Toshiro Mifune. El personaje de Sanjuro posee una gran fuerza, y contrasta con los jóvenes guerreros algo alocados, que tienden a actuar a tontas y a locas. Él piensa, y aunque su actitud es algo chulesca, el equivalente a un `John Wayne´ de ojos rasgados, casi siempre acierta. Mifune imprime humanidad al personaje, por ejemplo en la escena en que la esposa del chambelán, que ha calado su personalidad, le define como "una katana desenvainada". Aquel comentario -o su mención de las camelias- toca su fibra sensible, y por ello cuando más adelante hinca la rodilla en el suelo y ofrece su espalda a la señora para sortear un muro, lo hace como reconociendo su grandeza. Tras una apariencia rocosa, hay un gran corazón. El cine es pura aventura, y abunda en escenas de acción y suspense. La música de Masaru Sato ayuda, y mucho, a componer la atmósfera de la película, y el director sabe sacar todo su partido al formato panorámico y a la fotografía en blanco y negro. Está además presente uno de los temas favoritos de Kurosawa: el de la búsqueda de la verdad, unido a las engañosas apariencias, que tienen su colofón en el comentario del chambelán acerca de su `cara larga´, que inspira poca confianza, lo que provoca las risas de los reunidos ante él.

El infierno del odio (Tengoku to Jigoku, 1963)

El hijo de Gondo, un empresario, ha sido secuestrado. La cantidad que exigen los captores es la que el tipo tenía reservada para cerrar un importante negocio. Gondo no duda en sacrificar ese dinero, pero las cosas cambian cuando se entera de que los secuestradores han cometido un error: el niño que tienen en su poder es el hijo de su chófer. Con formato de thriller, e incluso de cine negro, Akira Kurosawa plantea un interesante dilema moral. Y Toshiro Mifune pone rostro al hombre enfrentado a una situación límite, que debe probarse a sí mismo que la vida de cualquier ser humano resulta preciosa.

Barbarroja (Akahige, 1965)

El doctor Yamamoto es un joven arrogante, que no está muy contento de acudir a ejercer la medicina en un entorno rural. El carismático doctor Niide, apodado "Barbarroja" y director de la clínica donde va destinado, le va a enseñar un par de valiosas lecciones acerca de cómo tratar a los enfermos, viendo personas concretas en cada uno, con sus dramas íntimos e irremplazables. Canto humanista a la profesión médica, cuya admiración ya plasmó Akira Kurosawa en El ángel ebrio. Ésta fue la última película rodada en blanco y negro por el maestro, y marcó además el final de su colaboración con el actor con el que más se le relaciona: Toshiro Mifune. Al parecer ambos tuvieron diferencias en el enfoque del doctor Niide, al que daba vida Mifune.

Dodes 'Ka-Den (Dodeskaden) (Dodes 'Ka-Den - Dodesukaden, 1970) 

Mirada del lúcido humanista que es Akira Kurosawa a una barriada pobre de Tokio. El cineasta se fija sobre todo en Rokkuchan, un joven retrasado pero que siempre luce una sonrisa en la cara, y que tira un carro que sólo existe en su imaginación.

Kurosawa adaptó un relato de Shuguro Yamamoto, autor en el que ya se había fijado para Sanjuro y Barbarroja. La película tiene algo de denuncia social, pero dirige su mirada sobre todo hacia el espíritu humano que destaca en todas las circunstancias, incluidas las propias de la miseria. Hay algo de melancolía pesimista, y, al contrario de lo que podría creerse, no adopta un tono realista, sino más bien simbólico e incluso onírico, bien apoyado en la colorista fotografía y en la banda sonora.

Dersu Uzala (El cazador) (Dersu Uzala, 1975)

