Mujeres de cine: Meryl Streep (VIII)

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A finales de 2015, participó en la cinta británica Sufragistas (Suffragette), que se centra en las primeras participantes en el movimiento británico en favor del sufragio femenino de finales del siglo xix y principios del siglo xx, donde fue elegida para interpretar a la líder sufragista británica Emmeline Pankhurst. Durante la promoción de la película volvió a convertirse en un altavoz de la igualdad de género, declarando que se identifica como una humanista que busca el equilibrio.

Meryl Streep en Sufragistas (2015)

Su única película del año 2016, Florence Foster Jenkins fue inspirada en la vida de la cantante de ópera del mismo nombre que, a pesar de su inhabilidad para el canto, insistió en convertirse en intérprete.90​ La comedia también contó con la participación de Hugh Grant y Simon Helberg.91​ Por este trabajo, Streep ganó el premio de la Crítica Cinematográfica a la mejor actriz de comedia y fue candidata al BAFTA, el Globo de Oro y el Óscar.

Mery Streep en Florence Foster Jenkins (2016)

En 2017, Streep interpretó a la primera editora de periódicos estadounidense, Katharine Graham, junto a Benjamin Bradlee de Tom Hanks, en el drama político de Steven Spielberg Los archivos del Pentágono (The Post), que se centra en la publicación de The Washington Post de los Papeles del Pentágono de 1971.​ La película recibió críticas positivas con elogios dirigidos a las actuaciones de los dos protagonistas.​ Streep recibió su 31.ª nominación al Globo de Oro y la 21.ª nominación al Oscar a la Mejor Actriz en 2018. 

Meryl Streep en Los archivos del Pentágono (2017)

En 2018, Streep repitió brevemente su papel de Donna Sheridan en la secuela musical Mamma Mia! Una y otra vez (Mamma Mia! Here We Go Again), trabajó con Lily James, Cher, Pierce Brosnan, entre otros. También jugó un papel secundario en la película musical y fantasía El regreso de Mary Poppins (Mary Poppins Return), de Rob Marshall, una secuela musical de la película de 1964 Mary Poppins protagonizada por Emily Blunt en el papel principal.

Meryl Streep en El regreso de Mary Poppins (2018)

Streep más tarde apareció en su primer papel principal en una serie de televisión al protagonizar la segunda temporada de la serie dramática de HBO Big Little Lies en 2019. Interpretó el papel de Mary Louise Wright, la suegra de Nicole, personaje de Nicole Kidman.​ Liane Moriarty, autora de la novela del mismo nombre, en la que se basa la primera temporada, escribió una novela corta de 200 páginas que sirvió de base para la segunda temporada. Moriarty decidió nombrar al nuevo personaje Mary Louise, después del nombre legal de Streep. Posteriormente, Streep aceptó el papel sin leer un guion por primera vez en su carrera.​ 

Meryl Streep en Big Little Lies (2019)

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Cumplió 25 años: De tal perro tal amo

El 14 de septiembre de 1998 se estrenó la película canadiense De tal perro tal amo (Dog Park), dirigida por Bruce McCulloch e interpretada por Natasha Henstridge, Luke Wilson, Kathleen Robertson, Janeane Garofalo, Bruce McCulloch, Kristin Lehman, Amie Carey, Gordon Currie. Productora: Coproducción Canadá-Estados Unidos; Accent Entertainment Corporation, Canadian Film or Video Production Tax Credit (CPTC), Indieprod Films, Lions Gate Films, New Line Cinema, Ontario Film and Television Tax Credit (OFTTC), The Harold Greenberg Fund, Téléfilm Canada. Duración: 86 minutos. 

Sinopsis argumental: Andy es un monógamo en serie que se encuentra perdido y solitario tras la marcha de su novia con otro hombre. A pesar de la separación, ambos deben compartir la custodia de su perro. Una noche en un bar Andy conoce a una espectacular rubia, también dueña de un can, y acaban en su piso. 

Comentario: El realizador Bruce McCulloch firma el guión y la dirección de esta comedia romántica, además de reservarse un papel en el reparto, que narra de forma atípica las extrañas relaciones de un grupo de chicos jóvenes implicados en una cadena de citas en busca de amor y compromiso

Efemérides de cine: Caballos salvajes (Chino)

El 14 de septiembre de 1973 se estrenó la película italiana Caballos salvajes (Chino) (Valdez, il mezzosangue (Chino)), dirigida por John Sturges, Duilio Coletti e interpretada por Charles Bronson, Jill Ireland, Marcel Bozzuffi, Vincent Van Patten, Fausto Tozz i, Ettore Manni, Melissa Chimenti, Corrado Gaipa, José Nieto (II), Diana Lorys, Conchita Muñoz, Luis Prendes. Productora: Coproducción Italia-España-Francia; Dino de Laurentiis. Duración: 98 minutos. 

Sinopsis argumental: El mestizo Chino Valdez (Charles Bronson), cuya única pasión es la cría de caballos, ofrece cobijo y protección en su rancho a Jamie Wagner (Van Patten), un fugitivo de la justicia. Todo marcha bien hasta que Chino se enamora de Louise, la hermanastra de Maral, un ranchero rival, que aprovechará la presencia de Jamie para hacerle la vida imposible a Valdez. 

