Perfil de Yasujirō Ozu, cineasta de la A a la Z (III)

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Shōchiku

Shōchiku Kabushiki gaisha Estudio de cine fundado en 1920 (¿1895?) y aún en funcionamiento. Ozu permaneció fiel a ella toda su vida, salvo raras excepciones.

Oficinas centrales de Shochiku en 2023, El edificio Togeki en Tsukiji, Chuo, Tokyo

Tatami

Elemento interior clásico de todas las películas íntimas japonesas, especialmente Ozu. Allí se duerme, allí se come, allí se bebe, allí se llora: allí se vive.

Iperita

Gas mostaza, asfixiante, utilizado desde 1917. Durante la gran guerra contra China (1937-1945), Ozu, que había recibido formación en el manejo de gases tóxicos durante su servicio militar, tuvo la oportunidad de aprovechar sus habilidades. En sus Diarios diría que está realizando maniobras y que va a gasear pueblos enteros. Salió con esta enigmática frase: “Durante la guerra, hice lo que había que hacer. » Regresa totalmente traumatizado. Fue después de la guerra cuando su cine se centró en la unidad familiar, y en casi cada una de sus películas hay un personaje muerto en la guerra cuyo recuerdo se evoca.

Perfil de Yasujirō Ozu, cineasta de la A a la Z (II)

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Hara

La actriz Setsuko Hara (1920-2015) fue la musa de la posguerra de Ozu. No lo esperó para ser una estrella, pero sus películas con Ozu son las más famosas (desde Primavera tardía (Banshun), en 1949, hasta El otoño de la familia Kohayagawa (Kohayagawa-ke no aki), en 1961). Se les atribuyó un idilio. Casi se casan, pero no. Todos mantuvieron su independencia. “La vida de una mujer no se reduce a la vida matrimonial. Una mujer puede absolutamente vivir de su trabajo”, declaró para justificar su celibato, considerado sospechoso. Cuando Ozu murió en 1963, desapareció sin previo aviso, al igual que Greta Garbo. Nunca volvimos a saber de ella. Evaporación al estilo japonés.

Setsuko Hara y Haruko Sugimura en Primavera tardía (1949)

Influencias

Ozu pertenece a la primera generación de directores de cine en Japón a principios de la década de 1920, como Kenji Mizoguchi y Mikio Naruse (Akira Kurosawa pertenece a la siguiente generación). Todo está por inventarse. Cuando empezó a dirigir, Ozu, gran cinéfilo, imitó a cineastas estadounidenses (Ernst Lubitsch, Raoul Walsh) y franceses (René Clair, Abel Gance) antes de encontrar su propio estilo.

Kamakura

Estación balnearia a menos de una hora en tren de Tokio, donde Ozu se mudó con su madre en 1952. El templo Engaku-ji, justo enfrente de la estación, alberga la tumba del cineasta en la que sólo se conserva el carácter 無 (pronunciado “mu”) que puede traducirse como “transitoriedad”. La tradición, que exaspera a los monjes budistas que cuidan el cementerio, exige que los admiradores del maestro coloquen una botella de sake sobre su tumba.

Mori

Desde 1935 hasta su muerte en 1963, Ozu tuvo una larga pasión con la geisha Sakae Mori. Una relación más o menos oficial, pero nunca admitida, que incluso fue descrita por un escritor, y rival, en una novela de éxito. En sus Diarios, en noviembre de 1935, Ozu escribió este haiku, sin duda inspirado en Sakae Mori: “Delgada como una liana/La seda roja de su ropa interior/Destaca su cuello. »

Okada

El actor Tokihiko Okada (1903-1934) fue una de las grandes estrellas del período mudo de Ozu, una estrella cuya muerte prematura (a los 30 años, por tuberculosis) le hizo especialmente de culto. Su hija, Mariko Okada, fue una de las últimas favoritas de Ozu, quien la eligió para sus últimas películas antes de convertirse en una estrella de la nueva ola japonesa, especialmente frente a la cámara de su marido, Yoshishige, Yoshida.