La historia de una hermosa amistad. Más allá de los hermosos parajes de Siberia donde transcurre la acción, magníficamente fotografiados. Más allá incluso de la necesaria advertencia, teñida de ribetes ecológicos, acerca de la pujante civilización que transforma los lugares más bellos en… otra cosa. El gozne sobre el que verdaderamente gira esta obra maestra de Akira Kurosawa es la maravillosa relación que se establece entre el capitán Vladimir Arseniev, explorador del ejército ruso, y Dersu Uzala, un nativo siberiano al que conoce casualmente, y que le sirve como guía en sus esfuerzos por trazar un mapa topográfico. Basada en una historia real, que plasmó en un diario el propio Arseniev. Akira Kurosawa siempre ha demostrado ser un auténtico maestro en humanidad. Pero quizá fue en este film en el que alcanzó la cota más alta en el mencionado campo. Pues logra perfilar la enorme personalidad de Arseniev y, sobre todo, Uzala, de modo asombroso. Inicialmente, el cazador Uzala, que vaga por la estepa y bosque siberianos, parece un tipo más o menos pintoresco, una curiosidad viviente que resulta útil a los soldados rusos. Pero pronto Arseniev y los otros hombres descubren a un personaje de una pieza: sacrificado, amante de la naturaleza, capaz de poner en riesgo su vida para salvar al capitán. Todo ello contribuye a estrechar los lazos entre estos dos hombres. Con toda justicia, la película se llevó el Oscar al mejor título extranjero, además del premio principal del Festival de Moscú. Coproducción ruso-japonesa, destaca el trabajo de los actores principales, Maksim Munzuk y Yuri Solomin, que unido a una fotografía deslumbrante, presenta de modo perfecto la amistad de estos dos hombres, y su muy especial comunión con la naturaleza. En la película flota todo el rato un halo de tristeza, que se acrecienta, cuando las facultades de “jinete libre y salvaje” de Uzala empiezan su declive. El cazador interpreta el ataque de un tigre como la respuesta de la naturaleza al ataque del que está siendo objeto por parte del hombre. Su vista empieza a estar gastada. Arseniev, que se reencuentra con su viejo amigo tras muchos años, le ofrece techo: su casa es la casa de Dersu. Pero la adaptación al nuevo entorno no es fácil, como tampoco lo es aceptar la vejez.

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Efemérides de cine: Cebo humano

El 12 de octubre de 1973 se estrenó la película estadounidense Cebo humano (Gator Bait), dirigida por Beverly Sebastian, Ferd Sebastian e interpretada por Claudia Jennings, Sam Gilman, Douglas Dirkson, Clyde Ventura, Bill Thurman, Don Baldwin, Pete Bracken, Janit Baldwin, Tracy Sebastian, Kacie Kippenbrock. Productora: Sebastian International Pictures. Duración: 88 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuando matan a Ben, son cinco los hombres que intentarán tomarse la justicia por mano propia. La hermana de Desiree, la muchacha del pantano de Cajun, es salvajemente violada y asesinada, y ella jura vengarse afirmando que todo hombre responsable de ese crimen sufrirá una muerte lenta y dolorosa. En la región pantanosa de Luisiana se inicia una batalla a vida o muerte. Aquí prevalece la ley de la selva. 

Comentario: El papel de Desiree Thibodeau en la película fue escrito específicamente para que lo interpretara Claudia Jennings. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Películas de la semana: 11 de octubre

Me he hecho viral

Dirección: Jorge Coira. País: España. Año: 2023. Duración: 96 minutos. Género: Comedia. Redes sociales. Interpretación: Blanca Suárez, Nicolás Furtado, Enric Auquer, Miguel Rellán, Cristina Gallego, Esperanza Guardado, Adrián Viador, Amparo Alcaraz, Javier Cifrián, Lucas Fuica, Rebeca Plaza, José Luis Esteban. Guion: Araceli Gonda. Música: Sergei Grosny. Fotografía: José Luis Bernal Ibáñez. Productora: Bowfinger International Pictures, Atresmedia Cine, Me He Hecho Viral. Distribuidora: Warner. Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Sinopsis: Mabel se convierte en una sensación viral de manera involuntaria durante un vuelo a Polinesia. Al desbloquear el teléfono de su esposo dormido en busca de algo inocente, se topa con pruebas de su infidelidad. En medio del avión, desata una confrontación que provoca el pánico y un aterrizaje de emergencia. De regreso en Madrid, se encuentra con que su vida ha cambiado drásticamente. Ahora es conocida como #lalocadelavion en todo el mundo, lo que le cuesta su trabajo, relaciones personales, hogar y privacidad. Mabel lucha por recuperar lo que ha perdido, pero descubre que ser viral tiene sus desafíos únicos.