Comentario: Basada en la novela The Valdez Horses de Lee Hoffman, se puede considerar una obra menor del genial John Sturges, creador de grandes clásicos, como: La gran evasión y Los siete magníficos, que aquí vuelve a reunirse con un viejo conocido como Charles Bronson, para contar una historia sobre un domador de caballos de la vieja escuela.

Doce películas clásicas de aventuras para volver a ver en familia (I)

Princesa japonesa, misterio detectivesco a bordo de un tren de lujo, fantasía al estilo Tintín o historias de piratas: desde Spielberg y Miyazaki hasta Blake Edwards, llénate de las mejores aventuras en pantalla para revivir en familia, a partir de los 8 años.

1. La guerra de las galaxias. Episodio IV: Una nueva esperanza (Star Wars, 1977), de George Lucas

Hace mucho, mucho tiempo, en los años 1970, en la relativamente lejana galaxia de Hollywood, George Lucas revolucionó el cine con la saga de La guerra de las galaxias, responsable directa de que la mayor parte de películas actuales de Hollywood se dirijan hacia un público cada vez más joven. Contra todo pronóstico, y a pesar de que Lucas tuvo grandes problemas para encontrar financiación para su película, se convirtió en un gran éxito. Por eso, el cineasta aseguró a los cuatro vientos que tenía pensado que la película fuera el capítulo cuarto de una extensa saga. El tiránico Imperio domina la galaxia, a pesar de la resistencia de la Alianza Rebelde. Antes de ser capturada, la princesa Leia esconde los planos del arma principal del Imperio, la Estrella de la Muerte, en un droide que irá a parar a las manos de Luke Skywalker. Éste intentará salvar a la princesa, con ayuda del jedi Obi-Wan-Kenobi y el contrabandista Han Solo.

2. E.T., el extraterrestre (E.T. the extra-terrestrial, 1982), de Steven Spielberg

Steven Spielberg no sería quien es si no hubiera rodado esta película. Si ya antes había sorprendido con una visión favorable de la vida más allá de la Tierra en Encuentros en la tercera fase, su siguiente película fue directamente a destrozar el mito del marciano con malas pulgas que viene a nuestro planeta para sembrar la destrucción. ¿Qué ocurriría si el extraterrestre más simpático del universo perdiera el bus de vuelta a casa? Esta pregunta dio origen a la película más personal de Steven Spielberg, de la que ahora celebramos su veinte aniversario. En el pequeño Elliott, que sufre por la reciente separación de sus padres, y que no tiene amigos de su edad, podemos ver el “alter ego” de Spielberg. También él pasó por el divorcio de sus padres, y era un muchacho solitario, que buscaba refugio en su enorme imaginación. Como el protagonista de E.T., que vive en una casa de una zona residencial y juega con sus muñecos de superhéroes. Pero lo que más anhela es un verdadero amigo y, como explica el director, “dentro de esa existencia en solitario llega un regalo de las estrellas, el mejor amigo que pudiera uno imaginar. Por supuesto, esto es algo que nunca me sucedió a mí, pero es una parte de mis fantasías. Cuando yo tenía 9 años deseaba tener un amigo que viniese de las estrellas y creciera conmigo. Y pienso que, en definitiva, de ese deseo surgió la idea de hacer E.T.”

3. Karate Kid (The Karate Kid, 1984), de John G. Avildsen

Primera entrega de lo que, debido a su éxito, constituiría después una larga saga. Nos narra las aventuras de Daniel, un muchacho recién llegado a la ciudad de los Angeles, que pronto se ve envuelto en problemas a causa de "los Cobras", una terrible pandilla de jóvenes luchadores de karate que la toma con él por salir con la antigua novia del líder de la cuadrilla. Daniel deberá recurrir al viejo maestro Miyagi, un conocedor de todas las artes marciales así como un consumado filósofo. Él le entrenará, aconsejará y ayudará para su enfrentamiento con los terribles "Cobras."

4. Regreso al futuro (Back to the Future, 1985), de Robert Zemeckis

Las aventuras de Marty McFly a través del tiempo son casi un clásico. Robert Zemeckis reinventó las travesías temporales que ya ideara H.G. Wells en su célebre novela La máquina del tiempo, varias veces llevada al cine. Zemeckis (Forrest Gump, Lo que la verdad esconde) logra un fabuloso cóctel de acción y comedia, gracias a un guión milimétrico y a una interpretaciones meritorias de los dos actores principales: Michael J. Fox, que da vida a Marty, y Christopher Lloyd, que encarna a Doc, el loco científico amigo del protagonista. En esta primera entrega, Marty viaja a la época del Rock'n Roll para conseguir el encuentro con sus futuros padres. Inolvidable el punteo en el baile de fin de curso. El ritmo es modélico, y las bromas anacrónicas dan mucho juego.

5. Los Goonies (The Goonies, 1985), de Richard Donner

Una pandilla de grandes amigos busca un apetecible tesoro escondido. Es la única manera a su alcance para intentar permanecer unidos, pues el cochino dinero obliga a los padres de dos del grupo a mudarse de casa. De este modo, podrían resolver estos problemas pecuniarios si encuentran el susodicho tesoro en una cueva llena de peligros. Película de aventuras producida por Steven Spielberg y que apasionó a todos los jóvenes de una generación que siempre soñaron con tener un grupo de amigos como los protagonistas. Tiene momentos al más puro estilo Indiana Jones.