Popular

Ozu, al igual que su amigo Kenji Mizoguchi (1898-1956), cuyo elegía funebre pronunció, eran cineastas convencionales, los reyes de la taquilla, cuya última película se iba a ver los domingos con la familia. Cineastas populares cuyo nombre y rostro se conocían, como hoy Almodóvar. Ozu había inventado una personalidad pública a imagen de Alfred Hitchcock. La gente lo reconocía en la calle. Era sumamente elegante, vestía un traje para casi todas las circunstancias. A menudo llevaba un sombrero de pescador, del que tenía decenas de copias idénticas.

Sake

Ozu, un gran bebedor de té, también bebía litros de sake. A las cinco de la tarde de los días de rodaje, si había estado bebiendo ya no servía para nada. Si aún no hubiera bebido, invitaría a todo el equipo a un bar para empezar a beber. Uno de los dos niños de Buenos días (Ohayô, 1959) decía de Ozu que era como su tío, que olía a alcohol todo el tiempo... La última película de Ozu se tituló El sabor del sake (Sanma no aji, 1962). ¿Coincidencia?

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Perfil de Yasujirō Ozu, cineasta de la A a la Z (I)

Yasujirō Ozu y su indispensable cámara, hacia1956

Ozu, ferviente cinéfilo, ha filmado los cambios en Japón desde la altura de un tatami. Seleccionamos diez de sus películas y un documental. Esteta, fiestero, ¿quién fue realmente el director de El sabor del sake? Respuesta en forma de libro del abecedario.

Contemporáneo y equivalente a  Alfred Hitchcock, John Ford o Jean Renoir en la historia del cine mundial -él, como ellos, comenzó su carrera en el cine mudo-, Yasujirō Ozu (1903-1963) es sin duda el director japonés más famoso. Cronista melancólico de un Japón en pleno cambio, filmado a la altura de un tatami, en películas intimistas, con títulos impregnados de serenidad (Primavera precoz, Flores de equinoccio, La hierba errante, El sabor del sake), Ozu, soltero empedernido, casado con el cine, muy apegado a su madre, enamorado de una prostituta, tuvo una vida mucho más exuberante de lo que sugiere su obra al pastel. Desarrollamos este abecedario para contar la historia del hombre detrás del mito.

Atsuta

Pieza central del “clan Ozu” (Ozu-gumi), Yūharu Atsuta (1905-1992) fue primero asistente de Hideo Mohara, director de fotografía del período mudo; luego, sucediéndole, desarrolló, en 1937, una cámara Mitchell con un trípode corto que le permitió filmar muy cerca del suelo, a noventa centímetros de distancia, desde un ángulo ligeramente bajo, con una distancia focal que no distorsiona los rostros: el famoso “plano tatami”, firma del estilo Ozu.

Bamboche

Ozu, eternamente soltero, se casaba todas las noches. Bailaba rumba y mambo, estaba loco por Mistinguett, cuyos vinilos coleccionaba y al que imitaba cantando con onomatopeya. Nunca dejó de pagar en el restaurante mesas enteras y recorridos por todo Tokio. Su generosidad lo arruinó. Murió con deudas. También le encantaba hacer llamadas de broma o enviar telegramas firmados por otros. ¡Un auténtico bromista!

Cuadernos

Ozu llevó diarios desde 1933 hasta su muerte en 1963. Habla de todo excepto de sus rodajes. Anota lo que come, las películas que ve, la gente con la que toma el té. Es bastante poético porque se compone de pequeñas cosas: listas de autores, platos, citas, comentarios, algunos haikus. Un estilo muy suelto. Durante la guerra, el ritmo se vuelve cotidiano, describe los horrores.

Desprendimiento

En sus primeras películas mudas, bajo la influencia del cine americano, encontramos numerosos trucos de puesta en escena, travellings, aperturas y cierres de iris, superposiciones. Poco a poco los movimientos de cámara van desapareciendo. A partir de 1957, todas las películas japonesas estaban en Cinemascope, un formato amplio inventado para competir con la televisión. Es necesario que el público le dé la espalda a la televisión. Sólo hay uno que se niega y mantiene el formato cuadrado del cine mudo: Ozu.

Eiga

El vocablo japonés para cine. 