O corno

Dirección: Jaione Camborda. País: España. Año: 2023. Duración: 103 minutos. Género: Drama. Años 1970. Vida rural. Interpretación: Janet Novás, Carla Rivas, Siobhan Fernándes, Diego Anido, Daniela Hernán Marchán, María Lado, Nuria Lestegás, José Navarro, Filomena Gigante, Julia Gómez, Darío Fernández Raposo, Pamela Vidal. Guion: Jaione Camborda. Música: Camilo Sanabria. Fotografía: Rui Poças. Productora: Coproducción España-Portugal-Bélgica; Esnatu Zinema, Miramemira, Elastica Films, Bando à Parte, Bulletproof Cupid. Distribuidora: Elástica Films. Premios y nominaciones: Festival de San Sebastián: Concha de Oro (Mejor película). Estreno en España: 13 de octubre de 2023. Sinopsis: Illa de Arousa, 1971. María es una mujer que se gana la vida recogiendo marisco. También es conocida en la isla por ayudar a otras mujeres en el parto con especial dedicación y cuidado. Tras un suceso inesperado, se ve obligada a huir y emprende un peligroso viaje que le hará luchar por su supervivencia. En busca de su libertad, María decide cruzar la frontera por una de las rutas de contrabandistas entre Galicia y Portugal. La directora y guionista vasca Jaione Caborda (Arima) aborda con realismo esta historia sobre el periplo de una mujer que se ve obligada a abandonar su pasado y comenzar una nueva vida. 

Sound of Freedom

Dirección: Alejandro Monteverde. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 131 minutos. Género: Thriller. Drama. Biográfico. Basado en hechos reales. Secuestros. Desapariciones. Abusos sexuales. Interpretación: Jim Caviezel, Bill Camp, Javier Godino, Eduardo Verástegui, Kurt Fuller, Mira Sorvino, José Zúñiga, Scott Haze, Gary Basaraba, Manny Perez, Gustavo Sánchez Parra, James Quattrochi, Cristal Aparicio, Lucás Ávila, Kris Avedisian, Gerardo Taracena, Yessica Borroto Perryman, Mauricio Cujar, Ali Landry. Guion: Rod Barr, Alejandro Monteverde. Producción: Eduardo Verástegui. Música: Javier Navarrete. Fotografía: Gorka Gómez Andreu. Productora: Santa Fé Films. Distribuidora: A Contracorriente Films. Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Sinopsis: Tim Ballard, agente del FBI, dedica sus esfuerzo a capturar pedófilos. A pesar de que ha detenido a casi trecientos criminales, Ballard no está satisfecho, pues le gustaría poder rescatar además a las jóvenes víctimas del tráfico sexual, niños y niñas que son destinadas a la prostitución o a la venta en diversos países del mundo. Este interés de Ballard le llevará a implicarse personalmente en el caso de dos hermanos hondureños, Miguel y Rocío, víctimas de la trata de menores. Las pesquisas le llevarán a Colombia, en donde contactará con dos colaboradores. Película inspirada en hechos reales, producida por Eduardo Verástegui a través de su productora Metanoia y alentada comercialmente por Mel Gibson, en donde se denuncian las redes de pedofilia que operan en el continente americano.

Al otro lado del río y entre los árboles

Título original: Across the River and Into the Trees. Dirección: Paula Ortiz. País: Reino Unido. Año: 2022. Género: Drama. Años 1940. Interpretación: Liev Schreiber, Matilda De Angelis, Josh Hutcherson, Danny Huston, Giulio Berruti, Sabrina Impacciatore, Enzo Cilenti, Laura Morante, Alessandro Parrello, Maurizio Lombardi, Giovanni James Bertoia, Alessandro Bressanello, Massimo Popolizio, Stella Sabbadin, Enrico Bergamasco. Guión: Peter Flannery. Música: Mark Tschanz. Fotografía: Javier Aguirresarobe. Productora: Tribune Pictures, The Exchange. Distribuidora: Bleecker Street. Distribuidora: Oliete Films. Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Sinopsis: Italia, después de la Segunda Guerra Mundial. Richard Cantwell es un coronel del ejército estadounidense atormentado por la guerra, que se enfrenta a la noticia de que padece una enfermedad terminal con estoica indiferencia. Un encuentro casual con una joven comienza a reavivar en él la esperanza de renovarse. Basada en la novela homónima de Ernest Hemingway, una de las últimas del escritor norteamericano. 