6. Todo en un día (Ferris Bueller's Day Off, 1986), de John Hughes

Por una serie de circunstancias fortuitas, al joven Ferris Bueller (Matthew Broderick) se le presenta el día más feliz de su vida. Gracias a su audacia, ha conseguido un espléndido Ferrari descapotable, con el que pretende impresionar a todas las chicas que le salgan al paso. Además, goza de plena licencia para hacer lo que quiera. Pero claro, pasarse de listo le puede traer más de un problema. Pronto se verá metido en líos, de los que deberá salir airoso para que las cosas vuelvan a su cauce. Una divertida comedia de adolescentes, protagonizada por el entonces prometedor actor de El novato, Matthew Broderick. La tensión creada por la frenética actividad de Ferris Bueller contagia al espectador. Aunque no propone una historia interesante, está entretenida.

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Las 10 mejores películas de Edward G. Robinson (I)

El suyo fue uno de los rostros más reconocibles del cine clásico de Hollywood durante las décadas de los años 1930 y 1940. Este actor, de origen rumano, protagonizó casi un centenar de películas a las órdenes de directores tan prestigiosos como Fritz Lang, Cecil B. DeMille y John Huston. A pesar de esa larga lista de grandes papeles, Edward G. Robinson nunca estuvo nominado a los Oscar, y solo recibió uno honorífico, como reconocimiento a su carrera, al poco tiempo de su muerte.

Esta es nuestra selección de sus mejores interpretaciones en la gran pantalla. Si hay alguna que que quedó olvidada en la última fila de la sala del cine, puedes mencionarla en los comentarios.

1.- Hampa dorada (Little Caesar, 1931), de Mervyn LeRoy

Hampa dorada es hoy considerada como uno de los títulos clásicos que dio a luz el cine negro de los años treinta. Esta película narra el ascenso y caída dentro del mundo del hampa de Cesare Bandello conocido por todos como "Little Caesar", alias Rico. Fue protagonizada por Edward G.Robinson, que junto a actores como James Cagney y Humphrey Bogart se especializó en este tipo de papeles. Douglas Fairbanks coprotagoniza esta película dando vida a Joe Massara, el mejor amigo de Rico, pero que finalmente le traiciona delatándole a la policía. Si bien hoy algunos de sus planteamientos pueden resultar ingenuos, el paso del tiempo no ha estropeado esta película que sin duda sirvió de fuente de inspiración a títulos posteriores de cine negro. Mervyn LeRoy dirige esta película que recrea magníficamente aquellos años de timbas clandestinas que surgieron bajo el amparo de la Ley Seca.

2.- La bala mágica (Dr. Ehrlich's Magic Bullet, 1940), de William Dieterle

Debido al éxito obtenido con La tragedia de Louis Pasteur (1935), al director William

 Dieterle le fue 

encomendada la biografía de otro insigne médico científico: el doctor Paul Ehrlich (1854-1915), un Premio Nobel de Medicina que descubrió el tratamiento contra la sífilis (enfermedad mortal en aquellos tiempos) con el suero 606 (por ser éste el número de experimentos realizados hasta su descubrimiento) y denominado por él mismo como “Bala mágica” (de ahí el título original de la cinta). 

A pesar de su magnífica difusión de los acontecimientos –donde destacan los diálogos en el tratamiento del guión, elaborados por John Huston–, la película sufrió demasiados problemas por la censura, que prohibió que se dijese la palabra "sífilis" durante todo el metraje. Así que algunos espectadores se preguntaban qué diablos había hecho este hombre para merecer una película.

3.- La mujer del cuadro (The Woman in the Window, 1944), de Fritz Lang, 1944)

Un hombre de familia se ve implicado en un crimen con mujer de por medio. Y es que el tipo, fascinado por el cuadro de una hermosa mujer que preside un escaparate, queda todavía más fascinado cuando conoce a la mujer de carne y hueso. Pero tontear con ella, le traerá muchas complicaciones. Fritz Lang maneja con pericia esta historia, y por una vez Edward G. Robinson no compone al gángster de turno. Atentos al hábil paso de sueño a realidad.

4.- Perdición (Double Indemnity, 1944), de Billy Wilder

El agente de seguros Walter Neff llega tambaleándose de noche a su oficina, herido. un dictáfono, prepara una confesión de sus crímenes, destinada a Keyes, su jefe. 

Así arranca una de las obras maestrás indiscutibles del cine negro, basada en una novela corta de James M. Cain, convertida en guión por otro maestro del género, Raymond Chandler, y por el genial Billy Wilder. La historia sigue con un largo flash-back, que concluye con el encuentro de Keyes y Walter (que mantienen una suerte de relación paternofilial) con un recurso muy efectivo y visual: durante todo el metraje, Keyes está buscando cerillas para encender sus cigarros, lo que nos habla de una apertura, de que el personaje necesita a los otros a pesar de un lobo solitario; por ello, Wilder prescindió de la escena de la cámara de gas, que había supuesto un fuerte desembolso económico, para concluir con el momento en que Keyes que da fuego al malherido Walter.