Familia

El tema central del cine de Ozu. La desintegración de la unidad familiar ante el paso del tiempo y la adversidad de los tiempos, el dolor de la separación entre padres e hijos, la soledad como único horizonte. Ozu no tuvo hijos ni esposa. Tras la muerte de su padre en 1934, vivió con su madre. Poco después, Ozu murió de cáncer el 12 de diciembre de 1963, el día exacto de su sexagésimo cumpleaños. Su familia era su equipo leal. Su vida y su profesión se fusionaron. Lo que le importaba sobre todo era el TRABAJO, como escribía con mayúsculas en sus diarios.

Geometría

Las fotografías fijas de Ozu están compuestas geométricamente, con líneas, diagonales, horizontes. Los actores interactúan en plano-contraplano de cara a la cámara, como si estuvieran hablando con el espectador. Las escenas están separadas por planos fijos de objetos o muebles (una tetera, un jarrón, una tetera), vacíos de personajes, como fotografías, naturalezas muertas, que aseguran la respiración de la película y permiten elipses temporales.

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Clásicos de cine: Cuentos de Tokio

Cuentos de Tokio (Tōkyō monogatari, 1953), dirigida por Yasujirō Ozu 

Protagonizada por Chishu Ryu, Chieko Higashiyama, Setsuko Hara, Haruko Sugimura, Así Yamamura, Kuniko Miyake, Kyoko Kagawa, Eijirō Tōno... Cuentos de Tokio narra la historia de unos padres ancianos, originarios de Onomichi, que visitan a sus hijos residentes en Tokio. Los primeros, provenientes del Japón rural, son rechazados en cierta medida por sus hijos, que están muy ocupados para prestarles atención. Pero la actitud de sus hijos contrasta con el comportamiento de su nuera viuda, que los trata con afecto. La humanidad evoluciona tan rápidamente que entre las generaciones se origina un abismo que las mantiene incomunicadas entre sí. Está considerada como una de las obras más importantes de su autor y a menudo es citada como una de las mejores películas realizadas. Ozu y el guionista Kogo Noda escribieron el guion en 103 días, y se basó, levemente, en la película americana Dejad paso al mañana de 1937, dirigida por Leo McCarey. Fue Noda quien sugirió la adaptación de la película, ya que Ozu aún no la había visto.​ Ozu contrató a muchos de los actores y miembros del equipo que habían trabajado durante años con él. En 1953 es estrenada en Japón, sin embargo, no ganó reconocimiento y fue considerado "demasiado japonesa" para ser comercializada.​ Más tarde, en 1957, se proyectó en Londres​ y un año después, ganó la primera edición de Sutherland Trophy, recibiendo elogios de los críticos de cine de Estados Unidos, después de que se proyectara en la ciudad de Nueva York en 1972. En 2012, fue elegida como la mejor película de todos los tiempos en una encuesta a los directores de cine de la revista Sight & Sound.El tema de la película incluye la ruptura y la occidentalización de la tradicional familia japonesa después de la Segunda Guerra Mundial, y la inevitable ruptura de unos niños que crecieron separados de sus padres. La película se desarrolla en el Japón de la posguerra (1953), pocos años después del nuevo Código Civil de 1948 que favoreció el crecimiento del país hacía ideales capitalistas occidentales, a la vez que trajo la destrucción simultánea de tradiciones más antiguas, tales como los valores de la familia japonesa. Ozu consideró Cuentos de Tokio, como una de las cintas más melodramáticas.

Por el estreno de Druk (Another Round) (III)...

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13.- The Small Back Room AKA Hour of Glory (1949), de Michael Powell, Emeric Pressburger

Se basó en la novela de 1943 del mismo nombre de Nigel Balchin. La película está ambientada en 1943. Con poco más de 75 minutos de la película, durante la escena en la que el personaje de Sammy Rice destroza su sala de estar, la sombra del micrófono se puede ver reflejada en el marco vacío en el primer plano de la toma. Mientras los alemanes arrojan trampas explosivas en Gran Bretaña en 1943, el experto amargado que tendrá que desarmarlos libra una batalla privada con el alcohol.