Los colonos

Dirección: Felipe Gálvez Haberle. País: Chile. Año: 2023. Duración: 97 minutos. Género: Drama. Aventuras. Años 1900. Interpretación: Mark Stanley, Camilo Arancibia, ​​Benjamín Westfall, Alfredo Castro, Sam Spruell, Mariano Llinás, Marcelo Alonso, Luis Machín, Agustín Rittano, Adriana Stuven. Guion: Felipe Gálvez Haberle, Antonia Girardi. Música: Harry Allouche. Fotografía: Simone D'Arcangelo. Productora: Coproducción Alemania-Argentina-Chile-Dinamarca- Francia-Reino Unido-Suecia-Taiwan; Don Quijote Films, Rei Cine, Snowglobe Films. Distribuidora: Sideral. Premios y nominaciones: Festival de Cine de Cannes: una nominación. Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Sinopsis: A fines del siglo XIX las estancias ovejeras cubren cada vez más territorio en la Patagonia chilena. En 1893, Segundo, un mestizo chileno; Maclenan, un militar inglés y Bill, un mercenario estadounidense, emprenden una expedición a caballo para delimitar y reclamar las tierras que el Estado le ha otorgado a José Menéndez. Lo que parece ser una expedición administrativa, se transforma en una violenta cacería de onas, los nativos del archipiélago de Tierra del Fuego. 

Insensatos

Título original: Glupcy. Dirección: Tomasz Wasilewski. País: Polonia. Año: 2022. Duración: 107 minutos. Género: Drama. Interpretación: Dorota Kolak, Lukasz Simlat, Tomasz Tyndyk, Katarzyna Herman, Marta Nieradkiewicz, Agnieszka Suchora, Alina Seban, Michal Grzybowski, Sebastian Pawlak, Malgorzata Majerska. Guion: Tomasz Wasilewski. Fotografía: Oleg Mutu. Productora: Coproducción Alemania- Polonia-Rumanía; Achtung Panda! Media, Extreme Emotions, microFILM, TVN, EC1 Lódz - Miasto Kultury. Distribuidora: Reverso Films. Estreno en España: 11 de octubre de 2023.  Sinopsis: Marlena, es una mujer de unos 60 años que vive con su pareja Tomasz, 20 años más joven, en un paraje aislado, deformado y casi surrealista; una casa entre dunas a orillas de un mar oscuro y tumultuoso en la costa báltica de Polonia. Su vida se verá afectada cuando tengan que acoger a su hijo moribundo. Una carga que sacudirá su relación de pareja y sacará a la luz secretos familiares que se han mantenido ocultos durante mucho tiempo poniendo en entredicho las normas y las convenciones sociales. Insensatos habla de vidas insanas e insatisfactorias, de decisiones terribles que generan dolor y sufrimiento alrededor y en la propia vida, que hacen que la existencia sea gradualmente poco menos que un suplicio. 

Orlando, mi biografía política

Título original: Orlando, ma biographie politique. Dirección: Paul B. Preciado. País: Francia. Año: 2023. Duración: 98 minutos. Género: Documental | Literatura. Transexualidad. Transgénero. Reparto: Documental. Guion: Paul B. Preciado. Música: Clara Deshayes. Fotografía: Victor Zébo. Productora: Coproducción España-Francia;  24 Images, arte, Les Films du Poisson. Distribuidora: Atalante. Premios y nominaciones:  Festival de Cine de Berlín: Sección Encounters: Mención especial (documental) y Premio Especial del Jurado; Jeonju International Film Festival (JIFF). 1 nominación. Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Sinopsis: Un siglo después de la publicación de Orlando: biografía de Virginia Woolf, Paul B. Preciado, filósofo y escritor, escribe a la autora inglesa para decirle que su personaje se ha hecho realidad: el mundo se está volviendo Orlando. Preciado convoca un casting en el espacio público y en las redes sociales: "¿Quiénes son los Orlandos contemporáneos?". A través de un viaje poético y un recorrido político, la película traza el retrato de un mundo en transformación.