5.- Perversidad (Scarlet Street, 1945), de Fritz Lang

Basada en una novela de Georges de La Fouchardière y André Mouézy-Éon, esta vez sería Dudley Nichols el encargado de adaptar el guión. Con el irrepetible trío protagonista que ya empleara previamente en La mujer del cuadro, Fritz Lang filmó con Perversidad un excelente remake de la película La golfa (1931), de Jean Renoir. Christopher Cross (Edward G. Robinson), es el fiel cajero de un banco neoyorquino. Su vida insulsa e infeliz lo hace sentirse insignificante. Sólo su pasión por la pintura mantiene vivo su espíritu. Coincidiendo con una cena homenaje que recibe por llevar 25 años al servicio del Banco, en el camino de vuelta a casa, defiende a una preciosa joven llamada Kitty (Joan Bennett), de recibir una paliza por un borracho. Totalmente encandilado por la belleza de la joven sólo es capaz de hablar de su arte. A partir de ahí comienza el malentendido, y será tomado por un rico y famoso pintor del que la joven sin escrúpulos y su violento novio (Dan Duryea) intentarán aprovecharse de muy diferentes maneras. Se inicia así una compleja y enrevesada trama por donde circulan varios personajes en torno a nuestro protagonista, un hombre honesto dotado de una especial sensibilidad que nadie ha sido capaz de descubrir. La bella joven cumple con todos los requisitos de femme fatale, es cruel, ambiciosa, manipuladora y sin escrúpulos. Ella será capaz de aprovechar la confianza que un hombre completamente enamorado, ciego frente a los caprichos de una idealizada joven. El film nos conduce por la peligrosa pendiente que lleva a la pérdida de la dignidad, los principios y la ética en pro de satisfacer los deseos propios y los de su idílica y deseada mujer. Nuestro protagonista llegará a ser capaz de robar, desfalcar en su banco y tramar la propia muerte de su esposa para conseguir el beneplácito de la bella joven.

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Mujeres de cine: Meryl Streep (VII)

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Comenzó la nueva década con su película La dama de hierro (The Iron Lady), dirigida por Phyllida Lloyd, una cinta británica biográfica de 2011 sobre Margaret Thatcher, la cual relataba diversas etapas de su vida. Streep, quien estuvo presente durante los debates de los miembros de la Cámara de los Comunes para preparar su personaje, llamó su participación en la cinta como «un desafío emocionante y de enormes proporciones».​ Aunque La dama de hierro recibió comentarios mixtos, su personificación de Thatcher recibió los máximos elogios y distinciones de la industria cinematográfica alrededor del mundo, entre ellos, su primer BAFTA en treinta años, un Globo de Oro y su tercer Oscar, el primero en veintinueve años.

Meryl Streep en La dama de hierro (2011)

En 2012 se reunió con el director de El diablo viste de Prada, David Frankel, en la comedia dramática Si de verdad quieres (Hope Springs), junto con Tommy Lee Jones y Steve Carell. En ella, una madura pareja de esposos (Streep y Jones) intentan reactivar la intimidad de su relación asistiendo a una asesoría matrimonial intensiva.​ La película fue generalmente elogiada por la crítica, la cual destacó «las fascinantes interpretaciones de Meryl Streep y Tommy Lee Jones», quienes ofrecen «a los espectadores algunas risas maduras [...] y una mirada reflexiva a las relaciones en la adultez». La cinta le generó a Streep su vigésima séptima nominación al Globo de Oro.

Tommy Lee Jones y Meryl Streep en Si de verdad quieres... (2012)

En 2013, la actriz encarnó a Violet, una mujer madura con problemas de drogadicción y alcoholismo en el drama Agosto (August: Osage County), dirigida por John Weells, junto con Julia Roberts. Está basada en la obra teatral homónima, ganadora del premio Pulitzer, de Tracy Letts. Streep se hizo con el aplauso de la crítica americana nuevamente y recibió varias nominaciones en reconocimiento, entre ellos su décima octava nominación al Oscar.

 Julia Roberts, Meryl Streep y Julianne Nicholson en Agosto (2013)

A principios del 2014 interpretó a Chief Elder, compartiendo escenario con Brenton Thwaites y Jeff Bridges en la película The giver: el dador de recuerdos (The Giver), dirigida por Phillip Noyce. La cinta es la versión cinematográfica de la novela homónima (en castellano, El dador), escrita por Lois Lowry en 1993. Ese mismo años, Streep interpretó a La Bruja, compartiendo escenario con Emily Blunt, James Corden, Anna Kendrick, Chris Pine, Johnny Depp, Christine Baranski y Tracey Ullman, en la película Into the Woods (2014), dirigida por Rob Marshall; esta película la llevó a la nominación de actriz de drama favorita para los People's Choice Awards, su vigésima novena nominación a los Globos de Oro y su decimonovena nominación a los Oscar, ambas como mejor actriz de reparto.

Meryl Streep en Into the Woods (2014)

En 2015 protagonizó la película Ricki (Ricki and the flash), dirigida por Jonathan Demme, con Kevin Kline. Meryl Streep aceptó el papel de Ricki Rendazzo/Linda, una mujer que deja a su familia para convertirse en una estrella de rock, y que más tarde tiene la oportunidad de hacer las paces. Meryl Streep destacó cantando canciones como Bad Romance, American Girl y Drift Away, entre otras. 