14.- The Drunkard (O methystakas, 1950), de Yorgos Javellas

Fue la película griega más taquillera en 1950. The Drunkard fue el primer gran éxito comercial en Grecia. Finos Film se estableció como la productora cinematográfica dominante en el país. Con su icónico retrato del borracho, Orestis Makris se convirtió en uno de los actores más importantes del cine griego. Haralabos es un humilde zapatero que perdió a su hijo en la II guerra Mundial y también a su mujer, que falleció de un infarto al enterarse de la muerte de su hijo. Haralabos vive alcoholizado y es cuidado con devoción por su hija pequeña Anna, la cual nunca encuentra pretendientes por ser la hija de un borracho. Acepta su destino con resignación, porque ante todo ama a su padre, un ser alcoholizado pero lleno de bondad. La situación precaria de la familia obliga a Anna a buscar trabajo. En su nuevo empleo de secretaría renacerán sus anhelos de ser amada. El hijo del jefe se enamorará de ella, sin saber quién es el padre.

15.- El trompetista (Young Man with a Horn, 1950), de Michael Curtiz

Drama musical lejanamente inspirado en la trágica vida del músico de jazz Bix Beiderbecke, muerto a los 28 años tras una fulgurante carrera que truncó el alcoholismo. El famoso Harry James se encargó de doblar los solos de trompeta de Kirk Douglas y los pianistas Buddy Cole y Zito pusieron su música en la banda sonora. Se basa en la novela homónima de Dorothy Baker, de 1938.

16.- Las hermanas Munekata (Munekata kyodai, 1950), de Yasujirō Ozu

Mariko Munekata vive en Kioto, en casa de su hermana mayor Setsuko, que está casada con un ingeniero sin trabajo. Éste se refugia en la bebida para olvidar su fracaso, pese a que eso hace muy infeliz a Setsuko que, sin embargo, por fidelidad a sus ideas conservadoras, se resigna a continuar esa relación enfermiza. Mariko, partidaria en cambio de las nuevas costumbres occidentales, sabe que su hermana ha estado siempre enamorada de Hiroshi y trata de reunir a ambos de nuevo. Junto a Akira Kurosawa y Kenji Mizoguchi, el realizador Yasujiro Ozu es uno de los referentes del cine japonés de todos los tiempos, a pesar de la dificultad de que sus películas llegaran a estrenarse en Europa. Las hermanas Munekata es uno de esos filmes de difícil distribución en España, ya que de hecho no llegó a estrenarse en nuestro país. En todo caso, es una cinta que sigue tocando los temas de Ozu, como es el mundo de la mujer y la influencia de las costumbres occidentales en la sociedad nipona.

17.-  Vuelve, pequeña Sheba (Come Back, Little Sheba, 1952), de Daniel Mann

Adaptación de la homónima obra teatral de 1950 de William Inge. El relato muestra un matrimonio en decadencia, mal cosido por acontecimientos pasados que han convertido a la pareja en un par de personas que viven juntas, pero que apenas se relacionan, de cómo el factor inquilina joven (y su atlético pretendiente) despierta en ambos sentimientos (parte de ellos sexuales) reprimidos, precipita los latentes problemas entre ello.

18.- Las angustias de vivir (The Country Girl, 1954), de George Seaton

Un actor de teatro llamado Frank Elgin (Bing Crosby) lleva una década en decadencia afectado por el alcoholismo y con un gran complejo de culpabilidad debido a la muerte del único hijo de la pareja.Bernie Dodd (William Holden), su director de escena, y Georgie (Grace Kelly), su esposa, intentarán luchar por sacarle del triste estado en que se encuentra, aunque las cosas no van a resultar nada fáciles… Todo se centra principalmente en el sentimiento de culpabilidad que arrastra el protagonista tras morir su hijo atropellado en el pasado por un descuido suyo. El sentirse responsable le inmoviliza para ser capaz de hacer algo en la vida y en lugar de enfrentarse a ello se da a la bebida. Este enfoque sí que es un gran acierto del film y está brillantemente tratado por Seaton, quedando patente en los múltiples problemas que tiene el protagonista la capacidad de desenvolverse en los escenarios y volver a ser el que fue.

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