La vida de Brianeitor

Dirección: Álvaro Longoria. País: España. Año: 2023. Duración: 75 minutos. Género Documental. Discapacidad. Enfermedad. Reparto: Documental, Braneitor, Paco Albacete. Guion: Álvaro Longoria. Música: Lucas Vidal. Fotografía: Fiorela Gianuzzi. Productora: Comunidad de Madrid, Morena Films, Movistar Plus+, Películas Pendelton. Distribuidora: Notorotius Pictures. Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Sinopsis: Desde que nació Brian únicamente cuenta con movilidad en dos dedos de las manos debido a una atrofia muscular degenerativa congénita. De repente, un día se convierte en todo un fenómeno mundial gracias a las redes sociales. Bajo el alias de Brianeitor2002 se convierte en uno de los gamers y streamers del momento. Sus pasos son seguidos por milones de seguidores en todo el mundo, y pronto dará el siguiente gran paso para convertirse en una estrella de cine con su debut en la gran pantalla en la película Campeonex, de Javier Fesser. Su fascinante historia de superación para llegar a lo más alto sin que le frene su enfermedad es toda una lección de vida increíble. ongoria ha contado para su relato con acceso exclusivo a la vida de Brian, con la participación de su familia, sus amigos más cercanos, los principales miembros de su equipo Team Heretics y con otros gamers, streamers y compañeros de este nuevo universo. A través de ellos y del archivo personal de Brian, el documental reconstruye su vida hasta convertirse en Brianeitor2002. Además, ha contado con imágenes exclusivas e inéditas del debut de Brian como actor, en el rodaje de la película CampeoneX, dirigida por Javier Fesser que da continuidad a su anterior film Campeones, que se convirtió en un auténtico fenómeno social.

Fauna

Dirección: Pau Faus. País: España. Año: 2023. Duración: 74 minutos. Género: Documental. Enfermedad. Vida rural. Coronavirus (COVID-19). Reparto: Documental. Guion: Sergi Cameron, Pau Faus, Júlia R. Aymar. Producción: Sergi Cameron. Música: Israel Marco, Quim Ramos. Fotografía: Carlota Serarols. Productora: Nanouk Films, TV3, ICEC (Institut Català de les Empreses Culturals). Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Sinopsis: En un bosque a las afueras de Barcelona, un viejo pastor enfermo convive con un laboratorio de alta tecnología para la experimentación animal. Mientras el pastor ve desaparecer su trabajo, los científicos están más ocupados que nunca investigando la vacuna Covid. El segundo largometraje de Pau Faus nos lleva a un mundo en donde los seres humanos intentan sobrevivir como pueden a las crisis tanto personales como globales. El artista, cineasta, arquitecto y activista Pau Faus, que nació y creció en Barcelona, se dio a conocer al público y a la crítica gracias a su mediometraje Sí se puede. Siete días en PAH Barcelona y a su ópera prima, Alcaldesa, con la que se llevó el Gaudí al mejor documental. Siete años después, Pau Faus ha decidido brindarnos con Fauna, su largometraje poético más reciente, que se estrenará a nivel mundial en la competición internacional de Visions du Réel.

La Patrulla Canina: La superpelícula

Título original: PAW Patrol: The Mighty Movie. Dirección: Cal Brunker. País: Estados Unidos. Año: 2023. Duración: 92 minutos. Género: Animación. Aventuras. Comedia. Infantil. Secuela. Preescolar. Perros. Reparto: Animación. Guion: Bob Barlen, Cal Brunker. Historia: Cal Brunker, Bob Barlen, Shane Morris. Música: Pinar Toprak. Fotografía: Animación. Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Nickelodeon Animation Studios, Nickelodeon Movies, Paramount Animation, Paramount Pictures, Spin Master Entertainment. Distribuidora: Paramount Pictures. Estreno en España: 11 de octubre de 2023. Sinopsis: Cuando un meteorito mágico se estrella en Ciudad Aventura, los cachorros de la Patrulla Canina consiguen unos superpoderes que los transforman en ¡Los PODEROSOS CACHORROS! Para Skye, la más pequeña del equipo, sus nuevos poderes son un sueño hecho realidad. Pero las cosas se complican cuando Humdinger, el archienemigo de los cachorros que acaba de fugarse de la cárcel, se une a Victoria Vance, una desquiciada científica obsesionada con los meteoritos, y forman una alianza para robar los superpoderes y convertirse en supervillanos. Con el destino de Ciudad Aventura al filo del abismo, los Poderosos Cachorros tendrán que detener a los supervillanos antes de que sea demasiado tarde, y Skye descubrirá que hasta la más pequeña del equipo puede ser la que determine el resultado. 