Meryl Streep en Ricki (2015)

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Películas de la semana: 12 de septiembre

Lobo & Perro

Título original: Lobo e Cão AKA Wolf and Dog. Dirección: Cláudia Varejão. País: Portugal. Año: 2022. Duración: 111 minutos. Género: Drama. Interpretación: Ana Cabral, Ruben Pimenta, Cristiana Branquinho, Marlene Cordeiro, João Tavares, Nuno Ferreira, Mário Jorge Oliveira, Luísa Alves, Maria Furtado. Guion: Leda Cartum, Cláudia Varejão. Música: Xinobi. Fotografía: Rui Xavier. Productora: Coproducción Portugal-Francia; Terratreme Filmes, La Belle Affaire Productions. Distribuidora: #ConUnPack. Estreno en España: 12 de septiembre de 2023. Sinopsis: Ana nació en Rabo de Peixe, en São Miguel (Azores), una isla en medio del Océano Atlántico regida por la religión y las tradiciones. Al crecer como la hija de una familia de tres con su madre y su abuela, pronto Ana se da cuenta de que a las niñas y a los niños se les asignan tareas diferentes. A través de su amistad con Luis, su mejor amigo queer, que ama tanto los vestidos como los pantalones, Ana cuestiona el mundo que le está prometido. Cuando su amiga Cloé llega de Canadá trayendo consigo los días resplandecientes de la juventud, Ana emprende un viaje que la llevará más allá del horizonte. Lobo & Perro es el retrato de una generación que lucha por existir, un retrato intimo de un grupo de jóvenes que se enfrentan a sus primeras experiencias vitales que marcaran su camino.

Cumplió 25 años: Ronin

El 12 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Ronin, dirigida por John Frankenheimer e interpretada por Robert De Niro, Jean Reno, Natascha McElhone, Stellan Skarsgård, Sean Bean, Michael Lonsdale, Jonathan Pryce, Féodor Atkine, Jan Triska, Skipp Sudduth, Katarina Witt, Ron Perkins, Amidou, Bernard Bloch. Productora: United Artists, FGM Entertainment. Duración: 105 minutos. 

Sinopsis argumental: Deirdre es una mujer que necesita encontrar desesperadamente cierta maleta con un contenido que le es imprescindible poseer. Por ello, decide contratar a tres mercenarios de diferentes nacionalidades para que la busquen. Estos tres mercenarios pertenecen a un cuerpo de expertos en operaciones secretas que venden sus servicios a quien más pague, y que son conocidos como los Ronin de Japón: hombres sin honor, que ignoran para quién trabajan y cuáles son los verdaderos objetivos de su misión. Sólo saben que han de cumplirla, y no se de tendrán ante nada para ello. Sin embargo, estos tres mercenarios no se verán solos en la consecución de la misteriosa maleta, pues un peligroso individuo inglés también la busca desesperadamente.

Nominaciones y premios: Saturn Awards: Nominada a mejor Película de Acción/Aventura/Thriller; Asociación de Editores de Sonida de EEUU: Nominado a mejores efectos sonoros; Young Hollywood Awards: Mejor banda sonora (Elia Cmiral).

Comentario: La palabra "Ronin" está relacionada con los antiguos samuráis de Japón que no habían sido capaces de salvar la vida de sus señores, y eran condenados a errar como bandidos. Ahora los Ronin modernos son Robert De Niro, estratega y ex agente de la CIA; Jean Reno, que coordina las acciones del grupo; Stellan Skarsgård, experto en equipos electrónicos, Skipp Sudduth, el conductor; y Sean Bean, especialista en armas. En su camino se cruza el irlandés Seamus (Jonathan Pryce), que también ambiciona hacerse con el maletín. O sea, un reparto de ensueño. El director John Frankenheimer filma una sólida película de acción a la vieja usanza. Ahora que los espías no tienen bloques soviético o americano a los que apuntarse, buscan otro tipo de trabajos. David Mamet (con el seudónimo de Richard Weisz) articula una trama interesante, que incluye magníficas persecuciones automovilísticas, o la emocionante secuencia en la pista de patinaje.

Cumplió 25 años: Un plan sencillo

El 12 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Un plan sencillo (A Simple Plan), dirigida por Sam Raimi e interpretada por Bill Paxton, Billy Bob Thornton, Bridget Fonda, Brent Briscoe, Jack Walsh, Chelcie Ross, Gary Cole, Becky Ann Baker, Jack Walsh. Productora: Paramount Pictures, Mutual Film Company, Savoy Pictures. Duración: 121 minutos.

Sinopsis argumental: Hank, su hermano y un amigo encuentran 4.500.000 dólares en una avioneta que ha sufrido un accidente. Enfrentados al dilema de quedarse o no con el dinero, adoptan una solución intermedia: como Hank es el único que tiene un empleo estable y, por tanto, es el menos sospechoso, guardará el dinero durante una temporada. Si, al final, nadie lo reclama, se lo repartirán a partes iguales.

Nominaciones y premios: 2 nominaciones al Oscar: Mejor guion, actor secundario (Billy Bob Thornton); Nominada al Globo de Oro: Mejor actor secundario (Billy Bob Thornton); National Board of Review: Mejor guion; 2 Critics' Choice Awards: Mejor actor secundario (Thornton) y guión adaptado; Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a mejor guion adaptado; Sindicato de Actores (SAG): Nominada a mejor actor secundario (Thornton). 

Comentario: Sam Raimi dirige esta original fábula sobre la avaricia, un poco en la línea de El tesoro de Sierra Madre de John Huston: "Los protagonistas no son malos chicos. Son simplemente seres humanos, que toman una decisión y cargan con las consecuencias. Luchan por salir del lazo creado por el dinero, que se está cerrando lentamente en torno a ellos, como un nudo corredizo", ha afirmado Raimi. La película atrapa desde el minuto uno, a la vez que plantea cómo el afán de riqueza puede oscurecer todos los buenos sentimientos. 