Homenaje a Akira Kurosawa, en el vigésimo quinto aniversario de su fallecimiento (IV)

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Trono de sangre (Kumonosu-jô, 1957)

Akira Kurosawa fue un cineasta abierto a las influencias de la cultura occidental. Lo demostró al trasladar al ambiente nipón medieval la célebre tragedia `Macbeth´ de William Shakespeare. En esta ocasión es un señor de la guerra japonés el que recibe una profecía según la cual llegará a ser emperador; y su mujer alimenta esa ambición, con consecuencias fatales. El director consideraba que, con Bajos fondos y La fortaleza escondida, le había salido una trilogía `jidai-geki´, las típicas películas de época de su país. Para narrar la historia acudió a la técnica del teatro "noh", en que los actores mueven el cuerpo de un modo muy característico. El uso de la niebla se reveló eficacísimo, así como el del decorado del castillo, en la falda del monte Fuji.

Los bajos fondos (Donzoko, 1957)

Robukei y su mujer mantienen un asilo para los más pobres en el Tokio feudal. Allí se dan cita un antiguo policía, un viejo artesano, un actor fracasado, una prostituta... Una de las películas más entrañables del gran Akira Kurosawa. Se trata de una historia claustrofóbica, basada en una obra del ruso Máximo Gorki, en la que la convivencia bajo un mismo techo saca a la luz los sentimientos más íntimos de los personajes. El director pensaba que el período Edo en que está situada era comparable al ambiente miserable que reinaba en el imperio de los zares en el siglo XIX. Resulta magnífica la composición de los planos, en maravilloso blanco y negro. La mano de artista sublime de Kurosawa se hace notar sobremanera en el amargo final, donde se permite un 'salto mortal sin red', al pasar de un momento bufo –la danza de un grupo de borrachos–, a otro trágico, sin solución de continuidad.

La fortaleza escondida (Kakushi Toride no San-Akunin, 1957)

Dos campesinos aceptan escoltar a un grupo, del que forman parte una altiva mujer y un hombre con pinta de tener autoridad. Ignoran que se trata de una princesa y su general, perseguidos por el villano de turno. Película de aventuras de Akira Kurosawa, que inspiró en parte a George Lucas y La guerra de las galaxias. Allí están la princesa y los dos campesinos (personajes cómicos como los robots C3PO y R2D2) para atestiguarlo. La simplicidad de la trama no impide buenas dosis de aventura y buen humor.

Los canallas duermen en paz (Warui yatsu hodo yoku nemuru, 1960)

Primera película producida por Akira Kurosawa, se adentra en el mundo de la corrupción empresarial, con un hombre que desea vengar la muerte de su padre en una clave muy de El padrino, aunque las dudas que le atenazan le emparentan también con el Hamlet de Shakespeare. Se trata de una historia notable, con los perfiles psicológicos de los personajes muy bien trazados. El director nipón afirmaba haber querido rodar una historia con significado social, y que optó por abordar el mundo de los escándalos corporativos porque "esa gente se esconde tras la fachada de una gran organización, y por eso nadie se da cuenta de lo terribles que son ni de las tremendas cosas que hacen".

Yojimbo (El mercenario) (Yôjinbô, 1961)

Una de las mejores películas de samuráis de la historia del cine, a la altura de Los siete samuráis, también de Kurosawa. Describe la llegada de un guerrero a una ciudad dividida por el enfrentamiento entre dos clanes rivales. Yojimbo es un mercenario, que va cambiando de bando según le conviene. Pero su visión de las cosas cambia a medida que conoce la situación y a los que la padecen. Hasta el punto de que decide, para liberar a la oprimida ciudad, explotar dicha rivalidad: la idea es que ambos grupos se maten entre sí. La película tuvo tal repercusión, que el propio director dirigiría una secuela, Sanjuro (Tsubaki Sanjuro, 1962). La trama parece deudora de la novela de Dashiell Hammett Cosecha roja, y un argumento semejante también formaría parte de Muerte entre las flores, la película de los hermanos Coen. Pero el remake por excelencia es la película de Sergio Leone protagonizada por Clint Eastwood Por un puñado de dólares. Aunque muchos comentaristas atribuyeron el éxito de la cinta a los duelos de espadas, apasionantes sin duda, Kurosawa tenía otra opinión. Para él lo importante era el personaje de Yojimbo, que "es un verdadero héroe, tiene un motivo real para luchar".