Cumplió 25 años: Desert Blue

El 12 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Desierto azul (Desert Blue) (Desert Blue), dirigida por Morgan J. Freeman e interpretada por Casey Affleck, Brendan Sexton III, Kate Hudson, Christina Ricci, John Heard, Ethan Suplee, Sara Gilbert, Isidra Vega, Peter Sarsgaard, Fred Schneider, Liev Schreiber. Productora: HSX Films, Ignite Entertainment. Duración: 86 minutos. 

Sinopsis argumental: Baxter es un pequeño pueblo en mitad del desierto con unos pocos habitantes. Sin embargo hay algo que hace que a su paso todos se detengan: un gigantesco cono de helado y un parque acuático inacabado, con toboganes de agua, botes y canoas. Los jóvenes, especialmente Blue (Brendan Sexton III) y sus amigos, sienten que sus vidas se encuentran atrapadas y tratan constantemente de aliviar su aburrimiento, buscando un propósito para vivir. Todo cambia cuando un camión que transporta el ingrediente secreto de una marca de refrescos se estrella, derramando su contenido y provocando misteriosamente la muerte del conductor. El pueblo se llena de investigadores rodeándolo todo de un halo de misterio y se vuelve insospechadamente interesante. Al mismo tiempo, Blue conoce a Skye (Kate Hudson), una joven estrella de televisión que viajaba con su padre (John Heard) pero que debido al accidente se ve atrapada en el pueblo.

Comentario: La ciudad de Goldfield, Nevada, donde se rodó la película, tuvo más nieve durante las cuatro semanas de producción que en los treinta años anteriores.

Cumplió 25 años: Hurlyburl

El 11 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Hurlyburly (Descontrol) (Hurlyburly), dirigida por Anthony Drazan e interpretada por Sean Penn, Kevin Spacey, Chazz Palminteri, Robin Wright, Meg Ryan, Anna Paquin, Garry Shandling, Gianna Renaudo, David Fabrizio, Kenny Vance, Michaline Babich, Elaine Corral Kendall, Frank Somerville, Sharon Tay. Productora: FilmColony, Storm Entertainment. Duración: 125 minutos. 

Sinopsis argumental: Cuatro amigos que trabajan en la industria del cine comparten apartamento: Eddie (Sean Penn) y Mickey (Kevin Spacey) son directores de reparto, Phil (Chazz Palminteri) es un actor en paro, y Artie (Garry Shandling) se dedica a la producción. Trabajar cuesta: la presión es enorme y las oportunidades no tan buenas como uno quisiera. Además las lenguas pueden herir y hacer decir más cosas de las que uno quisiera; y las relaciones con las mujeres –Darlene (Robin Wright Penn), la bailarina Bonnie (Meg Ryan), la lolita aspirante a actriz Donna (Anna Paquin)– no son fáciles.

Nominaciones y premios: Festival de Venecia: Mejor actor (Sean Penn); Premios Independent Spirit: Nominada a mejor actor (Sean Penn).

Comentario: "Hurlyburly" es una palabra que significa algo así como "tumulto" o "follón". Y es que los personajes de esta película viven una acelerada existencia, autodestructiva y un tanto amargada. La película, dura y desgarrada, de humor muy vitriólico, se basa en una obra de teatro de estudiados diálogos; y presenta momentos muy intensos, en que los actores pueden lucirse a gusto. El reparto es para quedarse sin respiración; uno de los intérpretes, Sean Penn, se llevó un premio en el Festival de Venecia por su actuación.

Cumplió 25 años: After Life

El 11 de septiembre de 1998 se estrenó la película japonesa After Life (Wandafuru raifu), dirigida por Hirokazu Koreeda e interpretada por Arata Iura, Erika Oda, Susumu Terajima, Takashi Naito, Kyoko Kagawa, Kei Tani, Taketoshi Naito, Toru Yuri. Productora: Engine Film Inc, Sputnik Productions, TV Man Union. Duración: 118 minutos.

Sinopsis argumental: A mitad de camino entre el Cielo y la Tierra, los que acaban de morir son recibidos por unos guías que les ayudan a examinar sus recuerdos con el fin de rememorar un momento decisivo de sus vidas. Cada uno de los muertos debe escoger un único recuerdo para que sea plasmado en una película y poder así llevarlo con ellos cuando vayan al Cielo. 

Nominaciones y premios: San Sebastián: Premio FIPRESCI. Nominada a la Concha de Oro;  BAFICI: Mejor película. Mejor guión: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a mejor película extranjera.

Comentario: El japonés Hirokazu Koreeda volvió a sorprender en 1998 con esta original película que vuelve a tocar dos temas recurrentes de su filmografía: la memoria y la muerte. En esta ocasión, al igual que hiciera Giuseppe Tornatore en Pura formalidad (1995), After Life ubica la acción en una estación en la que las almas se congregan antes de entrar al cielo, un lugar al que el fallecido accederá con tan solo un recuerdo de su existencia, que deberá escoger. Con una puesta en escena sobria y sin demasiados efectos especiales que pudieran desviar la atención de la historia, Koreeda decidió entrevistar a 500 personas sin relación con el mundo del cine para dar con el reparto y utilizó sus decisiones vitales para acabar de pulir su guión, lo que confirió a la cinta de una naturalidad que a veces la acerca al cine documental.

Cumplió 25 años: Very Bad Things

El 11 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Very Bad Things, dirigida por Peter Berg e interpretada por Cameron Diaz, Christian Slater, Jon Favreau, Daniel Stern, Carla Scott, Jeanne Tripplehorn, Kobe Tai, Leland Orser, Jeremy Pive, Peter Berg. Productora: Interscope Communications. Duración: 100 minutos. 

Sinopsis argumental: Fisher está a punto de casarse con Laura, la mujer de su vida. Sus amigos deciden prepararle una despedida de soltero por todo lo alto, así que deciden irse a Las Vegas. Tanto descontrol provocará la muerte de la chica que le hizo el streaptease el día de la despedida. A partir de este momento, todo cambiará para este grupo de amigos que solo buscaban divertirse…

Comentario: El neoyorkino Peter Berg (Hancock, Battleship), que ha desarrollado parte de su trayectoria profesional en el terreno de la actuación, debutó en la dirección de largometrajes poniéndose tras las cámaras con Very Bad Things, un cruce entre comedia y thriller cuyo guión él mismo firmaba. Los amorales personajes, especialmente los interpretados por Christian Slater, en el papel de padrino psicópata, y Cameron Díaz, en el de novia obsesionada con la boda perfecta, componen una película provocadora y políticamente incorrecta que se convirtió en un inesperado éxito de taquilla.

Cumplió 25 años: Con amigos como estos…

El 10 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Con amigos como estos… (With Friends Like These...), dirigida por Philip Frank Messina e interpretada por Adam Arkin, David Strathairn, Jon Tenney, Robert Costanzo, Amy Madigan, Laura San Giacomo, Elle Macpherson, Beverly D'Angelo, Bill Murray, Jon Polito, Martin Scorsese, Garry Marshall. Productora: Miramax. Duración: 105 minutos.

Sinopsis argumental: Cuatro actores que son amigos ven muy cerca la gran oportunidad de su carrera: tener un papel en la última película de Martin Scorsese. Cada uno por su cuenta descubre cómo hacer méritos ante el famoso director. Pronto, la ambición y la envidia quedarán por encima de su amistad, y cada uno hará lo posible para que los demás no se enteren de cómo y dónde hacer las pruebas para conseguir el papel protagonista.

Comentario: Simpática película donde se dan cita grandes rostros de la comedia como Adam Arkin y Bill Murray. Por su parte, el cameo de Scorsese resulta de lo más divertido. Aún con todos estos ingredientes, la película no llegó a estrenarse comercialmente. 

Cumplió 25 años: Celebrity

El 10 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Celebrity, dirigida por Woody Allen e interpretada por Kenneth Branagh, Judy Davis, Joe Mantegna, Charlize Theron, Leonardo DiCaprio, Melanie Griffith, Winona Ryder, Greg Mottola, Hank Azaria, Gretchen Mol, Bebe Neuwirth, Famke Janssen, Bruce Jay Friedman. Productora: Sweetland Films. Duración: 113 minutos. 

Sinopsis argumental: A sus cuarenta años, Lee Simon (Kenneth Branagh), un escritor frustrado. Aunque ha intentado publicar sus novelas durante años, lo único que ha logrado es terminar trabajando como periodista del corazón. Mientras tanto, trabaja incansablemente en un guión con el que espera saltar a la fama. Poco a poco, Lee comienza a sumergirse en el mundo del cine, conociendo productores, actores, y todo tipo de personajes singulares que le harán vivir las situaciones más extravagantes y divertidas que ha tenido hasta ahora. Por si fuera poco, contará con la ayuda de su ex-mujer, Robin (Judy Davis ), que al iniciar una relación con productor de televisión logrará lanzarle a la fama y acercarle más a su sueño.

Comentario: Woody Allen sigue con sus temas habituales, aunque con un pesimismo más marcado que en otros films. El director (que cede el típico papel que él suele interpretar a Kenneth Branagh) analiza el desconcierto afectivo de numerosos personajes, con un acidísimo sentido del humor y un tratamiento de la sexualidad mucho más oscuro y descarnado de lo acostumbrado.

Cumplió 25 años: Jueves (Secretos familiares)

El 10 de septiembre de 2023 se estrenó la película estadounidense Jueves (Secretos familiares) (Thursday), dirigida por Skip Woods e interpretada por Thomas Jane, Aaron Eckhart, Paulina Porizkova, James Legros, Paula Marshall, Michael Jeter. Productora: Polygram Filmed Entertainment, Propaganda Films. Duración: 83 minutos. 

Sinopsis argumental: Casey (Thomas Jane) es un hombre normal, con una vida tranquila y sin preocupaciones graves. Vive junto a su mujer, Christine (Paula Marshall), y su vida parece idílica. Sin embargo, Casey tiene un pasado: durante años fue un importante traficante de drogas. Harto de esa vida, decidió empezar de nuevo como un arquitecto corriente. Pero el pasado siempre vuelve, y en su casa lo hace a través de Nick (Aaron Eckhart), un antiguo compañero. Nick le pide quedarse unos días, y, a regañadientes, Casey acepta. Aún así, no se fía de su inquilino, y sus sospechas se confirman cuando descubre que una de sus maletas está llena de heroína. A partir de ese momento surgirán varias situaciones disparatadas. Perseguido por traficantes, antiguos compañeros e incluso una ex-amante despechada de Nick, Casey tendrá que recomponer los pedazos de su vida y tratar de conservar la poca tranquilidad que ha ganado con los años. Sin embargo, no se lo pondrán fácil.