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Efemérides de cine: Amenaza en la sombra

El 11 de octubre de 1973 se estrenó la película británica Amenaza en la sombra (Don't Look Now), dirigida por Nicolas Roeg e interpretada por Julie Christie, Donald Sutherland, Hilary Mason, Clelia Matania, Massimo Serato, Renato Scarpa, David Tree, Giorgio Trestini, Leopoldo Trieste, Ann Rye. Productora: Coproducción Italia-Reino Unido;  Paramount Pictures. Duración: 102 minutos.

Sinopsis argumental: Los Baxter están de luto, su hijita se ahogó en el lago cercano a su casa, mientras tenía cierta clarividencia de que algo malo estaba ocurriendo. Deciden viajar juntos a Venecia para tratar de olvidar la trágica muerte, ocupado él de la restauración de unas antiquísimas vidrieras de una iglesia. Pero el encuentro con una especie de pitonisa que les asegura que puede ver a su hija les trastornará profundamente.

Nominaciones y premios:  Premios BAFTA: Mejor fotografía. 7 nominaciones. 

Comentario: Película de terror con dos actores más que presentables, Donald Sutherland y Julie Christie, que tratan de crear la atmósfera inquietante que requiere la historia, creada por Daphne Du Maurier, artífice de la mítica Rebecca. Sobrecogedora gracias a la habilidad como director de Nicolas Roeg, que demuestra talento a la hora de inquietar en el incomparable marco de la misteriosa ciudad de los canales. Sobre una secuencia elevada de tono, que nada tiene que ver con la trama. Se conmemora el quincuagésimo aniversario de su estreno. 

Como "Extraños en un tren", de Alfred Hitchcock, trece películas que tienen una ventana a una pista (I)

Recordando el thriller tenístico de Alfred Hitchcock, repasamos de algunas escenas de culto sobre tierra, hierba o cemento...

Los aficionados al tenis están invitados a dejar temporalmente su raqueta para volver a ver, Extraños en un tren (Strangers on a Train, 1951), un clásico de Hitchcock donde un partido crea suspense. Guy (Farley Granger) debe ganar su final lo más rápido posible para evitar quedar atrapado por un chantajista. La parte (ficticia) incluye imágenes muy reales de un partido de Copa Davis filmadas por Alfred Hitchcock en el mítico estadio de Forest Hills.

Las películas en las que damos golpes a la bolita amarilla son más raras que las dedicadas al boxeo o incluso al golf. Y preocupan más a los jugadores aficionados que a los profesionales. El tenis, escriben Julien y Gérard Camy en su libro-resumen Sport & cinema, “requiere una técnica difícil de comprender por los actores si no son excelentes jugadores, al mismo tiempo que juegan al golf. La brevedad de las tomas hace que sea más fácil hacer trampa, utilizando ángulos de cámara y edición. Descubra aquí nuestro gran slam de películas sobre pistas de tenis, en orden cronológico de aparición en pantalla.

Las vacaciones del señor Hulot (Les vacances de Monsieur Hulot, 1953)

“El tenis, juego de habilidad, fuerza y ​​técnica, tiene […] un poder burlesco”, según Julien y Gérard Camy. Hulot el patoso (Jacques Tati) lo demuestra con su servicio en un estilo poco ortodoxo pero efectivo. Irresistible.

El apartamento (The Apartment, 1960)

Ninguna cancha de tenis, y mucho menos un partido de dos o tres sets en la obra maestra de Billy Wilder. Pero un uso inteligente de la raqueta, por decir lo mínimo, se transformó aquí en… un escurridor de espaguetis.

Blow-Up (Deseo de una mañana de verano) (Blow-up, 1966)

La película pop de Michelangelo Antonioni termina con un partido de tenis... sin raquetas ni pelotas. Pero cuando uno de los mimos finge golpear demasiado fuerte, la cámara sigue la pelota imaginaria mientras se aleja volando y luego rueda hacia la hierba. La magia del cine...

Dentro de cien años todos calvos (Nous irons tous au paradis, 1977)

El partido de dobles entre amigos que se va de las manos es un clásico del tenis en pantalla. Tras haber sido engañados por un agente inmobiliario, los héroes de la película de Yves Robert se convierten en propietarios de una casa con pista de tenis... ¡una prolongación de las pistas de Roissy! Para soportar el ruido de los aviones, los cuatro amigos tienen que jugar con protectores en las orejas. Obviamente, es molesto...

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