Comentario: Thriller de bajo presupuesto en el que se combinan dosis de humor y de violencia extrema. Se trata de la ópera prima de Skip Woods, quien más tarde escribiría el guión de Operación Swordfish. Su primer trabajo en la dirección fue exhibido en el Festival de Cine Independiente de Toronto.

Cumplió 25 años: El juguete rabioso

El 10 de septiembre de 1998 se estrenó la película argentina El juguete rabioso, dirigida por Javier Torre e interpretada por Thelma Biral, Lito Cruz, Mariano Torre, María Vaner, Onofre Lovero, Jean Pierre Reguerraz, Horacio Roca, Juan Acosta, Hernán Capo, Jorge Luz, Laura Ebekian, Nazareno Álvarez, Augusto Brítez, Horacio Marassi, Juan Pablo Imbrogno, Maximiliano Walsh. Productora: Patagonik Film Group, Javier Torres Producciones. Duración: 107 minutos. 

Sinopsis argumental: Silvio Astier, un joven de 16 años, es aficionado a las armas y a la fabricación de explosivos. Participa en robos y es perseguido por la Policía, por lo que su grupo de amigos se disuelve y él va a vivir a otro barrio y comienza a trabajar en una librería. Descontento, sin expectativas y lleno de rencor, Silvio intenta incendiar el local y huye por la ciudad.

Comentario: Basada en la novela homónima de Roberto Arlt. En 1984 ya se había realizado una adaptación cinematográfica de esta misma novela dirigida por Aníbal Di Salvo, José María Paolantonio.

Cumplió 25 años: Última parada, el paraíso

El 9 de septiembre de 1998 se estrenó la película rumana Última parada, el paraíso (Terminus Paradis), dirigida por Lucian Pintilie e interpretada por Costel Cascaval, Dorina Chiriac, Gheorghe Visu, Victor Rebengiuc, Razvan Vasilescu, Gabriel Spahiu, Dan Tudor, Doru Ana. Productora: Coproducción Rumanía-Francia-Italia; Cinematográfica Filmex S.A, Canal+, Fondazione Montecinemaverita, MK2 Productions. Duración: 99 minutos. 

Sinopsis argumental: Terminus Paradis es un espejo de la vida real, con ideas e imágenes chocantes. Bajo esto, un simple pero exhaustivo análisis de la vida rumana post-comunista. La simple acción, muestra la tipología patológica de la nueva mentalidad "capitalista", adaptada de la antigua europea del este. Las reacciones de los cambios post-comunistas son diferentes. Violencia por un lado (como Cafanu, el héroe de la historia) y la pasividad por el otro (como su coronel).

Nominaciones y premios: Festival Internacional de Cine de Venecia: Premio Especial del Jurado. 

Comentario: Dirigida por el veterano cineasta rumano Lucien Pintilie, la película obtuvo el Gran Premio Especial del Jurado del Festival de Venecia, además de estar nominada el León de Oro. Como es habitual en la filmografía del director, la película ahonda en la dolorosa crisis de la Rumania de la época y lo hace desde la perspectiva de los avatares de una joven pareja que vive en los barrios periféricos de Bucarest y que simbolizan la rebeldía contra la sociedad postcomunista y su sistema. La cinta se convierte así, junto a las otras obras de su director, en una crónica de las transformaciones que afectaron a la Europa del Este.

Cumplió 25 años: Verano de corrupción

El 9 de septiembre de 1998 se estrenó la película estadounidense Verano de corrupción (Apt Pupil), dirigida por Bryan Singer e interpretada por Ian McKellen, Brad Renfro, Bruce Davison, Elias Koteas, Joshua Jackson, David Schwimmer, Heather McComb, Mickey Cottrell, Ann Dowd, James Karen, Marjorie Lovett, Michael Reid MacKay, Joe Morton, Jan Triska, Michael Byrne. Productora: Phoenix Pictures, Bad Hat Harry Productions. Duración: 105 minutos.

Sinopsis argumental: Todd, un espabilado adolescente, reconoce en Kurt, un anciano vecino, a un antiguo criminal de guerra nazi. Fascinado por el horror del holocausto, chantajea al viejo de modo original: no le denunciará si consiente en abrir, sólo para él, su horrible pasado.

Nominaciones y premios: Critics Choice Awards: Mejor actor (Ian McKellen). 

Comentario: Bryan Singer (que dirigió la magnífica Sospechosos habituales) traslada a la pantalla una novela inquietante de Stephen King, en la que planea una atmósfera oscura y con morbo. El juego que se establece entre los dos protagonistas (uno presiona al otro, hasta que se intercambian los papeles) tiene fuerza y propicia la intensa secuencia en que Todd obliga a Kurt a ponerse su antiguo uniforme de la SS. Sin entrar en juicios de valor, la película muestra cómo el mal, la sensación de poder, el dominio de los fuertes sobre los débiles, (la filosofía de Nietszche, en suma) ejercen un fuerte atractivo capaz de corromper lo mejor. En efecto, tanto el chico como el anciano (magníficos Brad Renfro y Ian McKellen) son inteligentes y capaces, pero no buenas personas.